Es riecht wie vorher.

Im Café „BaÅ¡carÅ¡ija“ am Taubenplatz. Der Platz gesäumt von niedrigen Holzhäusern der Altstadt Sarajevos, Zeugen der osmanischen Zeit, die in Bosnien-Herzegovina die engen Gassen, die hölzernen Minarette, den Geruch von Kaffee und das Geräusch des Kupferhandwerks hinterließ.

Am Tisch sitzen eine Frau und ein Mann, erstes Rendezvous. Sie erzählt von ihrem Mitleid mit den Brasilianern. In einer Reportage hörte sie von einem Mann, der elendig stirbt und ganz allein ist. Niemand kommt zu seiner Beerdigung.

„Du verrücktes Huhn.“ Liebevolles Kopfschütteln über diese Frau, die sich abrackert, den Lebensunterhalt für sich und ihre Tochter zusammenzukriegen und Nachtschichten als Kellnerin in einem Nachtclub schiebt, um das Geld für die Klassenfahrt der Tochter aufzutreiben.

Schweigen. Beide rauchen und schauen auf den Taubenplatz. Die Tauben fliegen hoch, ein kaltes Grau, nur der Straßenkehrer in Orange bringt Farbe in diesen Tag.

Und dann sagt sie diesen Satz: Der Geruch….
… Es riecht wie vorher.

Vorher und nachher ist die bosnische Zeitrechnung: Vor dem Krieg und nach dem Krieg. Vor und nach der Belagerung Sarajevos durch serbische Tschetniks. Der Krieg als Zeitenwende.

Esmas Tochter Sara ist zwölf. Im Krieg geboren, zeigt ihr Lebensalter die fortschreitende Distanz zur Zeitenwende. Wie sieht ihr Leben aus in Sarajevos Stadtteil Grbavica zehn Jahre nach Kriegsende? In den Zeitzonen Sarajevos, die sich wie Jahresringe das Flusstal der Miljacka entlangziehen, liegt Grbavica zwischen Moderne und Sozialismus. Der Alltag von Esma und Sara streift selten die pittoreske Altstadt aus osmanischen oder das prächtige Zentrum aus Habsburger Zeit. Kein Film, die Schönheiten Sarajevos zu zeigen. Höchstens während eines zweiten Rendezvous oben in den Bergen bei dem etwas unbeholfenen Versuch, beim Grillen Schneeromantik mit Aussicht auf Sarajevo zu erzeugen.

Die Aussicht ist noch immer grandios, aber dass die wunderschöne Lage inmitten der Berge dieser Stadt zum Verhängnis wurde, als von dort tagtäglich auf die Bevölkerung heruntergeschossen wurde und jeder Gang zur Schule oder in die Kellertheater zum todesmutigen Widerstand wurde, lässt sich schwer abschütteln bei einem Rendezvous in den Bergen. Das Stadtviertel Grbavica ist Zeuge dieser Zeit, die Einschusslöcher masern noch immer die Fassaden, weiter bergauf häufen sich die Ruinen. Und sind doch Kulisse eines normal aussehenden Lebens, das um Familie, Schule und Arbeit kreist.

Spiegelbildlich knüpfen Mutter und Tochter vorsichtige Beziehungen. Es ist die Solidarität der Opfer, die sie zusammenführt: Esma sah Pelda zum ersten Mal bei der Kriegsopferidentifikationsstelle. Sara kommt gerade jenem Klassenkameraden näher, der ebenfalls ohne Vater aufwächst. Beide Väter im Krieg gestorben, ein Å ehid, ein Kriegsheld, ein Märtyrer.

Als Sara mit der Nachricht nach Hause kommt, dass sie eine Bescheinigung als Tochter eines Å ehiden braucht, damit sie die Klassenfahrt nicht bezahlen muss, gerät die fest geklopfte Familienidentität ins Wanken. Sara spürt, dass etwas verborgen bleibt, aber Esma gibt auf ihre Fragen keine Antwort.

Das Nicht-Reden ist das große Thema dieses ersten Spielfilms der 32-jährigen Regisseurin Jasmila žbanić. Mit dem Nicht-Reden beginnt ihr Film: lange Einstellungen auf orientalische Muster. Teppiche an der Wand. Tepppiche auf dem Boden. Die Frauen, die dort nebeneinander liegen. Erzählen, weinen. Esma geht ins Frauenzentrum nur, um sich die monatliche Unterstützungsraten abzuholen. Sie spricht nicht.

Statt dessen hastet sie weiter, zur Nähwerkstatt, zur Nachtschicht im Nachtclub, nach Hause zu ihrer Tochter. Lässt sich von Sara aus dem kurzen Schlaf reißen, in eine turbulente Kissenschlacht verwickeln. „Prestan!“ „Hör auf!“, schreit Esma ihre Tochter an, als sie am Boden liegt, Sara obenauf, ihre Mutter im Spiel festhaltend.
Sara versteht nicht, ist verstört. Esma schweigt.

„Grbavica“ ist durchzogen von Szenen, in denen die Erinnerung durchbricht, der Alltag zusammenbricht, Esma sich in Angst zurückzieht. žbanić verzichtet jedoch darauf, Esmas traumatische Erinnerungen zu zeigen. Sie verzichtet auf das Weiterleben der Gewalt durch die Macht der Erinnerungen, verzichtet auf die Bilder der Vergewaltiger, die Esma immer wieder heimsuchen, verzichtet auf die Anklage der Täter. Saras Vater? Kein Å ehid, sondern ein Tschetnik, ein serbischer Kriegsvergewaltiger, dem Esma als Muslimin im Konzentrationslager ausgeliefert war.

Sara provoziert ihre Mutter, bis alles zwölf Jahre lang Verborgene herausbricht: „Du bist ein Bastard! Dein Vater ist ein Tschetnik! Er hat mich vergewaltigt!“

Sara rasiert sich die Haare, Identifikation mit den Opfern. Selbstbestrafung zugleich. Und kann doch am Ende mit den KlassenkameradInnen die Reise antreten, sitzt mit im Bus und stimmt ein: „Sarajevo, ljubavi moja – Sarajevo, meine Liebe“.

Zuvor aber sieht man noch einmal die orientalischen Teppiche und Esma beginnt zu erzählen.

Bewertung:
Ein berührender, ein wichtiger Film, hervorragend gespielt und trotz des furchtbaren Themas Kriegsvergewaltigung mit viel Humor und Hoffnung erzählt. Auch die ZuschauerInnen in Serbien waren übrigens bei der Premiere begeistert. In jeder Hinsicht ein bemerkenswerter Film!

Sensible Verfilmung einer Coming-of-Age-Geschichte, die auf eine authentische Geschichte zurückgreift: Ende der 70er glaubt eine Studentin aus Klingenberg am Main vom Teufel besessen zu sein. Nach einer Austreibung stirbt sie. Newcomerin Sandra Füller findet einen ganz eigenen schauspielerischen Stil.

Mit zitternden Fingern reißt Michaela (Sandra Hüller) den Briefumschlag auf, der so eben in den Briefkasten geworfen wurde. Sie kann ihren Aufschrei kaum unterdrücken. Atemlos stürzt sie zu ihren Eltern, um mit ihnen die Freude zu teilen. Die Zulassung für ihr Studium in Tübingen! Doch welche Verblüffung: Die Eltern werfen sich verschwörerischere Blicke zu, drucksen herum, wollen sie vom Studieren abbringen: „Michaela das geht nicht!” Da sei diese Sache. Die maßlose Enttäuschung der Tochter. Dann das Einlenken des Vaters (Burghart Klaußner), der nur das Wohl seiner Tochter will. Sie könne es ja vielleicht mal probieren – nur für einen Tag. Michaela ist verstört; die Mutter (Imogen Kogge) entsetzt.
Die Anfangsszene von Hans-Christian Schmids „Requiem” wirft den Zuschauer in eine äußerst komplizierte Familienkonstellation und in die „Sache“, von der die Eltern sprechen und die auf einen authentischen Fall beruht. In den 70er Jahren litt die junge Anneliese Michel aus Süddeutschland an epileptischen Anfällen (siehe wikipedia). Der Ort, an dem sie aufwuchs, war streng katholisch, kleinbürgerlich und sie glaubte von Dämonen besessen zu sein. Diesem authentischen Fall spürt “Requiem” nach.
Begleitet von ihrem Vater fährt Michaela nach Tübingen und bekommt dort ein düsteres Zimmer in einem Studentenwohnheim, welches sie mit einem Kreuz schmückt.
Sie lernt eine Freundin kennen – und einen Freund dazu, den sie küsst und liebt. Scheinbar sieht alles gut für sie aus, doch die schlechten Anzeichen mehren sich. In der Disco tanzt sie wilder als die anderen und man bekommt eher Angst vor ihr und um sie, als dass man sie versteht. Sie leidet an meist nächtlichen quälenden Anfällen, wird ohnmächtig. Da sie den Rosenkranz und das Kreuz nicht mehr berühren kann, sucht sie Rat bei ihrem Gemeindepriester. Der rät ihr zu einem Psychologen zu gehen. Sie fühlt sich nicht ernst genommen und reagiert mit erschreckendem Hass. Ein Kaplan einer anderen Gemeinde, rät ihr, im Gebet Hilfe zu suchen. Sie versucht es, doch es wird schlimmer.

Viele Erklärungen für Michaela Klinglers Zustand sind möglich bei Hans-Christian Schmids „Requiem“, doch letztendlich ist keine zwingend. Ist es die Kaltherzigkeit der strengkatholischen Mutter, die Michaelas Selbstbestimmungsversuche zurückweist? Ist es der Glaube an sich, der sich im Uni-Alltag langsam zu verflüchtigen scheint, den aber Michaela dringend als Halt benötigt? Besteht die junge Studentin aus zwei Persönlichkeiten, die sich gegenseitig bekämpfen und die sie langsam zerreiben?

Es ist jedoch nicht der pathologische Befund der Schulmedizin der Schmid interessiert, sondern es ist die Wechselbeziehung von sozialem Umfeld und Michaelas Psyche. Der Regisseur inszeniert eine Coming-of-Age-Geschichte in der die Hauptfigur scheitert, ohne jedoch eine restlos klärende Analyse geben zu können und zu wollen. Die Funktion des Glaubens spielt dabei eine wichtige Rolle. Der Glaube an Besessenheit erlaubt Manuela ein Verhalten, welches religiös ist aber gleichzeitig aufbegehrt gegen die Strenge des katholischen Elternhauses – ein Ort an den sie letztendlich immer wieder zurückkehren wird.

Es wird zwar aus „Rosemaries Baby“ zitiert, wenn Eltern, Priester und Kaplan unerwartet und plötzlich wie eine verschworene Gemeinschaft auftauchen, um der Studentin einen Exorzismus vorzuschlagen und ebenso fühlt man sich an “Der Exorzist” erinnert, wenn sie sich wie besessen gebärdet. Doch dies ist hauptsächlich daraus motiviert, uns Michaelas Seelenzustand nahe zu bringen, ihre Perspektive einzunehmen. „Requiem“ ist kein Horrorfilm wie diese oder „Der Exorzismus der Emily Rose“, der sich ebenfalls auf diesen authentischen Fall stützt. Schmid bearbeitet diesen Stoff also vollkommen neu.

Herausragend – die Debütantin Sandra Hüller: Sie hat ihre eigene unverwechselbare Art, diese Figur und ihre wechselnden Zustände zu spielen und erreicht dabei eine Glaubwürdigkeit die ihres Gleichen sucht. „Requiem“ entführt uns in die süddeutsche Provinz der 70er. Meist gelingt es historischen Filmen nicht, eine Atmosphäre zu suggerieren, in der die Vergangenheit lebendig und authentisch erscheint. Doch die 70er Jahre, die Orte und die Figuren wirken in diesem Film nicht gekünstelt.

Wer’s mag… eine Kamera, die mich eher an Aufnahmen von CNN in Krisengebieten erinnert, Musik, die sich bohrend in die Ohren drängt (gerade am Anfang), sowie ein Plot, aus dem man hätte etwas machen können. Und das Matterhorn… in jedem Licht, das nur denkbar ist. Na, immerhin wurde der Berg dann konsequenterweise auch im Abspann genannt.Wir sehen zu, wie einer an seiner Liebe irre wird. Das an sich mag ein spannendes Thema sein – aber nicht so wie das hier in inszeniert wurde. Der Film ist so unterkühlt wie die schneebedeckten Schweizer Berge. Die Schnitte sind so rasant und manchmal so unprofessionell, dass man denkt, hier hat einer seine Urlaubsvideos auf dem PC selbst geschnitten.Der Protagonist Lenz wandelt der Filmbeschreibung nach auf den Spuren von Büchners Lenz, aber dieser Bezug wird im Film nicht so richtig deutlich. Die Hauptfigur ist einfach nur ein unreifes, verspieltes, großes Kind. Zwar kümmert er sich liebevoll um seinen kleinen Sohn, aber eher wie ein gleichaltriger Freund als ein verantwortungsvoller Vater. Und die Beziehung zu seiner Exfrau Nathalie ist ebenso verantwortungslos. Ein bisschen wenig. Und deshalb bleibt Lenz allein. Aus Unfähigkeit, erwachsen zu werden. Er liegt er im Schnee, säuft und heult „Wish you where here…”Ab und an kommen Lichtblicke durch, wenn beispielsweise dokumentarische Passagen einbrechen. Doch das sind nur Versuche, die den Regisseur dann wohl selbst nicht überzeugt haben, denn er verfolgt sie nicht weiter. Einzig die schauspielerische Leistung von Barbara Maurer, die die Nathalie spielt, verdient Beachtung.Wer Büchner gelesen hat, sollte meiner Meinung nach den Film meiden.Ich hatte mich auf eine literarisch-lyrische Reise gefreut und wurde hektisch aus meinem Kinosessel geschüttelt.Schade – ich hätte mir einen anderen Abschluss “meiner” Berlinale gewünscht.

Barakat heißt auf Deutsch: Es reicht! Das sagen die beiden Alten, als sie am Ende des Filmes die Pistole, mit der die bis dahin rationale junge Frau plötzlich Männer bedroht, im Meer versenken. Genug Krieg, Mord und Gewalt!
Ein gelungener Berlinaleabschluss!

Ein großer Film, nicht nur für junge Cineasten, über Freundschaft, Vertrauen und den Zusammenhalt von Familien. Und über das Sterben und das Loslassenkönnen.

Sophie, deren Mutter verstorben ist, macht mit ihrem Vater und dessen neuer Freundin Kristina und deren Tochter einen Ausflug. Sophie ist eifersüchtig auf Kristina und beim ersten Konflikt reißt sie aus und trifft auf Bataa, einem jungen Neandertaler.
Bataa wurde durch einen Meteoriten aus dem Eis geschmolzen. Bataa und Sophie treten eine gemeinsame abenteuerliche Reise durch die Alpen an. Die Landschaft korrespondiert mit der dramaturgischen Handlung: Fließt der Film in ruhigem Tempo dahin, bewegen sich die Protagonisten auf flachwelligen Almen. Wird es spannend, werden die Berge steiler und scharfkantiger. Nur langsam wächst zwischen den beiden Vertrauen. Und einmal wird es hart auf die Probe gestellt. Doch Sophie kehrt zurück, Bataa zu helfen, die Reise zu seinen Vorfahren anzutreten. Und das bedeutet für den Neandertaler, zu sterben.
Am Lagerfeuer sitzen die beiden beieinander und erzählen sich ihr Schicksal – das von Bataa Gesagte bleibt dem Zuschauer meist verborgen. Aber Sophies Geschichte, ihre Sehnsucht nach der Mutter berührten nicht nur mich sehr. Der Film wird ab 7 Jahren empfohlen. Ich denke jedoch, dass die emotionalen Stimmungen, die der Film hervorruft, ein höheres Alter verlangen. Als das Licht wieder anging, hatten vor allem die Eltern feuchte Augen.
Es gibt ein paar wundervoll lyrische Metaphern: Sophie sucht den Bahnhof, Bataa seine Höhle. Beide wissen was es bedeutet, zum Himmel zu zeigen und „Mam“ zu sagen. Und als Bataa tödlich erkrankt an einer Grippe zusammenbricht, ist es Sophie, die ihn fast ohne Worte aufrichtet, so dass er seinen Weg zu Ende gehen kann.
Das Kino schluchzte geschlossen auf, als es zum Abschied der beiden an der Baumstammbrücke kam (vergleiche das Interview mit dem zehnjährigen Matthes in filmcheck). Der Film lässt uns gleichzeitig traurig berührt und froh zurück: Froh, da sowohl Bataa als auch Sophie ihre Familien wieder finden.
Was bleibt sind die Erinnerung an wundervolle Bilder und ein Gefühl der Sehnsucht nach Nähe und Geborgenheit, die die beiden Kinder, Sophie und der Neandertaler, lange suchen und erst am Ende finden.

Dank Kleo kam ich am Donnerstag in den Genuss eines Berlinale-Films, und zwar eines Indischen! Es war mein erster indischer Autorenfilm.Der Regisseur, Buddhadeb Dasgupta, zum zweiten Mal Gast bei der Berlinale, zeigte sich über das mangelnde Interesse des Publikums, welches ihn nicht gerade mit Fragen bombardierte, enttäuscht. Er verwies auf die Bezüge zu seinem autobiographischen Roman „America, America“. Dasguptas ist Lyriker und Romanschriftsteller, was der langsamen, poetischen – treffender – elegischen Filmsprache sehr anzumerken war.Einige Zuschauer verließen früher den Film, und auch mir hätte ein Kaffee davor wohl gut getan. Dies soll aber kein Vorwurf an „Kaalpurush/Memories in the Mist“ sein – es ist wohl eher so, dass heutige westliche TV- und Kinostandards von immer kürzeren und erlebnisstärkeren Einheiten geprägt sind.Aber jetzt zum Inhalt: Wie so oft in indischen Filmen gibt es keine chronologische Abfolge von Ereignissen, sondern ein Nebeneinander von verschiedenen Zeitebenen, was vielleicht auf dem Kreislauf von Leben und Schicksal beruht. Im Mittelpunkt steht das Vater-Sohn-Verhältnis sowie die Ehebeziehung von Sumanta. Mit diesen Beziehungstypen und ihren Problemen sind wir zwar aus Bollywoodfilmen recht gut vertraut, jedoch weniger in einer Weise, in der es keine Hoffnung, kein Happy End gibt. Sumanta ist ein gutmütiger und naiver Mensch, der mit kindlichem Staunen und Aufrichtigkeit seiner Umwelt entgegentritt, dafür aber immer wieder bestraft wird. So wird bspw. seine Beförderung verweigert. Seine vom Amerika träumende Frau hält ihn deshalb für einen ewigen „failure“. Den Illusionen und Sehnsüchten, denen Supriya nachhängt – sie träumt von einer Karriere als Schriftstellerin und materiellen Wünschen, werden karikiert: Sie fliegt in die USA, beschreibt aber die Orte ihrer Reisebücher, nur indem sie sich Videos darüber ansieht. Und doch hat sie unheimlichen Erfolg damit – ein Hinweis auf die unausweichlichen Sehnsüchte ihrer Leser, die die Moderne mit sich bringt. Im Fernsehen sehen wir dazu indische Nachrichten, die sich intensiv mit G.W.Bush und seiner Interpretation des american dream beschäftigen. Später, als der Nachrichtensprecher eine unangenehme Wahrheit über lokale Eliten ausplaudert, wird der Sendebetrieb unterbrochen.Bruchstückhaft erfahren wir das Kindheitstrauma Sumantas: Sein ebenfalls von einer undefinierbaren Sehnsucht nach einem anderen Ort getriebener Vater wird von seiner Frau in Anbahnung eines Seitensprungs ertappt. Daraufhin trennt sich das Paar, beide werden unglücklich, der Vater begeht Selbstmord. Erst hier, kurz vor Schluss, begreifen wir, dass die nach Jahren des Schweigens überraschende Begegnung von Vater und Sohn, die versöhnliche Aussprache, nichts weiter war als eine Illusion, ein Wunschtraum Sumantas. Dennoch ergibt sich der Film nicht der Hoffnungslosigkeit. Am Ende sehen wir Sumanta, wie er am Strand mit seinen Kindern spielt.Es ist wenig zu spüren vom Bollywood-Indien in „Kaalpurush/Memories in the Mist“: Keine dahinschmelzenden Liebespaare, keine überschwengliche Lebensfreude, keine herzergreifende „Familienzusammenführung“. Eher die süß-bittere Erkenntnis der gewollten Selbsttäuschung, von der Bollywood lebt, wenn wir die einzige Tanzszene des Films sehen, in der eine Prostituierte für Sumanta müde und gelangweilt tanzt (das scheint wohl eine durchaus gängige Dienstleistung zu sein) – und an der Wand ausgeschnittene Bilderfetzen von Bollywood-Schönheiten.

Im Monty-Pythons-Klassiker „Das Leben des Brian“ fragt der Ankläger auf der Steinigung misstrauisch: „Ist hier etwa Weibsvolk anwesend?“ „Nein, nein“, beschwichtigen ihn die Frauen mit verstellten Stimmen, die sich als Männer verkleidet haben. Sie sind beim „Volkssport“ Steinigung nicht zugelassen. Ort der Handlung: Jerusalem. Wir schreiben in etwa das Jahr 20 nach Christi Geburt.
Eintausendachthundertundfünfzig Jahre später. Ort: Teheran. Der Iran qualifiziert sich am 8. Juni 2005 mit 1:0 im Spiel gegen Bahrain für die Fußballweltmeisterschaft 2006 in Deutschland. Frauen sind nur in Begleitung eng verwandter Männer, dem Vater oder Bruder, zugelassen. Haben diese kein Interesse am Fußball, gibt es für sie keine Hoffnung, das Spiel vor Ort zu verfolgen. Also verkleiden sich die weiblichen jungen Fans als Jungs.
Das Mädchen, welches wir zu Beginn im Bus sehen, geht das erste Mal zu einem Fußballspiel. Wir erfahren erst am Ende ihr trauriges Motiv. Sie muss also ihre „Feuertaufe“ erst bestehen. Die Karte, die ihr schwarz verkauft wird, muss sie sehr viel teurer bezahlen als der Junge vor ihr, denn sie wird als weiblich erkannt. Sie scheitert gleich am ersten Kontrollpunkt, da sie sich nicht betasten lassen will. Der Versuch, in der Menge unterzutauchen, scheitert. Sie wird gefasst und in eine Umzäunung vor dem Stadion gebracht, in der auch schon andere Mädchen sitzen. Nach dem Spiel wird man sie der Sittenpolizei übergeben.
Das liest sich eher tragisch, doch der Regisseur Panahi, der sich auch früher schon mit dem Problemen von Frauen im Iran befasst hat, verarbeitet diesen Stoff zu einer Komödie, ohne das dieser an politischer Brisanz verliert. Es entstehen grotesk-komische Situationen, die die Unterdrückung der Frauen als absurd und weltfremd entblößen: Eine der festgehaltenen Mädchen muss auf die Toilette – doch es gibt nur Männertoiletten. Damit sie nicht erkannt wird, muss sie sich ein Plakat, welches das Gesicht eines der Spieler zeigt, vors Gesicht binden. Und dann sind da noch die pinkelnden männlichen Fans, die hinausgeworfen werden müssen. Und was ist mit den Kritzeleien an den Wänden des Aborts? Männer fluchen, schreien und schreiben vielleicht auch noch vulgäre Sprüche auf die Toiletten – das darf einer Frau aus Teheran natürlich nicht zugemutet werden.
Der Regisseur skizziert auch die Generation der Alten. Im Gegensatz zu den jungen Soldaten, die die weibliche Diskriminierung nur auf Befehl ausführen (deshalb allerdings nicht weniger scharf), argumentiert ein Vater, der unter den Festgehaltenen seine Nichte erkennt, gegen die Emanzipation von Frauen. Er will das vielleicht 14jährige Mädchen schlagen – doch die Soldaten halten ihn zurück. Deutlich wird: Es geht ein Riss durch die Generationen. Die Unterdrückung der Frauen im Iran schlägt sich vor allem in öffentlichen Regeln nieder, die die Jüngeren zwar befolgen, aber an die sie – im Gegensatz zu den Alten – nicht mehr so recht glauben wollen. Gebärden sich doch die Mädchen “männlicher” als diejenigen, die sie daran hindern wollen, das Stadion zu betreten. Fachmännisch analysieren sie die Aufstellung der Spieler, fluchen und rauchen dabei. Bevor das Spiel endet, werden sie in einem Bus weggekarrt. Durch das Radio erfahren sie von der WM-Teilnahme Irans. Die Stadt Teheran ist im Ausnahmezustand. Der junge Chef der Soldatentruppe, der sich für Fußball nicht begeistern konnte und der die Mädchen überführen soll, kann sich der Stimmung nun nicht mehr länger entziehen – letztendlich gibt es sowieso kein Durchkommen mehr, denn alles ist dicht. Alles endet im Freudentaumel. Sie steigen aus und feiern den Sieg mit den anderen. Niemand interessiert sich noch für Geschlechterdifferenzen – denn Iran ist bei der WM dabei.

“Offside” verarbeitet einen prisanten politischen Stoff unterhaltend, komisch und dramaturgisch erstklassig.