Ein neuer Film des amerikanischen Independent-Kinos zerstört ganz beiläufig den Hollywood-Mythos von der perfekten Rache. Absolut empfehlenswertes Drama aus Arkansas mit fabelhaft aufgelegten (Laien-)Schauspielern.

Der alte Hayes war ein Mann mit zwei Gesichtern. Nach jahrelangem Trinken hatte er ein christliches Erweckungserlebnis. Er hörte mit dem Trinken auf, verlies seine Familie und gründete im Nachbarort eine neue. Wird erfolgreicher Farmer. Die verlassene Frau kommt über die Trennung niemals hinweg. Ihre drei Söhne werden im Hass auf den Vater großgezogen, während er der neuen Familie ein treusorgender Gatte und liebevoller Vater war. Die Vergangenheit hat er begraben. So tief, dass er die eigenen Söhne verleugnete, denen er nicht einmal Namen zugestanden hatte. Sie heißen Son, Boy und Kid. Namen für Hunde. So leben nur wenige Meilen voneinander entfernt zwei Familien in erbittertem Hass. Dann stirbt der alte Hayes.

Son, Boy und Kid wagen es, zur Beerdigung zu gehen. Son hält am offenen Grab eine kurze Rede, in der er vom anderen Hayes spricht, dem Hayes, der ihm Vater war. Zum Schluss aber spuckt er auf den Sarg. Die drei Brüder werden gewaltsam von der Beerdigung vertrieben. Gleich danach beraten die Brüder der neuen Familie, wie diese Blasphemie gerächt werden kann. Was nun folgt, ist die präzise Choreographie der Blutrache. Obwohl jedem der Beteiligten die Unvernunft ihrer Handlungen erkennbar ist, kann sich doch keiner ihrer logischen Folgerichtigkeit entziehen. Innerhalb beider Lager gibt es die eher vernünftigen Parts, die vergeblich zu mäßigen versuchen, und die Heißsporne, die die Eskalation vorantreiben.

Die Stärke des Films besteht darin, die Gewaltakte niemals zu zeigen. Es ist unnötig. Zu oft hat man die Mechanismen der Rache gesehen. Die Regeln der Eskalation sind bekannt: Jede Handlung der einen Seite erfordert die Gegenhandlung der anderen, jede vollzogene Rache erfordert die Gegenrache. So konzentriert sich Nichols ganz auf das psychologische Innenleben seiner Figuren, der Frage, warum sie einfach keinen Ausweg aus dem archaischen Denkmuster finden.

Der Film erzählt in einer lakonischen Ruhe, zeigt immer wieder die Weite der Landschaft Arkansas mit seinen Baumwollpflanzungen. Doch unter der schönen Oberfläche lauert die Gewalt. Als Zuschauer kann man die ruhigen Bilder nie wirklich genießen, weil immer schon der nächste Gewaltausbruch droht.

Die Rache ist ein schwieriges Konstrukt ohne Ende. Im Grunde will jede Rache den Konflikt beenden. So wird wiederkehrend auf beiden Seiten immer wieder gesagt: »Irgend jemand wird das beenden müssen.« Aber jedes Ende ist nur wieder ein Anfang für die Gegenseite. Die Crux ist also, dass der Konflikt ins Unendliche weitergeht, obwohl beide Seiten eigentlich ernsthaft an einem Ende interessiert sind.

Nichols selbst beschreibt die Intention zu seinem Film so: »In der Literatur, im Film, in der Politik oder der Gesellschaft wird Rache, genauer gesagt: das Rachenehmen, häufig als Erfolgsgeschichte dargestellt. Ob es Edmund Dantès in >Der Graf von Monte Christo< ist, der seinen Schwur, Danglars zu ruinieren, einlöst, oder ob der Terrorist Hans Gruber in >Die Hard< zu Tode kommt.« Diesen Rachemythos zerstört Nichols’ SHOTGUN STORIES: »Rache kann niemals erfolgreich sein.«

Nach dem Film gab es im Delphi minutenlange Ovationen für den Regisseur.

Dieser Artikel wurde während der Berlinale 2007 geschrieben.

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Die Filme Kihachis werden noch bis Ende März im Kino Arsenal wiederholt.

Wo graben die nur diese ganzen geilen Filme aus? Jedes Jahr wird im Forum mit schöner Regelmäßigkeit einfach ein neues japanisches Regiegenie aus der Taufe gehoben, als hätten die da Anfang der 50′er ein ganzes Faß aufgemacht. Nach dem phantastischen Nobuo Nagakawa auf der letzten Berlinale heißt die neueste Ausgrabung dieses Jahr Okamoto Kihachi. In Europa kannte man bislang nur sein Samurei-Meisterwerk „The Sword of Doom“. Im Forum war jetzt noch mehr zu sehen.

Fangen wir mit seinem bekanntesten Werk an. „The Sword of Doom“ (Daibosatsu toge) aus dem Jahr 1966 erzählt die Geschichte des Samurei-Schwertkämpfers Tsukue Ryunosuke. Nicht zum ersten Mal, drei sehr erfolgreiche Verfilmungen dieses bekannten Romans um einen Krieger am Ende des Tokugawa-Shogunats in Edo (Tokyo), also um ca. 1860, hatte es zuvor schon gegeben. Aber Kihachi findet einen völlig neuen Zugang zum populären Stoff, indem er das Psychopathische der Hauptfigur in den Vordergrund seiner Inszenierung stellt. Ryunosuke wird zum nihilistischen Monster, hervorragend gespielt von Nakadai Tatsuya mit Buster-Keaton-Mimik. Ryunosuke ist ein Fremdkörper in dieser Welt, er gehört nirgends dazu, er hat keine Freuden, keine Frau, keine Ideale. Er lebt ausschließlich für den Schwertkampf, in dem er mit unerbittlicher Konsequenz alles abschlachtet, was sich ihm in den Weg stellt, den besten Freund inbegriffen. Großartig sind die Choreographien der Schwertkämpfe, in denen mehrmals ein ganzes Heer von einem einzelnen Samurei hingerichtet wird (warum lassen die sich eigentlich immer schön einer nach dem anderen abmurksen, statt einfach alle auf einmal anzugreifen, muss wohl mit dem japanischen Ehrenkodex zusammenhängen). Am Ende wird Ryunosuke endgültig wahnsinnig. Er sieht überall Schatten und zerschlägt in einer gewaltigen Schlacht die Inneneinrichtung des Geisha-Hauses, in dem er sich gerade befindet, während seine Gegner draußen auf ihn warten. Es ist das erste Mal im Film, dass sich seine Gesichtszüge verändern. Sie entstellen sein Gesicht zu einer Maske des Wahnsinns, während er auf den Bambus eindrischt. Ryunosuke ist nicht mehr länger ein Mensch, er ist nur noch die Verlängerung seines Schwertes. Leo gibt für Doom die Übersetzungsvarianten „drohendes Unheil, dunkles Schicksal, Untergang, Verhängnis“ aus. Passend scheinen alle Varianten. Von daher wäre es interessant zu wissen, was im japanischen Titel denn nun genau steht. In Japan floppte der Film im Gegensatz zum Westen, ein so negatives und düsteres Bild des Kriegers wollte man wohl nicht sehen.

Kihachis Filme zerfallen in zwei große Blöcke, einerseits die Samurei-Filme, andererseits die zahlreichen Kriegsfilme. Letztere halte ich für die große Entdeckung der Berlinale. Zwei völlig gegensätzliche Filme markieren dabei die beiden Höhepunkte im Filmschaffen Kihachis. Die Großproduktion der Produktionsfirma Toho „The Emperor and a General“ (Nihon no ichiban nagai hi) wurde mit Staraufgebot und Riesenbudget zu Ehren des 35-jährigen Bestehens der Firma gedreht, die Realisierung von Kihachis persönlichstem Projekt „Human Bullet“ (Nikudan) hingegen verweigerte Toho drei Jahre lang, bis Kihachi schließlich entnervt aufgab und mit minimalen Produktionskosten das Projekt auf eigene Rechnung drehte. Anzumerken sind die völlig verschiedenen Produktionsbedingungen den beiden Filmen aber nicht.

„The Emperor and a General“ ist ein spannendes und realistisches Dokudrama über die letzten 24 Stunden vor der japanischen Kapitulation im Zweiten Weltkrieg. Gespräche und Verhandlungen der Regierung sowie die aufbegehrenden Offiziere der kaiserlichen Garde, die eine Verstärkung der Kamikaze-Angriffe und eine Endschlacht auf dem japanischen Kernland fordern, eskalieren die Situation schnell an den Rand eines Staatsstreiches. Schon nach kurzer Zeit entwickelt der Film die Spannung eines Hollywood-Thrillers, obwohl man das Ende ja eigentlich kennt. Unglaublich beängstigend sind die jungen Soldaten, die, moderne Wiedergänger Ryunosukes, jedem rationalen Argument verschlossen sind. Die fanatische Begeisterung, mit der sie den eigenen totalen Untergang herbeizwingen und ein ganzes Land in den Seppuku-Selbstmord treiben wollen, wird von Kihachi großartig in Szene gesetzt. Was für Drogen mag er seinen Darstellern gegeben haben, dass diese wie vollkommen Irrsinnige kreischen, dass Hitler auf der Klimax seiner Reden verglichen damit wie ein sachlich und nüchtern argumentierender Intellektueller wirkt.

Kihachi selbst hat es später als großes Glück gesehen, dass er den 2. Weltkrieg überlebt hat. Er gehört der verlorenen Generation an, die 1924 geboren wurden. Kein anderer Geburtsjahrgang hatte nach dem Krieg mehr Opfer zu beklagen. Für Kihachi war der Krieg ein Initiationserlebnis, das er nie vergessen sollte, obwohl er nur die letzten 8 Monate dienen mußte. Seine persönliche Abrechnung mit dem Krieg gelang ihm 1968 mit der rabenschwarzen Satire „Human Bullet“. Wieder steht ein Kamikaze-Krieger im Mittelpunkt der Handlung, aber diesmal wird ein ganz anderer Film daraus. Nicht der Soldat ist der Wahnsinnige, die Umstände sind wahnsinnig. Terada Minori spielt den dummschlauen Schelm „Er“, der als menschliches Geschoss (Human Bullet) am Ende des Krieges in einem Fass an einen Torpedo angekettet, den Feind sucht. Während er im Fass seiner Bestimmung entgegenschwimmt, zieht sein bisheriges Leben an ihm vorbei, der Drill und der Hunger nach der Einberufung, die „Beförderung“ zum Kamikaze-Krieger, die erste Liebe, die Zerstörung der Stadt bei einem Fliegerangriff. Die Absurdität des Krieges und vor allem der massiven Selbstmordeinsätze in den letzten Tagen kontert Kihachi mit groteskem Witz, vielleicht nur vergleichbar mit dem fast zur selben Zeit entstandenen „Dr. Seltsam oder Wie ich lernte, die Bombe zu lieben“ von Kubrick.

Die Filme Kihachis werden im Februar und März im Kino Arsenal gezeigt. Nach den Erfahrungen der letzten Jahre zu urteilen, dürfte dies die letzte Gelegenheit sein, die Filme zu sehen. Weder Ozu noch Nagakawa hatten im Anschluss an die Berlinale Eingang ins europäische Filmtreiben. Lediglich von „The Sword of Doom“ gibt es eine DVD-Fassung. Ich empfehle ausnahmslos alle Filme, besonders aber „The Emperor and a General“ und „Human Bullet“. Termine gibt es hier: http://www.fdk-berlin.de

Bewertung:Tschechischer Generationenfilm über die Hippie-Jugend in der CSSR der 70′er Jahre. Recht konventionelles Samstagabend-Popcorn-Kino für die reifere Jugend mit interessantem Verleihkonzept.
Der Verleih beabsichtigt keine konventionelle Verwertung via Kino/ Fernsehen/ DVD.

Der Hippie Olin ist gerade aus der psychiatrischen Anstalt entlassen worden, in die er eingeliefert wurde, weil er sich die Pulsadern aufgeschnitten hat, um dem Wehrdienst zu entgehen. Er wird schnell Schlüsselfigur einer Gruppe von jugendlichen Underdogs in der CSSR der 70′er Jahre, also inmitten des politischen Backlash nach dem Prager Frühling. Die Gruppe orientiert sich an aus dem Westen bekannten Vorbildern: Sex, Drugs and Rock’n'Roll. Aber im kommunistischen Polizeistaat gibt es keine Subkultur.

[Mehr:]

Schon bald verschärfen sich die Konflikte zwischen den nach einem freien Leben gierenden Jugendlichen und den Staatskräften. Als es bei einer Razzia zum Gewaltausbruch kommt, wird die Gruppe zerschlagen. Olin gelingt als einzigem die Flucht in den Westen.

Regisseur Nikolaev hat den Film ausschließlich mit Laiendarstellern realisiert, um den Film authentischer wirken zu lassen. Der Versuch ist gelungen. Die Verfilmung eines tschechischen Bestsellers ist rundum gelungenes PopCorn-Kino mit einer interessanten Geschichte, sympathischen Figuren und stimmungsvoller Musik. Als filmisches Vorbild eines Generationenfilms nennt Nikolaev „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“, was mich zunächst überraschte, aber dann doch passt.

Etwas verwirrt hat mich der Film aber schon. Was hat der denn im experimentell-avantgardistisch ausgelegten Forum zu suchen? Wäre das hier nicht eher was fürs Panorama als kleinem Wettbewerb, so mainstreamig kommt dieser Film daher. Warum der Film dann doch ins Forum passt, erklärt ein Blick ins Beiblatt mit einem Interview mit Nikolaev. „…. a bude hůř“ ist nicht allein ein Film, für die Filmmusik wurde eine eigene Band A Bude Hůř gegründet. Da es ein Film über Aussteiger ist, schien es dem Verleih falsch, den Film kommerziell auszuschlachten. Der Film würde, so Nikolaev, viel von seiner Botschaft einbüßen. Es wird deshalb, zumindest in der Tschechischen Republik, keine Vorführungen im Kino oder Fernsehen und auch keine DVD-Fassung geben. Geplant ist die Vorführung im Rahmen von Kunstevents zusammen mit Konzerten der Band A Bude Hůř in Clubs, Kneipen und auf Musikfestivals. Vielleicht war ich in einer der einzigen vier Kinovorführungen. Ein Filmproduzent steigt aus.

Wenn also der Club Deiner Wahl demnächst eine tschechische …. a bude hůř-Nacht anbieten sollte, nimm noch etwas Gras mit.

Regie: Dusan Milic
Deutschland, Republik Serbien, Bulgarien, Österreich 2006
94 Minuten
D: Marko Markovic, Aleksandra Manasijevic
Deutscher Kinostart: 23.08.07

Bewertung: Wer genauer hinschaut, dem bleibt das schmackhafte Spanferkel, das auf Hunderten von Spießen zum Sauerkraut gegart wird, im Halse stecken.
Romeo liebt Juliana. Mit seiner Trompete hat er ihr Herz erobert, genauso schnell den Zuschauer und –hörer dieses serbischen Musikfilms. Ihr Vater allerdings, nach seinem Idol Louis Armstrong Satchmo genannt und selbst ein berühmter Trompeter, verbietet seiner Tochter die Liebe zu einem Rom. „Schäm Dich, mit einem Zigeuner herumzulaufen!“ Um sie doch noch lieben zu dürfen, soll Romeo Julianas Vater bei der „Weltmeisterschaft der Blechbläser“ in der serbischen Kleinstadt Gucha schlagen. Gucha! Von der FAZ als „serbisches Woodstock“ gepriesen, lädt es Serben wie ausländische Gäste zur Romantisierung ein. Wer einmal da war, der spürt noch die Rhythmen des ungewohnten 7/8 Takts in seinen Beinen, der sieht noch die Roma-Orchester mit ihren aufgeblähten Froschbacken und unglaublicher Kondition und erinnert sich der zerdepperten Tuben und Posaunen, in die die Geldscheine nur so hineinflattern.

[Mehr:]

Wer genauer hinschaut, dem bleibt die Romantisierung bzw. das schmackhafte Spanferkel, das auf Hunderten von Spießen zum Sauerkraut gegart wird, im Halse stecken.Gucha ist kein Fest des lustigen Zigeunerlebens. Es ist ein Saufgelage, auf dem Souvenirs mit dem Konterfei der serbischen Kriegsverbrecher Mladic und Karadzic von Verkäufern in Kosovo-T-Shirts feilgeboten werden, dazu gerne die Mützen der Tschetniks getragen werden und im Vollsuff gar Srebrenicasprüche skandiert werden – so zumindest noch 2004. Für die Roma scheint Guca in der filmfernen Realität vor allem eine Arbeitsstätte zu sein. Wenn im Vorfeld des Wettbewerbs Roma-Orchester von Festzelt zu Festzelt ziehen und die immer gleichen Klassiker aus den Kusturica-Filmen spielen, verdienen sie damit ihr Geld. Unter den Gästen aber, die sich bespielen lassen, finden sich keine Roma.
Und wenn man die jungen Romni beobachtet, die noch fast Kinder sind, äußerst sexy tanzen und sich dafür Geld erhoffen, wird deutlich, wie weit der Alltag vieler Roma in Serbien von dem einiger berühmter Musiker entfernt ist und wie sie verzweifelt versuchen, an dem Ruhme Guchas zu partizipieren. Zurück auf den Straßen Belgrads, sind sie wieder ganz normale Bettlerinnen.

Der Regisseur Dusan Milic, nach den Unterschieden zwischen den beiden Nationen befragt, sagt, es gebe eigentlich keinen, sie feiern die gleichen Feste und haben die gleichen Ikonen im Haus, nur wegen der vielen Vorurteile sehen viele diese Gemeinsamkeiten nicht. Die gleichen Ikonen im Haus, aber wie gleich sind die Häuser? Die soziale Randlage der meisten Roma interessiert Milic kaum. Er reduziert sein Thema durch die ständige Zuschreibung der Roma als „schwarz“ und der Serben als „weiß“ auf eine Frage der Hautfarbe. Gerade diesen konstruierten Gegensatz – zumindest stelle ich mir unter Schwarzen eher Schwarzafrikaner vor – nivelliert er dann interessanterweise mithilfe der Religion. Will es also ein idealistischer Film gegen Vorurteile sein, bleiben muslimische und katholische Serben mit anderen Ikonen im Hause außen vor.

Nach seinem Interesse am Topoi Gucha befragt, verweist Milic auf die zwei Arten, die Trompete zu blasen, die „schwarze“ und die „weiße“. aus diesem Wettkampf zwischen schwarzer und weißer Trompete macht er den Wettkampf zwischen schwarz und weiß, zwischen serbischer Mehrheitsbevölkerung und der Minderheit der Roma. Kein Sozialdrama aber wollte er machen, sondern eine serbische Romeo und Julia Lovestory mit Happy End. Angekündigt als Melodram ist diese temperamentvolle Liebesgeschichte eher ein Musikfilm, der sich zwischen Kitsch und Klamauk, Western, Heimatfilm und Märchen bewegt. Und am Ende gewinnt die Liebe und wenn sie nicht gestorben sind, dann lieben sich Romeo und Juliana noch heute.

Bevor es aber soweit kommt, müssen einige Abenteuer bestanden werden. Denn wenn „Gucha“ ein Märchen ist, ist Satchmo der König, der seine Tochter – die Prinzessin mit Zahnspange, aber langem goldenen Haar – Romeo zur Braut, zumindest aber zur Freundin verspricht, wenn er ihn in Gucha mit seiner Trompete besiegt. Die Trompete, deren Töne weite Entfernungen überwinden kann, ist der virtuose Zauberstab, the distant trumpet. Drei Hindernisse liegen auf dem Weg nach Gucha: Romeos Familie muss vor dem Rachefeldzug von Satchmos Meute nach einem ersten Fluchtversuch unseres Liebespaares gerettet werden; Romeos Stiefbruder Ricky, ein derber Gegenpol zum zarten Romeo, der sich intrigant den Platz als erster Trompeter bei den „Sandokan Tigern“ erobert hat, muss mit Rizinusöl auf das Klo verbannt werden und die schöne Juliana von ihrem im Rollstuhl sitzenden Bruder aus dem väterlichen Schuppen befreit werden.

Drei Proben sind bestanden und Romeo steht endlich auf den Bühnenbrettern Guchas, die Trompetern die Welt bedeuten. Er gewinnt die “Goldene Trompete” als bester Trompeter, Satchmo jedoch gewinnt sie ebenfalls, indem er als bestes Orchester gekürt wird. Der Wettkampf muss also in eine weitere Runde: Romeo gegen Satchmo. Beide im Triumph nach dem Sieg der “Goldenen Trompete” getragen und in den Himmel gereckt von ihren Freunden. Von dort oben setzen sie noch einmal ihre Trompeten an zum letzten Duell. Die Kamera schwenkt auf Romeo, schwenkt auf Satchmo, zeigt Angriff, zeigt Paroli der virtuosen Tonkünstler. Schwenkt die Kamera auf Romeo, ist sein Gesicht gekränzt vom Riesenrad, das leuchtet in allen Farben in dieser Nacht der Trompete. Schwenkt sie zurück auf Sachmo, wird sein Gesicht eingerahmt von dem Blau-Weiß-Rot der serbischen Fahne, die jemand genau hinter ihm schwenkt. Das fahrende Volk gegen die weiße serbische Nation? Im Kampf der virtuosen Finger, der atemberaubenden Töne muss Satchmo schließlich einräumen: „Du hast gewonnen.“
Die Liebe und die „schwarze“ Art, die Trompete zu spielen, haben gewonnen. Dies ist aber nur möglich, weil Romeo und Satchmo als begnadete Tompeter gleichberechtigt zum Duell antreten konnten. Dies aber bleibt wohl den meisten Roma des Balkans in ihrer Lebenssituation verwehrt.

Sammelkritik zu 4 Dokumentationen im Forum. Ich empfehle mit Einschränkungen „Potosi“ und vor allem „Village People Radio Show“. „Prater“ kann man sehen, wenn man eh nichts besseres vorhat, von den „Halfmoon Files“ rate ich ab.

Die Dokumentationen des Forums 2007 richten ihren Blick in die Vergangenheit und versuchen Spuren des Vergangenen wiederaufzuspüren. Was sich zu Beginn mit „Le cercle des noyes“ bereits andeutete, scheint dabei einen Trend zu markieren. Die Dinge nicht in Vergessenheit geraten zu lassen, ist ein Hauptanliegen des modernen Dokumentarfilms. Ist die Gegenwart wirklich so langweilig, oder sind wir dabei, wichtige Informationen zu verlieren? 4 Filme des Forums geben ganz verschiedene Antworten.

Fangen wir hinten an, beim letzten Film.“The Halfmoon Files“ von Philip Scheffner ist eine Geistergeschichte. Der Film erzählt die Geschichte einer Recherche. Per Zufall stößt Scheffner auf das Tonarchiv der Humboldt-Universität. Dieses Archiv hat seinen Ursprung im 1. Weltkrieg. Exotische Gefangene aus Kampfverbänden der Alliierten wurden zentral im Kriegsgefangenenlager Wünsdorf bei Berlin (der heutigen „Bücherstadt“) gefangengesetzt. Tartaren aus Zentralasien, Schwarze aus Afrika und Inder werden gemeinsam einkasarniert. Die Wissenschaftler entdecken das Potential und beginnen, die einmalige Chance nutzend, Untersuchungen an den fremdartigen Menschen. Vorreiter sind dabei die Linguisten, die in wenigen Jahren ein gewaltiges Lautarchiv anlegen, mit Stimmen und Musik der infaftierten Kriegsgefangenen. Auch ein Propagandafilm wird mit den exotischen Darstellern gemacht. Später kommen Ethnologen hinzu, die die Gefangenen fotografieren und ihre Körper genauestens vermessen. Scheffners Interesse gilt Mall Singh, einem indischen Sikh, der zu den wenigen Aufnahmen gehört, in denen der Untersuchte frei sprechen darf (fast alle Aufnahmen beinhalten, da es sich um linguistische Untersuchungen handelt, abgelesene Texte und Worte. Mall Singh erzählt seine Geschichte, wie er von Indien als Kolonialsoldat der Engländer in ein deutsches Kriegsgefangenenlager kam. Scheffner versucht die Nachfahren Singh zu finden und zu interviewen. Der Versuch scheitert. Zwar findet sich noch ein Großenkel in Indien, aber Scheffner bekommt keine Drehgenehmigung. Auch andere Spuren versiegen. Der Propagandafilm ist nicht mehr aufzufinden, Türen mit Namen der Infaftierten wurden von den neuen Besitzern der Baracken verbrannt. Es bleibt eine Geistergeschichte, nur die Stimme Singhs ist erhalten geblieben und spricht noch nach fast 100 Jahren über den Phonographen. Ein Problem für Scheffner sind auch die fehlenden Bilder, da er nur ein paar Tondokumente hat. So entsteht ein Film, der eher die (erfolglose) Recherche zum Thema hat, v.a. Gespräche in der indischen Botschaft. Als störend habe ich zudem die moralinsaure Empörung empfunden, mit der Scheffner die wissenschaftlichen Untersuchungen geschildert hat und unterschwellig in die Nähe der nationalsozialistischen Rassentheoretiker gestellt hat (von denen allerdings einige in untergeordneter Position tatsächlich in Wünsdorf auch dabei waren). Den Vorwurf, die individuellen Geschichten und Schicksale hätten die Wissenschaftler nicht interessiert, kann ich bei einer linguistischen Forschung beim besten Willen nicht nachvollziehen.

Der zweite deutsche Beitrag ist Prater von Ulrike Ottinger. Ottinger nähert sich ihrem Gegenstand, indem sie aus alten Filmaufnahmen, Fotografien, Schallplatten, Textauszügen (darunter ein extra für diesen Film geschriebener Prater-Bekenntnis-Text von Elfriede Jelinek, die den Text auch selber vorliest), Beobachtungen und Interviews mit Budenbetreibern so etwas wie ein filmisches Äquivalent zum Wiener Vergnügungspark erschafft. Sie selbst nennt das abwechselnd Kaleidoskop oder Mosaik. So wie im alten Prater früher ganze Orte nachgebildet wurden (als kolonialistischer Extremfall ein ganzes “Negerdorf” Ende des 19. Jahrhunderts, für das man ein echtes afrikanisches Dorf komplett mit Menschen für mehrere Monate importierte), habe sie mit dem Film den Prater als Kulisse zeigen wollen. Ottinger hat ohne Zweifel ein Gespür für interessante Bilder und Einstellungen und der Film große Stärken im Visuellen. Vielleicht muss man wie die Regisseurin vom Jahrmarkt fasziniert sein, was für den Rezensenten nicht gilt, um diesen Film faszinierend zu finden. Ulrike Ottinger hat genug großartige Filme gemacht. Da darf sie auch mal ein etwas müdes Alterswerk vorlegen.

Eine ähnliche Herangehensweise über alte Fotografien versucht der israelische Filmemacher Ron Havilio in seinem Film „Potose, le temps du voyage“. Ausgangsmaterial seiner Spurensuche sind die Fotografien, die er gemeinsam mit seiner Frau auf einer Reise vor 30 Jahren nach Potosi gemacht hat. Potosi, in den bolivianischen Anden auf 4500 Metern Höhe gelegen, war zur Zeit der Inka wegen der zahlreichen Silberminen eine der größten und wohlhabendsten Städte der Welt. Heute versinken die Menschen in Armut. Ihre Arbeit besteht immer noch im Silberabbau, wobei sich die Bevölkerung aufteilt in die, die bei einem internationalen Unternehmen mit Maschinen abbauen, und diejenigen, die in einer Kooperative nach alter Art in Handarbeit mit Dynamit das Silber abbauen. Wegen der staubhaltigen Luft in den Minen ist die Lebenserwartung für die in den Minen arbeitenden Männer gering, Kinderarbeit ist normal. Havilio bereist die Stadt erneut, diesmal mit seiner Frau und den 3 Töchtern, die inzwischen geboren wurden. Gemeinsam machen sie sich auf die Suche nach den Menschen, die auf den alten Fotografien zu sehen sind. Es entsteht ein wunderschöner Filmessay über die Stadt, die Menschen, die gemeinsame Reise einer Familie und darüber, wie wir die Wirklichkeit, die wir sehen, immer schon in unserer Beobachtung beeinflussen. Am Ende muss der Vater seiner Tochter recht geben, die ihn darauf hinweist, wie fröhlich die Menschen alle trotz ihrer Armut sind. Er selbst ist es, der seine eigene Traurigkeit in die Stadt hineingelegt hat. Nach dem großangelegten „Jerusalem. Fragments“ von 1999 legt Havilio hier erst seinen zweiten Film vor, der aber wieder überzeugen konnte. Das sollen mehr als 4 Stunden gewesen sein? Mir kamen 80-Minuten-Filme schon länger vor. Allein die vielen unglaublich schönen S/W-Fotografien von 1970 lohnen den Film.

Eines der Highlights im Forum 2006 war sicherlich Amir Muhammads Doku-Musical „The Last Communist“ über den im thailändischen Exil lebenden letzten großen Führer der kommunistischen KP. In seinem neuen Film „Village People Radio Show“ hat Muhammad eine Nebenlinie des Projekts, das damals nicht realisiert werden konnte, weiterverfolgt. Es ist die Geschichte der in einem thailändischen Dorf als Bauern im Exil lebenden malaiischen Kommunisten. Es sind keine normalen malaiischen Kommunisten. Während die meisten Kommunisten Malaysias aus der eher atheistisch eingestellten chinesisch-stämmigen Minderheit stammten, was auch von der Propaganda Malaysias bis heute so dargestellt wird, ist in diesem Dorf eine Unterabteilung der kommunistischen Guerilla aus muslimischen Malaien zu sehen, die bis heute ihrem Glauben nachgehen. Wie schon in seinem letzten Film hält sich Muhammad nicht mit Archivbildern auf. Er läßt die noch lebenden Kommunisten vom jahrelangem Guerillakrieg erzählen, dazwischen sind immer wieder Bilder des idyllischen Dorflebens und der allgegenwärtigen Hühner zu sehen. Der Film ist sehr viel ruhiger und langsamer geworden als das schrille „The Last Communist“. Aber auch hier hat Muhammad wieder Brechungen der Erzählung eingebaut. Da ist zum einen ein (selbstproduziertes) Hörspiel mit einem Eifersuchtsdrama zwischen König Tong und König Panu um die Königin Chalida, das locker auf dem „Wintermärchen“ Shakespeares aufsetzt, und das geschilderte politische Geschehen illustriert. Zum anderen wird der Film immer wieder von Störbildern und schrillen Störgeräuschen unterbrochen, um die Zerbrochenheit der Biographien der Personen zu verdeutlichen. Muhammad kommt dem auch experimentellen Anspruch des Forums sicherlich am weitesten entgegen, ganz die Klasse des schrägen „The Last Communist“ erreicht die „Village People Radio Show“ aber nicht.

Bewertung: Highschoolfilm über ein Mädchen, das ein Keuschheitsgelübte ablegt und entdecken muss, dass ihre Vagina scharfe Zähne hat. Stellenweise ganz witzig, aber ansonsten einfallsloser Trashblödsinn. Versetzt mit Horrorelementen.

Beim Highschoolmädchen Dawn stellen sich die ersten sexuellen Bedürfnisse ein, aber sie und ihr zukünftiger Lover haben ein Keuschheitsgelübde abgelegt. Als ihr Lover, in einer romantischen Grotte über sie herfällt und Dawn zwischen Lust und Gewissen hin- und hergerissen wird, übernimmt ihre Vagina die Entscheidung für sie – happs ist es ab, das gute Stück.
Der Lover stirbt vor Schreck und Dawn geht zum Gynäkologen. Was dort passiert, kann man sich vorstellen.
Um diese schwachsinnige Trashstory irgendwie nicht ganz so einfallslos aussehen zu lassen, legitimiert Regisseur Mitchell Lichtenstein sie mit dem Mythos der Vagina dentata, hauptsächlich durch Sigmund Freud bekannt, der besagt, dass es untenrum bezahnte Frauen gäbe. Laut Freud ein männlicher Ausdruck von Kastrationsangst, vor allem in asiatischen Kulturen. Dawn entdeckt, dass sie ihre Waffe gegen allzu aufdringliche Kerle, die sie nur als Sexspielzeug sehen, einsetzen kann. Der Witz besteht darin, dass die Zuschauer und Dawn schon Bescheid wissen, während die Männer ahnungslos sind. Sie halten Dawns begründete Ängste für einfallsreiche jungfräuliche Ausreden und werden nur noch mehr angeheizt. “Teeth” nimmt Charakterzüge einer Rachestory an. Damit wird ein bisschen die Prüderie von Amerika aufs Korn genommen und es werden alte Horrortrash-Sachen, wie die Tranatulla-Filme, zitiert.

Wertung: Experimenteller Polizeifilm, postmoderner Edelthriller, harter und schneller Hongkong-Stadtfilm, metaphysischer Punk-Videoclip. Der Hongkong-Thriller ist wieder da. Ganz starkes Debüt.

Colosseum 1 18.02. 20:00 Uhr

Ein Film wie ein fiebriger Rausch. Unglaublich schnelle, harte Schnitte. Handkamera, schnelle, verwackelte Schwenks, unscharfe Aufnahmen von Überwachungskameras, die Bilder unterlegt mit ultraharten Technorocksounds. Ich sitze in der 9. oder 10. Reihe des Cubix-Kinos und was ich sehe, geht hart an die physische Schmerzgrenze. Meine Augen beginnen schon nach wenigen Minuten zu flimmern. Hoffentlich geht das nicht den ganzen Film lang so. Es ging nicht den ganzen Film lang, aber immer wieder, bei den Überwachungsszenen. Wer glaubt, Überwachung habe etwas mit Ruhe und Geduld zu tun, wird hier eines Besseren belehrt. Überall passieren Dinge, die Blicke hetzen von Mensch zu Mensch, von Straßenecke zu Straßenecke, der Mann am Imbiss, der Abfalleimer an der Straßenlaterne, die Zeitung auf der Bank: You must remember everything!

Die junge Polizistin Bo fängt neu an beim Central Intelligence Bureau CIB in Hongkong, einer Spezialabteilung zur Observation. Ihr Kollege und väterlicher Freund wird Captain Huang. Gemeinsam suchen die beiden nach einem Juwelenraub einen Verdächtigen. Nach und nach kommen sie der Bande auf die Spur. Als ein zweiter Juwelenraub in letzter Sekunde vom Chef der Bande Chen abgesagt wird, kommt es zu einer wilden Verfolgungsjagd, in deren Verlauf nach und nach fast alle Verbrecher erschossen werden. Bo verliert aber Chen aus den Augen, als dieser einen unbeteiligten Polizisten tötet, und Bo bei diesem bleibt, bis er in ihren Armen verblutet ist. Durch einen Zufall begegnet sie ihm wenige Tage später wieder. Bei der nun folgenden Verfolgungsjagd verletzt Chen Captain Huang schwer an der Halsschlagader. Während Captain Huang wie durch ein Wunder nicht stirbt, verletzt sich Chen schließlich beim Flüchten auf ein Boot durch einen herabhängenden Fleischerhaken, den er übersieht, selbst an seiner Halsschlagader tödlich. Am Ende steht Piggys Beförderung für ihren ersten Einsatz. Sie heißt jetzt Doggy.

Auf psychologische Tiefe verzichtet der Film weitgehend. Den Protagonisten werden sprechende Codenamen zugewiesen, Bo ist Piggy, Captain Huang Dog-Head. Auch die Verbrecher tragen Codenamen, Fatman und Hollowman. Filme, die von der Beobachtung leben, gibt es eine Reihe. Bekannte Beispiele sind „Fenster zum Hof“ von Hitchcock oder „Blow Up“ von Antonioni. „Eye in the Sky“ ist aber wohl der erste Film, in dem Überwachungskameras die Hauptrolle übernehmen. „Eye in the Sky“ ist die Geschichte der Überwachungsgesellschaft, in der wir leben. Die Allgegenwärtigkeit der Aufnahmegeräte wird immer wieder motivisch integriert, ob als verwackelte S/W-Aufnahmen der Handlung oder als allgegenwärtiges Dekoelement der Häuserwände und Decken in Innenräumen. Im Bus, im Restaurant, im Juweliergeschäft, auf der Straße, jede Bewegung der Verbrecher kann minutiös nachvollzogen werden. Und wo die Bilder fehlen, können sie schnell produziert werden. So fotografiert Piggy Hollowman im Vorbeigehen einfach mit ihrem Handy, das sie sich zur Tarnung ans Ohr hält.

Aber nicht nur die Polizei beobachtet die Verbrecher, umgekehrt beobachten die Verbrecher ebenfalls vor und während der Raubzüge den Tatort und die sie verfolgenden Polizisten. Als Hollowman Piggy im Restaurant enttarnt, nutzt er die für Gäste einsehbare Überwachungskamera des Restaurants, um ihren herbeieilenden Kollegen Dog-Head auszumachen und kurz darauf abzumurksen. „Beobachtung ist eine Technik, die von beiden Seiten eingesetzt wird“, erläutert Regisseur Yau Nai Hoi später im Publikumsgespräch. Jede Beobachtung erzwingt die Gegenbeobachtung, zeitweise entsteht so ein Gleichgewicht. Beobachtung ist ein kreisförmiger Prozess.

Überwachung ist die Möglichkeit, Dinge, die passiert sind, sich wiederholen zu lassen, wieder geschehen zu lassen. Dies findet seinen filmischen Ausdruck darin, dass sich fast alles irgendwie wiederholt. Piggy gerät anfangs bei einer Übung in eine Situation, in der sie Captain Huang in einem Restaurant enttarnt. Später wiederholt sich die Szene einer Enttarnung im Restaurant mit Hollowman. Erst verblutet ein unbekannter Polizist in Piggys Armen, später Dog-Head. In beiden Fällen reagiert sie das erste Mal falsch, das zweite Mal richtig. Erst wird Dog-Head die Halsschlagader aufgerissen, dann Hollowman, es finden zwei nahezu identische Juwelenraube statt, usw.

Ein weiteres wichtiges Motiv des Films ist die Undurchführbarkeit einer reinen Beobachtung. Beide Seiten, Verbrecher wie Polizisten, werden immer wieder gezwungen, den Beobachtungsposten aufzugeben und in das Geschehen einzugreifen. So bspw. wenn Piggy den Verblutenden verzweifelt die Wunden mit Kleidungsstücken zu verstopfen versucht. Die Szenen dieses Übergangs vom passiven Beobachten zum aktiven Eingreifen sind von einer eindringlichen und verstörenden Körperlichkeit. Man sieht förmlich die Herzpumpe arbeiten und mit 60 Pumpschlägen/ Minute immer wieder ein neue Schwälle Blut durch alle Kleidungsstücke hindurch pressen. Dog-Head überlebt schließlich nach minutenlangem Ausbluten in Nahaufnahme in einer Lache aus mindestens 10 Litern Filmblut liegend.

Was mit „Eye in the Sky“ genau gemeint ist, erläutert Yau Nai Hoi im Publikumsgespräch. Das kantonesische „Gen Zong“ (Eye in the Sky) hat zwei Bedeutungen. Zum Einen das Überwachen selbst, mittels Kameras, Augen, etc. Andererseits hat Gen Zong aber auch die Bedeutung eines himmlischen Auges, eines göttlichen Sehens, zugespitzt auf so etwas wie Schicksal. So gesehen kann man „Eye in the Sky“ als Illustration von Foucaults Grundthese aus „Überwachen und Strafen“ sehen. Nach Foucault hat die Säkularisierung die Menschen gezwungen, das göttliche Sehen, das bis dahin das Wohlverhalten der Menschen kontrolliert und im Jenseits sanktioniert hat, zunehmend selbst zu übernehmen. Dieser Prozess nimmt seinen Anfang im Gefängnis, das damit den Kerker des Mittelalters ablöst. Am Anfang des 21. Jahrhunderts scheint der Prozess nun abgeschlossen zu sein. Die gesamte Welt ist ein großes überwachtes Gefängnis, in dem wieder, wie im Mittelalter, jeder noch so kleine Schritt jedes Menschen von einer übergeordneten Instanz jederzeit überwacht werden kann.

Yau Nai Hoi arbeitet seit über 10 Jahren als Drehbuchschreiber. Er hat mit einigen der bekanntesten Regisseure Hongkongs zusammengearbeitet. Dies ist seine erste eigene Regiearbeit. Nach einigen schwächeren Jahren hat sich der Hongkong-Thriller mit „Eye in the Sky“ eindrucksvoll im Forum der Berlinale zurückgemeldet. Und abseits von allem intellektuellem Geschwafel: Dit wa’n jeiler Film, Leute.