L’Encirclement
CA 2008, Richard Brouillette, 160 Min.

The Shock Doctrine (Foto: Berlinale 09) und L’Encirclement verhandeln den antikapitalistischen Diskurs in Zeiten der Finanzkrise und zeigen zwei ganz verschiedene Wege auf, die der Dokumentarfilm nehmen könnte.

Über alle Filme, die derzeit erscheinen und irgendwie mit Wirtschaft zu tun haben, heißt es, sie kämen genau zur richtigen Zeit. Das mag sein – berücksichtigt man aber, wie lange ein Film von der Idee bis zur Postproduktion braucht, dürfte jedem klar sein, dass Michael Winterbottom und Mat Whitecross ebenso wie der französischsprachige Kanadier Richard Brouillette einfach Glück gehabt haben. 12 Jahre lang hat Brouillette an seinem Film angeblich gearbeitet, genauso gut hätten es vermutlich zehn oder 20 Jahre werden können, dann wäre der Film halt zur Unzeit gekommen.

The Shock Doctrine heißt ein Buch von Naomi Klein. Es ist ein Weltbestseller und gilt als Bibel der Globalisierungskritiker. In dem Buch schildert Klein, wie im Gefolge von Katastrophen oder Kriegen neoliberale Wirtschaftskonzepte durchgesetzt werden. Davon erfährt der Zuschauer im Film The Shock Doctrine von Michael Winterbottom und Mat Whitecross leider nur sehr wenig. Die beiden Regisseure trauen ganz offensichtlich nicht dem gesprochenen Wort und ersetzen Theorie oder auch nur Information durch einen entfesselten antikapitalistischen Bildersturm. Atemlos lösen sich da Pinochet, Thatcher, Bush Senior und Bush Junior ab, inmitten einer bunten Flut aus fallenden Bomben, toten Kindern und gefolterten Opfern.

Montage des Greuels: The Shock Doctrine (Foto Berlinale 09).

Dass es bei The Shock Doctrine um Wirtschaft geht, merkt man nur an den häufigeren Einblendungen von Milton Friedman. So entfaltet der Film seine stärksten Momente, wenn er kurz innehält und einfach nur eine Rede Naomi Kleins zeigt.

Nun ist man von Winterbottom gewohnt, dass er nicht wie sein Vorbild Godard mit dem argumentativen Florett fechtet, sondern lieber die Streitaxt nimmt. Mit The Shock Doctrine haben Winterbottom und Whitecross in ihrer sturen Fixiertheit auf bekannte politische Gegner aber ein großes Thema verschenkt.
So kann man dem Film zu Recht vorwerfen, dass er mit propagandistischen Kurzschlüssen, bei denen dann z.B. kurz hintereinander erst fallende Bomben auf den Irak, dann Bush, dann Leichen gezeigt werden, auf billigen Applaus schielt, schließlich sind inzwischen selbst die Republikaner gegen den Irakkrieg.

Schlimmer aber ist, dass sich die Filmemacher in ihrem eigenen Konzept verheddern und Kleins Thesen immer mehr aus den Augen verlieren. Geht es bei Klein noch um die Wirtschaftsreformen im Gefolge von Katastrophen, so montiert der Film The Shock Doctrine die Kriegs- und Greuelbilder so gekonnt hintereinander, dass man am Ende glaubt, Milton Friedman habe als Mastermind und Reinkarnation von Dr. Mabuse alle diese Kriege beschlossen, um seine Wirtschaftskonzepte weltweit durchzusetzen. Dieser reine Propagandafilm verrät leider kaum etwas von der Schocktheorie Naomi Kleins.

Wie wenig Interesse die Filmemacher an einer ernsthaften Auseinandersetzung mit den wirtschaftspolitischen Implikationen hatten und wie sehr sie auf die alten Gegner Thatcher, Pinochet und Bush eingeschworen waren, kann man an den Auslassungen erkennen. Zwei der wichtigsten Beispiele, die Naomi Klein nennt, Südafrika nach der Übernahme durch den ANC und Sri Lanka nach dem Tsunami, werden im Film weggelassen – den Tsunami konnten Winterbottom/Whitecross beim besten Willen nicht Bush in die Schuhe schieben.

Eisernes Talking-Head-Pic und dennochThriller: L’Encirclement: hier Noam Chomsky

Wie man es ganz anders und dabei viel besser macht, zeigt der Kanadier Richard Brouillette mit seinem Film L’Encirclement (Encirclement). L’Encirclement ist ein Monstrum von Film in fast jeder Hinsicht. Gedreht in harten SW-Bildern nähert sich dieser Film der Kritik des Kapitalismus in einer völlig unzeitgemäßen formalen Strenge und asketischen Brillanz. Richard Brouillette traut den Bildern nicht und zeigt deshalb nur redende Menschen. Nur minimal wird Archivmaterial genutzt, und wenn, dann meist nur als Foto. Ansonsten sehen wir mit unbeweglicher Kamera einen Theoretiker, der uns seine Wirtschaftstheorie erläutert, darunter bekannte Kapitalismuskritiker wie Noam Chomsky, aber auch neoliberale Vordenker. Der Gedankengang der Wissenschaftler wird  nicht durch Fragen unterbrochen, so kann man sich beim Zuhören ganz auf die Entwicklung der Argumentation konzentrieren. Richard Brouillette arbeitet als Filmemacher vor allem im Nachhinein, das Material ordnend, der Film wird säuberlich in zwei Teile und beide Teile wieder in fünf Kapitel eingeteilt. Jedes Kapitel wird mit einem Zwischentitel angekündigt und beinhaltet Redebeiträge von ein bis drei Denkern.

Brouillettes Konzept geht auf, die Konzentration auf das gesprochene Wort, die Ideen, machen aus dem scheinbar langweiligen Thema Wirtschaftstheorie einen intellektuellen Thriller, der einen 160 Minuten lang gebannt zuhören lässt. Erst die filmische Beschränkung der Mittel macht diese Spannung möglich. Während Michael Winterbottom und Mat Whitecross Naomi Kleins Thesen in einer Flut aus Bildern ertränken, gelingt es Richard Brouillette mit einfachsten Mitteln uns die Freude daran zurück zu geben, Menschen beim Denken zusehen zu können.

L’Encirclement ist ein filmisches Experiment und Wagnis, das auch den Caligari-Filmpreis hätte gewinnen können. Ob damit die schleichende Michael-Moorisierung des politischen Dokumentarfilms aufgehalten werden kann, muss aber bezweifelt werden. Den Panorama-Publikumspreis hat The Yes-Men fix the World gewonnen.

In schöner alter Tradition werden einige Filme, die im Forum der Berlinale liefen, gleich in den zwei Wochen nach dem Festival wiederholt. Die Termine sind unter diesem Link ab sofort abrufbar. Mit dabei ist der Caligaripreisgewinner LOVE EXPOSURE und der Dokumentarfilm DEFAMATION, die von uns wärmstens empfohlen werden.

Bier im Haar und schreckliche Klamotten müssen einfach sein.

Etwas unfreiwilig – Pfiffl hat einen »Überraschungsfilm« bei den Special-Screenings für Fachbesucher angekündigt – gerate ich in die Rocko-Schamoni-Verfilmung über eine 80er-Punk-Clique in Schmalenstedt. Der Film hat das Problem, dass ihm zwar eine schöne Authentizität gelingt, aber wer möchte sich schon gern an die eigenen verpeilten Jugendsünden von vollgekotzten Teppichen über Klamotten, die völlig neben der Spur sind, bis hin zu komischen Sex erinnern. Einen gewissen belustigenden Unterhaltungswert hat das aber schon. Zum Glück versucht Lars Jessen nicht, irgendeine nostalgisch-verklärende Tiefe – die ja Schamonis etwas belangloses Buch auch nicht enthält – hineinzuinterpretieren.

Den Inhalt muss man wohl nicht groß erzählen und kann man wie folgt verschlagworten: 1984, schleswig-holsteinische Kleinstadt, 17Jährige. Die eigentliche große Punkwelle ist schon vorbei und kommt mit einiger Verzögerung auch in den Dörfern an – oder zumindest das, was dort unter Punk verstanden wird: Sich-Daneben-Benehmen, Punk hören und gegen die Spießigkeit aufmucken.

Lars Jessen (TV-Regisseur: SOKO, Großstadtrevier) schafft es, das jugendliche Rumpubertieren der Punkclique ganz ansehnlich zu gestalten und Szenen zu inszenieren, die einen mit einem leisen Erschrecken an die eigene Phase des Aufbegehrens erinnern und einen aus der Distanz auch belustigen. Natürlich war damals alles schrecklich, aber gerade deshalb ist es heute auch ganz unterhaltsam.

Wenn Protagonist »Roddy Dangerblood« nach einer versoffenen Nacht früh durch ätzende Blockflöten-Töne geweckt wird, bekommt man gleich Kopfschmerzen und ein leeres Gefühl in der Birne – man ist froh, dass diese Zeit vorbei ist. Nostalgisch kommt  der Film nicht daher – insofern ist er ein angenehmes Gegenstück zu all dem verklärendem Gesülze über die »Ach-so-schöne-Jugend«.

Da das ganze in Schleswig-Holstein spielt, bietet es sich an, dem populären Urgestein Axel Prahl einen kleinen Auftritt zu verpassen. Er mimt den Dorfkneipier, der sich in Suff-Laune in eine Frank-Zappa-Ekstase hinsteigert, womit die Jungs überhaupt nichts anfangen können. Und als er dann noch halb besoffen singt: »Der schönste Hund im Rudel ist der Pudel« – nehmen sie schnell die Beine in die Hand. Mit den Erwachsenen können sie nicht viel anfangen und als die Band, die bis auf zwei katastrophale Provinz-Auftritte nie gespielt hat, auseinanderbricht, hat Roddy niemanden mehr, dem er sein jugendliches Leid klagen kann. Die Kommunikation mit der Mutter beschränkt sich auf »Wo warst Du?«, »Nimmst Du Drogen?« – »Was geht dich das an?«, und der Dorfkneipier rennt seinerseits schnell weg, als Roddy ausholt, um von seinen Problemen zu erzählen. Jugendlicher sein, heißt nämlich, trotz ständigem Rumhängen mit seinen Freunden, auch viel Alleinsein.

DORFPUNKS ist ein etwas langweiliger Stoff, den ich mir aus eigenen Stücken nie angesehen hätte. Lars Jessen holt da trotzdem ziemlich viel heraus. Ein ganz ansehnlicher Film über Pubertäts-Leiden und -Peinlichkeiten sowie Freundschaft.

Läuft nicht mehr auf der Berlinale.
Deutscher Kinostart: 23.4.2009

Zehn Minuten nach Filmbeginn sag ich mir in einem ersten übermüdeten Impuls: Nee, das hältst du nicht durch: Die Regisseurin lässt Teenager über sich erzählen – der Erzählstream bestimmt die Visualität. Ungewohnt! Als plötzlich der Abspann über die Leinwand flimmert, schaue ich verwundert auf die Uhr: Was schon zu Ende?

13 Teenager oder junge Erwachsene erzählen über ihre Gedanken, ihr Leben, über das, was sie grad am meisten beschäftigt – Sexualität, Rollenverhalten, Drogen, Eltern, Anekdoten, Arbeit, Freunde – mit einer Wahrhaftigkeit und Offenheit, die einen erstaunt. Und die Protagonisten sind nicht alle extrovertiert – es sind auch solche dabei, die Schwierigkeiten haben, sich auszudrücken, die ein bisschen kryptisch und metaphorisch reden. Und es sind auch welche, die die Gesellschaft als problematisch einstufen würde. Wie der übergewichtige Dieter, der auf Drogen vor die Kamera tritt, und erzählt, dass er jetzt schon fast 40 Stunden wach ist. Er spricht über sein ADS-Syndrom und wie sie ihn mit Psychopharmaka vollstopft haben. Er wirkt depressiv. Ein anderer bekam die gleiche Diagnose – und hat einfach gelassen gesagt: »Lasst mich doch so sein wie ich bin. Ich komme gut damit zurecht. Bin eben ein bisschen lebhaft.«

TEENAGE RESPONSE ist ein Kaleidoskop völlig unterschiedlicher Persönlichkeiten. Der Film ist kein Interviewfilm: Man hört keine Fragen aus dem Off, er kommentiert und wertet nicht. Er lässt die Jugendlichen einfach reden, und sie erzählen so, wie man in ein Tagebuch schreibt, und das gleicht eher einem Monolog als einem Dialog. Das 160-minütige Projekt ist nicht voyeuristisch, sondern expressiv.

Man sieht sie sprechen oder wie sie sich das Gesprochene noch einmal anhören und mit ihrer Mimik schweigend kommentieren. Bis zu drei Drehtagen haben sie jeweils vor der Kamera gestanden und die Regisseurin hat das Substantielle gefiltert. Dazu wurden Räume mit unterschiedlichem Licht entworfen – je nach Stimmungslage des Teenagers. In diesen Räumen, die eher an eine Kunsthalle erinnern, als an Interviewsituationen – befinden sich Installationen: ein Auto, an dem ein Technikfreak rumbastelt und es besprayt, während er spricht, um es dann am Ende zu zerstören. Oder ein Plattenspieler, der eine Droge symbolisiert, die ein Performance-Künstler umtanzt. Damit zeigt er die Up and Downs einer Drogenkarriere.

TEENAGE-RESPONSE ist einer der ungewöhnlichen Filme, die man nur auf Festivals zu sehen bekommt, da er auch Kunst- und Experimentalfilm ist. Er sprengt die Grenzen des Gewohnten: Statt Interviews sehen wir Teenage-Monologe, statt kommentierendes und visualisierendes Dokumentarmaterial sehen wir Raum-Lichtinstallationen als Echo des Selbstbildes.

Auf der Berlinale nicht mehr zu sehen.

Nach einem Jahr der Trennung steht Ex-Freundin Hee-Soo in My Dear Enemy plötzlich wieder vor Byoung-Woon. Zum Plaudern ist sie aber nicht gekommen.

Der Tag auf der Rennbahn beginnt mit einer Überraschung für Byoung-Woon. Er trifft seine Exfreundin Hee-Soo wieder. Leider ist das Treffen nicht ganz zufällig. Hee-Soo möchte die 3.500 Dollar zurück, die sie ihm vor einem Jahr geliehen hat. Nicht ganz einfach, denn Byoung-Woon ist dummerweise genauso abgebrannt wie Hee-Soo. Zum Glück kennt der lebenslustige Byoung-Woon eine Menge Frauen, die ihm seltsam bereitwillig Geld geben. Und so verbringen die beiden einen ganzen Tag damit, auf der Suche nach Geld durch die Stadt zu ziehen.

Dass es zwischen der vernünftigen Realistin Hee-Soo und dem liebenswert kindlichen Träumer Byoung-Woon nicht recht klappen konnte, wird dem Zuschauer dabei schnell klar. Oder vielleicht doch? Je länger der Tag dauert, und je mehr Freundinnen und Freunde die beiden zusammen abklappern, die alle Byoung-Woon ein bisschen Geld geben, desto mehr wird klar, wie sehr die beiden trotz aller Unterschiede sich bedeutet hatten, als sie noch ein Paar waren.

Und so kommen sich die beiden im Laufe dieses Tages streitend und doch immer wieder mit einer seltsam zärtlichen Zuneigung, die zu zeigen sich beide nicht recht trauen, doch wieder näher. Dass uns Regisseur Lee Yoon-ki ein Happy-End vorenthält, muss dabei nicht enttäuschen. Am Ende des Tages haben sie die 3500 Dollar zusammen – fast zusammen. Einen kleinen Schuldschein behält Hee-soo. Grund genug, Byoung-Woon nochmal mit einem Besuch zu überraschen.

So einfach die Geschichte auch sein mag, Lee Yoon-ki hat daraus ein kleines Meisterwerk gemacht. Als filmisches Vorbild nennt Yoon-ki ganz zu Recht Woody Allen. Und das nicht nur wegen der eingesetzten Jazz-Musik, die My Dear Enemy eine gewisse Zeitlosigkeit gibt. Wie dem großen Vorbild Allen gelingt es dem koreanischen Regisseur, dem Film eine spielerische Leichtigkeit und einen feinen leisen Humor zu geben. Und nicht zuletzt die Spielfreude der beiden großartigen Schauspieler Jeon Do-Yeon und Ha Jung-Woo sorgt dafür, dass man diesen kleinen Film nicht so schnell vergisst. Einer der Höhepunkte des diesjährigen Forums, der hoffentlich auch den Weg in die deutschen Kinos finden wird.

Wiederholung: CineStar 8 15.02. 19:30

»Halbgötter« tuckern in den Wilden Osten. (Foto: Berlinale 09)

Am 21.12.1989 gaben die Einstürzenden Neubauten ihr erstes Konzert in der DDR. Regisseur Uli Schueppel, übrigens auch Animator des Berlinale-Trailers, drehte mit diesem Film keine Musik- sondern eine Wende-Doku, die versucht, die Stimmung in der untergehenden DDR widerzuspiegeln.

Eine wackelige und unscharfe Handkamera zeigt wie die Einstürzenden Neubauten rumflappsend mit ihrem Tourenbus von Westberlin aufbrechen, um die Grenze nach Ostberlin zu passieren. Zwischendurch berichten ehemalige Konzertbesucher, die durchs heutige Berlin zum einstigen Kulturhaus VEB Elektrokohle in die Herzbergstraße nach Lichtenberg streifen, über ihr Verhältnis zur Band: »Blixa Bargeld war für uns ein Halbgott« und »Sie standen für Modernität überhaupt«.

Wie moderne Halbgötter sehen sie eigentlich nicht aus, sondern eher wie ungewaschene Kneipen-Linke in Armeeklamotten, die aus Herr Lehmann entsprungen sein könnten. Aber dann beim Gepose vor den Kameras und später auf der Bühne in ihren schwarzen Anzügen, kommen sie schon ein bisschen wie postmoderne 80er-Götter rüber. Blixa Bargeld hatte noch eine Punkfrisur und nicht so eine schleimige wie heute. Arrogante Anwandlungen hatte er allerdings schon damals – das wird in den Interviews, die er mit ELF99 und dem ZDF führte, deutlich. Insbesondere fällt der Kontrast zu den DDR-Leuten auf: Eine Roadie-Frau, in einem rosa Smiley-Shirt (!), erklärt Blixa, dass Wilhelm-Pieck ein Arbeiterführer war – denn die Neubauten spielen im Wilhelm-Pieck-Saal des Kulturhauses.

Eigentlich passten die Neubauten nicht in die spießige DDR und nur alle, die mehr wollten, als brav in Schablonen zu leben, sammelten sie auf Tapes. Aber da dann die Wende wieder extrem cool und postmodern war, weil jedes DDR-Anrüchige zu einem Symbol des Untergangs wurde – passte es irgendwie auch, dass die Punk- und Post-Industrial-Band mit ihrer Zerstörungswut im Wilhelm-Pieck-Saal des VEB Elektrokohle spielte.

Der Film ist etwas mager und das Archivmaterial etwas dünn. Interessant sind die Interviews, die die Untergangs- und Aufbruchsstimmung, das ambivalente Feeling, sehr authentisch widerspiegeln: Die Ex-Roadie-Frau erzählt, wie fremd ihr die Roadies der Band waren. Sie wäre niemals zu einem zwanglosen Gespräch hingegangen. So blieb es beim gegenseitigen Beäugen. Jemand erzählt, wie er zu Ostzeiten geschmuggelte Neubauten-Platten-Meetings zelebriert hat und wie sie dann alle versucht haben, die seltsamen Texte, die von »Kernfusionen« und »Hirnlego« handelten, zu entschlüsseln. Die Westberliner Underground-Band war ein Symbol für das Andere, das Fremde, das Rätselhafte, das wie der Reisewunsch einfach ein Wunsch nach Ausbruch aus Familie-Arbeit-Tod war. Doch nun, wo alles greifbar nahe schien – die DDR war noch nicht untergangen, die Wiedervereinigung noch in der Ferne – wusste man nicht so richtig, was man von dem jeweils Anderen halten sollte.

Die Konzertveranstalterin erzählt eine Anekdote, die wohl nur während der Wendewirren passieren konnte: Bargeld hatte eine Verabredung mit Heiner Müller, aber Müller hatte vorher eine Verabredung mit Francois Mitterrand und der ganzen französischen Ministerriege, die sich mit Künstlern und Intellektuellen treffen wollte, um sich ein Bild über den Zustand der DDR zu machen. Erst dachte die Veranstalterin, Müller sagt wohl ab – doch dann – wer weiß, was er denen erzählt – taucht Müller mit einigen französischen Ministern im Wilhelm-Pieck-Saal auf. Als sie Blixa Bargeld die Hand schütteln, wirkt dieser auf einmal ganz brav und höflich.

Und als dann Müller die einleitenden Worte vor dem Konzert spricht, tauen die Fans plötzlich auf, die vorher etwas befremdet und verbissen durch den Einlass drängelten. Als hätte Heiner Müller nun den Startschuss für einen postmodern daherkommenden Westen in Gestalt der Einstürzenden Neubauten gegeben, der nun auch im Osten Einzug hält.

VON WEGEN gehört in eine Reihe von Wende- und DDR-Dokus wie Ein Traum in Erdbeerfolie und SAG MIR, WO DIE SCHÖNEN SIND (Berlinale 08), die das Leben in der DDR aus heutiger Sicht dokumentieren. Einzigartig ist in dem Uli-Schueppel-Film der Kontrast zwischen Ost und West: Mit der Fokusierung auf die Einstürzenden Neubauten findet Schueppel eine gelungene Metapher auf das Ergebnis von 40jähriger Mauer: Ost- und Westvolk standen sich plötzlich gegenüber wie Außerirdische von verschiedenen Universen.

13.02. 15.30, Colosseum 1
14.02. 22.30, CineStar 7

ALLE ANDEREN
Maren Ade
119 Min.
Deutschland 2009

Milan Peschel in Höchstform: MITTE ENDE AUGUST (Forum).

Zwei äußerst interessante Filme, made in Germany, diskutieren partnerschaftliche Beziehungen. Sowohl Schipper als auch Ade haben Theaterschauspieler improvisieren lassen. Schipper nahm Anleihen bei Goethe und produzierte trotzdem einen sehr eigenständigen Film, der vor allem durch schauspielerische Leistung glänzt, und Ade führt einen Tiefendiskurs über die Schwierigkeit einer harmonischen Beziehung.

Frei nach den »Wahlverwandtschaften« von “olle” Goethe, einem Autor, der mich überhaupt nicht ins Kino lockt, verfilmte Schipper einen Film über das Paar Thomas und Hanna, das sich in Brandenburg ein Landhaus kauft und so lange glücklich ist, bis ankommende Verwandte und Bekannte die Beziehung stören.

Sebastin Schipper hat mit Goethe auch nicht viel am Hut, obwohl er ein bisschen damit kocketiert, wie fasziniert er von dem Buch gewesen sei, ohne aber sagen zu können, warum. Er gibt sogar zu, sich wie ein »Dieb« bedient zu haben – das ist das beste, was er überhaupt machen konnte. Nichts ist unerträglicher, als die arschlangweiligen Literaturverfilmungen, die immer an der Vorlage kleben bleiben und nichts Eigenes entwickeln – man kennt sie ja zur Genüge.

Schipper klaut sich also die Idee Goethes und improvisiert mit einer Handvoll Theaterschauspielern, also solchen, die wirklich spielen können. Herausgekommen ist ein Schauspielerfilm, der einfach schön anzusehen ist und Spaß macht: Milan Peschel als Thomas geht völlig ab und spielt den quirligen, völlig aufgedrehten, niemals erwachsengewordenen, symphatischen Allrounder. Er bestimmt die erste Hälfte des Films. Doch sobald er sich zurücknimmt – er merkt, dass Hanna (Marie Bäumer) sich von ihm zurückzieht – verliert der Film. Es gibt nochmal einen Höhepunkt, als der Vater von Hanna (Gert Voss, derzeit beim Wiener Burgtheater verpflichtet) die Bühne betritt: Dieser Typ hat einen Fünf-Minuten-Auftritt und schafft es in dieser Zeit, alle an die Wand zu spielen – keine Wunder, man gucke sich seine Bühnenerfahrung und sein Repertoire (Peymann, Tabori, Zadek, Langhoff) einfach mal auf Wiki an.

Switch back to “olle” Goethe: Soweit ich mich erinnere, ging es in »Wahlverwandtschaften« um die Analogie zwischen menschlichen Beziehungen und chemischen Elementen: Ein Element hat zum anderen Element eine Affinität, es verbindet sich oder aber es stößt das andere ab. Das hängt von der Anzahl der Elektronen ab. (Hießen die Teile auf der äußeren Schale so?) Dieser Vergleich ist ganz nett, aber irgendwie banal komisch.

Schipper »klaut« sich diese Grundidee und löst sie szenisch sehr gut auf: Zum Beispiel, wenn der Bruder von Thomas (André M. Hennicke), beruflich pleite, von seiner Frau und den Kindern verlassen, bei einem nächtlichen Mahl Hanna zuflüstert, wie Scheiße es ihm eigentlich geht, so stimmt die Chemie zwischen den beiden, denn Hanna geht es ähnlich. Doch dann platzen die andern hinein und zerstören diese negative Affinität.

Es finden sich eine Menge sehr gut entwickelter Szenen, aber wie bei jedem interessanten Film, gibt es auch etwas zu meckern: Die Figuren sind sehr unausgewogen. Die Frauen-Figuren habe ich nicht so richtig verstanden und finde es schade, dass sie nicht zu Ende entwickelt wurden. Anna Brüggemann (Augustine) und auch Marie Bäumer (Hanna) gehen unter im Spiel der Männer: Ihre Motive, ihre schauspielerischen Qualitäten kommen nicht so zur Geltung.

Trotzdem: Ein sehr interessanter, unterhaltsamer, schöner und sehenswerter Film, der einfach unheimlichen Spaß macht.

In ALLE ANDEREN von Maren Ade gibt es gewisse Parallelen – und trotzdem ist dieser Film einfach anders. Wie auch in MITTE ENDE AUGUST sehen wir mit Birgit Minichmayr (Gitti) und Lars Erdinger (Chris) Bühnenschauspieler. Dieser Film ist vor allem ein Kammerspiel, ein Beziehungsdrama, das um 22.30 Uhr in der Urania, dem übermüdeten Berlinale-Besucher sehr viel abverlangt – und – was mich angeht – ihn trotzdem bei der Stange halten kann. ALLE ANDEREN ist eine interessante und ausgeflippte Beziehungsstudie.

Ein Tiefendiskurs über die Möglichkeit und die Unmöglichkeit einer Beziehung. In Maren Ades Beziehungsdrama ALLE ANDEREN treiben Chris und Gitti ein seltsames Spiel miteinander. (Wettbewerb).

Kurz der Inhalt: Gitti und Chris machen Urlaub auf dem italienischen (oder war es griechischem) Grundstück von Chris´Eltern und haben vor allem eins: Viel Zeit, sich anzuöden, viel Zeit, alles durchzukauen. Und diese Spielerei miteinander, findet dann 119 Minuten lang extrem dialoglastig statt. Dafür hat nicht jeder Zuschauer oder jeder Kritiker die Nerven. Man muss sich schon ein bisschen auf den Exkurs von Ade einlassen können.

Wie auch in MITTE ENDE AUGUST wird die Beziehung zwischen Gitti und Chris gestört, jedoch nicht so brachial, sondern mit leiseren Tönen. Da gibt es den Freund der Eltern, Hans. Er hat ein Nachbargundstück. Gitti und Chris haben eigentlich gar keinen Bock auf eine Begegnung mit ihm und verstecken sich. Es gibt eine extrem lustige Szene, als die beiden den Nachbarn im Supermarkt erspähen und vor ihm flüchten wollen, doch dann hat er sie entdeckt und schon sind sie auf ein Essen festgenagelt.

Das abendliche Essen, im Film nimmt es nur wenige Minuten ein, verändert die Beziehung zwischen Gitti und Chris sofort. Nicht, dass wir wieder bei Goethe und seinen Elementen angelangt wären – ALLE ANDEREN – ist weniger banal als Goethe: Sana, die Frau von Hans (Nicole Marischka, tolle Schauspielerleistung) erwartet ein Baby. Sie erzählt, dass sie letzte Nacht einen Alptraum hatte: Ihr Kind war eine Giraffe, mit der, wer will es ihr verübeln, sie nicht so richtig klar kam. Doch dann kommt der starke Mann an ihrer Seite, Hans, und hilft ihr mit dem schwierigen »Baby«. Schnell wird klar, dass Hans der Retter in ihrem Alptraum ist und Sana das untergeordnete Rehlein. Gitti und Chris bekommen eine Beziehung in völliger Harmonie vorgeführt. Ade zeigt das in wenigen Minuten. Geniale Szene.

Doch wo liegt das Problem zwischen Gitti und Chris? Nach Goethes Theorie wären die beiden zwei abstoßende Elemente: Gitti, eine ausgeflippte Frau, die von Chris mehr Risiko fordert – im Beruf, im Urlaub – hat sich dummerweise in einen Langweiler verliebt, der berufliche Sicherheit will und abends im Urlaub keinen Bock mehr auf Disko-Rumzieherei hat. Das wäre zu einfach.

Ursula Werner, (»Wolke Neun«) Gastkritikerin bei Radio Eins, interpretierte Ades Drama politisch-soziologisch: »Ich betrachte das als eine heutige Schwierigkeit, sorgenlos leben zu können. Die jungen Männer haben Schwierigkeiten, sich im Leben zurechtzufinden, was die Arbeit angeht. Sie haben keine feste Basis mehr, Liebe, verbunden mit Familie, Kinder, aufzubauen…« (Radio-Eins-Live-Mitschnitt: Interview Knut Elstermann mit Ursula Werner in der Maxx-Bar)

Geht es wirklich um soziale Sicherheit, die die Beziehung so disharmisch ablaufen lässt?
ALLE ANDEREN ist kein Sozialdrama. Dass Chris als Architekt um Aufträge ringt, ist ein Nebenthema, das Ade zwar streift, doch darum geht es nicht substantiell. Es geht um die partnerschaftliche Beziehung an sich. Daran reiben sich beide und das macht den Film unheimlich interessant: Keiner von beiden ist bereit, eine Rolle einzunehmen. Sie wollen sich nicht festlegen, sie wollen nicht so sein, wie sie vom anderen wahrgenommen werden (und sie wissen auch gar nicht, wie der andere sie wahrnimmt); Dadurch haben sie auch eine gestörte Selbstwahrnehmung.

Ades Film ist schon fast ein philosophischer Diskurs über die glückliche oder unglückliche Beziehung. Die Regisseurin verhandelt auch das Thema Selbstaufgabe: Hat sich Sana aufgegeben, um in einer glücklichen Beziehung mit Hans leben zu können? Was ist, wenn man nicht dazu bereit ist, sich selbst aufzugeben? Gitti ist es nicht.

ALLE ANDEREN ist für mich bisher einer der interessantesten Filme der Berlinale – er verlangt Konzentration und Ausdauer.

MITTE ENDE AUGUST
13.02., 22.15, Cubix 9

12.02. 19:30, CinemaxX 4
14.02. 15:15, Arsenal 1

Bei MATERIAL handelt es sich um die Überreste aus 20 Jahren Filmarbeit des Wendedokumentaristen Thomas Heise. Dies und die stattliche Länge wird den einen oder anderen vielleicht abschrecken, da er aneinander gehängte Filmschnippsel erwartet. Dem ist aber nicht so. Ganz im Gegenteil: Diese Reste sind mehr als nur Überbleibsel.

MATERIAL besteht aus zwei Teilen. Der erste Teil wird vor allem dominiert von Aufnahmen der Demonstration am 04. November 1989 auf dem Alexanderplatz und von der (längst vergessenen) Demonstration der SED-Basis am 08. November 1989 vor dem ZK-Gebäude. Letzterem wird mehr Raum eingeräumt. Interessant war hierbei für mich (natürlich retroperspektiv betrachtet), wie viele dabei immer noch an einen Neuanfang in der DDR glaubten und wieviel Unmut über die SED-Führung sich auch unter den Genossen der Basis angestaut hatte. Aber auch wie Krenz und Schabowski sich noch im Besitz der Macht wähnten, die sie längst verloren hatten.

Der zweite Teil zeigt Stellungsnahmen von Strafgefangenen aber auch von Strafvollzugsbeamten anlässlich einer Revolte im Zuchthaus Brandenburg Anfang Dezember 1989. Hierbei fiel mir vor allem die Sprache der Gefangenen auf. Sicher im typischen DDR-Duktus stellten die vor allem jungen Gefangenen ihren Standpunkt und ihre Forderungen in einer sehr klaren Form dar, wie man es heute von jungen Strafgefangenen  nicht mehr erwarten würde. Die geschilderten Verhältnisse in den Gefängnissen (auch die Sicht der Wärter) und die Situation der Gefangenen nach ihrer Freilassung in der DDR waren mir bisher noch nicht so bewusst und machten mich betroffen. Ein Thema, mit dem man sich in jedem Fall weiter beschäftigen sollte.

Wie ein roter Pfaden – wohl auch zur Auflockerung gedacht – ziehen sich die Aufnahmen von Fritz Marquardt durch den Film. Wer die Einführung nicht gelesen hat, erfährt nicht, dass es sich hierbei um die Arbeiten zur Inszenierung von Heiner Müllers »Germania Tod in Berlin« handelt. Die herrlichen Streitgespräche, vor allem mit seinem Bühnenbildner Karl, könnten wahrscheinlich bei jedem anderen Stück und auch an jedem anderen Ort der Welt in einem Theater stattfinden.

Hinzu kommen Aufnahmen verschiedenster Ereignisse der unmittelbaren Nachwendezeit. MATERIAL ist definitiv keine wilde Zusammenstellung irgendwelcher Filmschnipsel, sondern eine durchdachte und empfehlenswerte Videocollage.

Der Film handelt von einem haitianischem Liebespaar, das die Armut auf eine Zuckerrohrplantage in der Dominikanischen Republik verschlagen hat. Dort herrschen albtraumhafte Zustände wie zu schlimmsten Sklavenhalterzeiten.

Die junge Frau – sie hat zu Beginn des Filmes ihr Baby verloren – will zurück nach Haiti, wo sie sich ein besseres Leben erhofft. Ihr Mann dagegen hat die Hoffnung auf ein besseres Leben aufgegeben. Erst als ein Wärter versucht, die Frau zu vergewaltigen, fliehen sie mit Hilfe zurück nach Haiti. Aber auch hier wartet nicht das Glück…

Der Regisseur greift kaum zu dramatisierenden Mitteln, er zeigt einfach nur die alltägliche Armut und Rechtlosigkeit dieser Menschen. Die Handlung wird sehr langsam, aber nicht langweilig erzählt, um dadurch die Zustände anzuklagen. Die geschilderten Verhältnisse sind eben für diesen Teil der Welt völlig normal. Als ich den Film sah, erinnerte ich mich an meinen Kubaaufenthalt vor einigen Jahren. Auch dort habe ich Armut gesehen, aber diese ist nicht zu vergleichen mit der Situation in Haiti und der Dominikanischen Republik, die dieser Film zeigt und anprangert.

Ich kann den Film uneingeschränkt empfehlen, da er eigentlich nur eine einfache Geschichte erzählt und nicht propagandistisch daher kommt.

Negativ war eigentlich nur der Rahmen, in dem der Film gezeigt wurde: Kulinarisches Kino. Was sich die Organisatoren dabei gedacht haben, in dieser Reihe einen Film über bettelarme, entrechtete hungernde Menschen zu zeigen und danach die Zuschauer “kulinarisch im Spiegelzelt bewirten” (O-Ton des Moderators) zu wollen, ist mir absolut schleierhaft. Dabei kann (sollte!) einem nur jeder Bissen im Halse stecken bleiben. Übrigens als Eröffnungsfilm für die Sektion Kulinarisches Kino lief Food Inc.. Die Geschmacklosigkeit dieser Reihe ist also kein Versehen, sondern Programm.