»MARTYRS ist ein metaphysisches Experiment in purem Schmerz.« (Programmheft) Foto: FFF

Mit dem Horrorfilm, einem Genre, das von der Filmkritik dem so genannten body-genre zugerechnet wird, ist es so eine Sache. Es beruht auf ewig gleichen oder zumindest ähnlichen Effekten. Anders als der Porno, der ebenfalls zu diesem Genre zählt, das körperliche Reaktionen hervorruft, hat der Horrorfilm damit zu kämpfen, dass er nicht immer die gleiche Leier bringen darf. Er riskiert von den Fans ausgebuht zu werden, die zwar immer wieder nach Neuem lächzen, sich aber trotzdem gruseln wollen. Das heißt, Horrorfilmfans sind anspruchsvoll und schwer zu befriedigen. Und, die Regisseure müssen äußerst kreativ sein.

Die PR zu MARTYRS, zumindest die im Programmheft des FFF, klingt verheißungsvoll und greift zu Superlativen: »MARTYRS ist ein Test. Pascal Laugiers Extremschocker sprengt Grenzen…« Es ist vom umstrittensten Film in Cannes, sogar vom meist diskutierten Film des Jahres die Rede. Er wurde mit HIGH TENSION und INSIDE verglichen, die beide zur »harten Welle« des französischen Genrekinos zählen, wie auch immer diese definiert sein mag, und es wurde versprochen, dass MARTYRS über diese beiden durchaus gelungenen »Vorgänger« hinausreiche.

Solche extrem hohen Erwartungen zu wecken, ist schon äußerst gewagt. MARTYRS muss also schon genial sein, um diese auch erfüllen zu können. Bahnbrechend in den Effekten, neuartig in der Story, andersartig und einfallsreich.

Im Folgenden wird etwas um den heißen Brei herumgeredet, da keinerlei Auflösungen verraten werden sollen, die nicht auch in der Filmbeschreibung sowie im Trailer schon benannt wurden. Allerdings gibt es im dramaturgischen Sinne schon eine Art von abstrakter Auflösung, die jedoch nicht inhaltlicher Art ist.

Fangen wir mit Punkt Zwei an: die Story. MARTYRS ist so konstruiert, dass niemand weiß, was mit der zehnjährigen Julie passiert ist. Es ist lediglich bekannt, dass sie in einem Keller gequält und festgehalten wurde. Dass sie nicht vergewaltigt wurde, dass es ihr gelungen ist, zu fliehen und, dass sie selbst nicht wirklich weiß, was genau passiert ist.

Im ersten Moment klingt das äußerst spannend, weil sich jeder die schrecklichsten Dinge ausmalt. Sie wurde nicht vergewaltigt. Oh Gott! Was um Himmels Willen ist nur mit ihr passiert? Wie lautet doch der Werbetrailer von 13TH STREET? – Es ist nur in Deinem Kopf. Und das ist immer das Schrecklichste.

Im zweiten Moment greift aber eine für MARTYRS verheerende dramaturgische Regel: Ab da kann die Story nur noch verlieren, denn jetzt muss sie anfangen zu enthüllen. Nach ca. 20 Minuten, in denen MARTYRS noch einmal das aufbereitet, was der Rezipient durch die Filmbeschreibung und den Trailer schon weiß, muss Pascal Laugier die Story weiterlaufen lassen. Er kämpft gegen die Phantasie des Zuschauers. Muss sie, wenn möglich, sogar übertreffen, zumindest erfüllen. Das ist ein Fight, der nicht zu gewinnen ist. Kann sich jemand was Schrecklicheres vorstellen, als das, was im Kopf abläuft? Das ist zumindest sehr gewagt. Besser ist: Harmlos beginnen und sich dann steigern.

Viele gelungene Horrorfilme beginnen mit unbeschwerten Teenies, die in Autos rumkurven, gut drauf sind, entspannen. Die also eine hohe Fallhöhe haben. Laugier beginnt mit dem Furchtbarem. Der Horrorfilm partizipiert von den Regeln der Tragödie. Wie will er jemanden ganz tief fallen lassen, der nicht einmal gut drauf war und der schon ganz am Anfang so weit unten ist?

Laugier ist natürlich nicht doof und weiß das alles auch. Deshalb setzt er alles daran, den Zuschauer so lange wie möglich im Unklaren zu lassen. Hier setzt Punkt Eins an: die Effekte. Die müssen stellvertretend für die Story den Fan bei der Stange halten. Schwieriges Terrain. Julie, nun älter, hat sich also in das Haus begeben, wo sie jahrelang gequält wurde und taucht dort mit einem »todbringendem Jagdgewehr« (Programmheft) auf. Ganz klar müssen hier die üblichen Effekte eines Horrorfilms bedient werden, die sich auch in den letzten zwanzig Jahren nicht großartig verändert haben. Jemand wird von einem anderen verfolgt, der immer wieder überraschend auftaucht. Dazwischen gibt es ein paar blutige Szenen von einem Splattergrad von eins bis zehn.

Nun hat Alexandre Aja mit HIGH TENSION gezeigt, dass auch die schon hundertmal gesehenen Muster mit einer kleinen Storyneuheit, die Spannung bis ins Unerträgliche steigern können. Einen Psychopathen als das Böse einzusetzen (die Auflösung ist ohne Belang) ist schon mal ein Pluspunkt. Denn diese Figur ist von Natur aus unberechenbar und genau das, nämlich das Unberechenbare, macht den Horrorfilm aus. Aja spielt also solange wie möglich mit dem Zuschauer, der das Schlimmste erwartet. Er hält ihn allein durch Effekte in Atem. Der sich ständig wechselnde Rhythmus von Anspannung und Entspannung ist das wirksame Mittel von HIGH TENSION: die ewig gedehnten Szenen, in denen der Psychopath Räume durchsucht, gefolgt von hektischen Verfolgungsszenen. Der Bildschirm ist eigentlich mehr schwarz, als dass er irgendetwas zeigt – Aja lässt reichlich Platz für die Phantasie. Man weiß nie, was der Psychopath als nächstes tun wird. Am besten nämlich nicht viel, denn dann ist die Spannung im Kopf vorbei. Erst die Auflösung, die Aja so weit wie möglich hinauszögert, bringt dann die (erwartete) Enttäuschung. Aber das macht nichts, weil HIGH TENSION 70 minutenlang gut funktioniert hat.

MARTYRS arbeitet mit Methoden, die nicht so recht greifen, weil sie weder vom Splatterfaktor, noch vom Schrecken, Neues zu bieten haben. Es ist alles recht konventionell. Auch der Sound, mit dem INSIDE versuchte, Effekte zu schaffen, spielt bei MARTYRS eine unwesentliche Rolle.

Da MARTYRS im Effektbereich nicht so richtig funktioniert, konzentriert sich der Zuschauer wieder auf die Story. An dieser Stelle kann MARTYRS einen kleinen Punktsieg erzielen. Denn sie entwickelt sich etwas merkwürdig und im Kopf fängt es an zu brodeln, solange man sich nicht nur in die Konsumentenrolle begibt. Man spielt gedanklich also verschiedene Szenarios durch. Mit der Auflösung, etwa nach 2/3 des Films, wird das abrupt abgebrochen. Ab da hat der Film verloren und zwar komplett.

Wenn Horrorfilme anfangen zu erklären, sind es keine Horrorfilme mehr. Ich durchschaue das unerklärliche Böse und bin schon ein Teil davon, weil ich mich – notgedrungen – damit identifizieren muss, allein, um es zu verstehen. Wenn ich mich ängstigen will, möchte ich das Böse aber nicht verstehen. Das muss immer das Andere sein, das unerklärliche und absolute Böse bleiben, das man nie verstehen wird.

Es muss nicht schlimm sein, wenn ein Horrorfilm auch mal einen Genreübergriff wagt – wenn es originell ist und Sinn macht! Aber bei MARTYRS ist die Auflösung weder schrecklich noch besonders neu. Zudem wurden hohe Horrorerwartungen geweckt, durch PR, durch die Story, durch meine Phantasie – und dann die Enttäuschung…

Na ja. Ganz ehrlich? Ist nicht schlimm, weil Horrorfans daran gewöhnt sind. Schließlich steht das Genre unter extremen Druck. Es muss ja auch ganz schön viel leisten.
Ein kleiner Tipp von drei Horrorfreunden: Hätte man die Erklärung/Wendung (ACHTUNG – TÖDLICH FÜR DIESES GENRE!) weggelassen, die Szenen aber weiter so gedreht (gelungen: die Schlussszene, die an ROSEMARIES BABY erinnert), ein bisschen mehr drastischen Splatter eingebaut – (im letzten Drittel) – vielleicht wäre der Film gar nicht mal so uninteressant geworden. Am wichtigesten ist jedoch, nicht immer alles aufklären zu wollen. Aufklärung heißt verstehen und verstehen heißt keine Angst haben.

Geirrs therapeutische Methode: der Revolver (Foto: FFF)

In Bård Breiens schwarzhumorigem und »politisch (völlig) unkorrekten« Regiedebüt kämpfen der gelähmte Geirr und die Psychologin Tori um das beste Therapiekonzept: die Methode des Positive Thinking vs. die Kunst des Negativen Denkens. Der Regisseur bricht nicht nur gesellschaftliche Tabus, sondern dekonstruiert sie auch als verheerend.

Nach einem schweren Unfall ist Geirr an den Rollstuhl gefesselt und impotent – ein wahrer Grund schlecht drauf zu sein. Das kostet er auch mit aller Intensität aus. Kiffend vergräbt er sich in sein dunkles Zimmer, sieht blutige Kriegsfilme oder hört die späten Alben von Johnny Cash.

Seine Frau Ingvild kann sich das nicht länger mit ansehen und plant eine Überraschung: Sie lädt die Psychologin Tori ein, die kurz vor der Veröffentlichung ihres Buchs steht, in dem sie ihre Methode des positiven Denkens vorstellt. Als Beweis für den Erfolg ihres Therapiekonzepts hat sie eine Gruppe Behinderter mitgebracht. Alle gemeinsam sollen Geirr nun davon überzeugen, wie wunderbar das Leben trotz seiner Widrigkeiten doch ist, vorausgesetzt man beherrscht das positive Denken. Doch das hat Geirr gerade noch gefehlt und so benebelt er die ankommende Meute erst einmal mit einem Feuerlöscher.

Toris Konzept des positiven Denkens besteht darin, aufkommende depressive und nihilistische Gedanken ganz schnell in einen »Scheißbeutel«, ein selbstgehäckeltes buntes Hippiesäckchen, zu sprechen, um sich dann wieder ausführlich den konstruktiven, zielfördernden und positiven Dingen des Lebens hinzuwenden. Doch Geirr hat keinen Bock darauf und infiziert mit seiner negativen Haltung die ganze Truppe. Noch bevor die Psychologin bis drei zählen kann, sitzen ihre Schäfchen schnapstrinkend da und »spielen«: »Wem geht es am miesesten?« – Der hat gewonnen.

Bård Breien ist mit seinem Regiedebüt THE ART OF NEGATIVE THINKING (Deutscher Verleihtitel: DIE KUNST DES NEGATIVEN DENKENS) eine herrlich unkorrekte und schwarzhumorige Komödie gelungen. Das »Scheißsäckchen« steht symbolisch für das gesellschaftliche Tabu, einfach mal offen auszusprechen: »Ich fühl mich total Scheiße, bin impotent und behindert.« Das Komische beruht also auf Normverletzungen, auf Tabubrüchen. In Sigmund Freuds Studie »Der Witz und seine Beziehung zum Unbewussten« schreibt der Psychoanalytiker, dass der Witz aus Regel- und Normverstößen bestehe und für kurze Zeit die gewohnte, soziale Ordnung auf den Kopf stelle. Damit habe er auch eine medizinische, weil kathartische, Bedeutung.

Die Kunst des negativen Denkens quasi nach Freud ist also das therapeutische Gegenmodell von Geirr, das er bis zum Exzess betreibt. Er reißt tabusierte Behindertenwitze und deckt »politisch korrektes Verhalten« gegenüber Behinderten als scheinheiliges und falsches Getue auf. Alle dürfen endlich mal das tun, was sie bisher nicht durften: Sich richtig intensiv auskotzen, Drogen nehmen, sich Gehen lassen. Es wird einfach mal Tacheles geredet. Nichtbehinderte sind von der Party ausgeschlossen!

Bård Breiens Komödie geht noch einen Schritt weiter, als lediglich Tabus zu verletzen. Er stellt die gewohnte, soziale Ordnung als falsch und verheerend da. Er dekonstruiert die im sozialen Bereich weitverbreitete Methode des positiven Denkens als eine verheerende Lüge, die Konflikte lediglich kaschiert. Denn sobald Geirr die Psychologin aus dem Haus geprügelt hat und den ganzen Einfluß auf die Gruppe ausübt, brechen die verborgenen Probleme erst so richtig auf. Es stellt sich nämlich heraus, dass die Person, die am intensivsten von der Methode des positiven Denkens überzeugt war, eigentlich am tiefsten in der Scheiße steckt. Die Person mit der höchsten Fallhöhe hat es also wieder mal erwischt – früher oder später wäre sie ohnehin mit dem Problem konfrontiert gewesen. Mit einer noch größeren Fallhöhe.

Aber man darf beruhigt sein, denn der Film bewahrt die Genrekonvention der Komödie, wenn doch auf seine Art – nach der Methode des negativen Denkens. THE ART OF NEGATIVE THINKING kann man der Behindertenkomödie zurechnen, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Tabus zu brechen. Dass die Skandinavier Meister in politisch unkorrekten Filmen sind, haben sie mit dieser Tragikkomödie einmal mehr bewiesen.

Foto: FFF

Drei Soldaten liegen nackt im Meer vor Beirut. Sie erheben sich, gehen langsam ans Ufer, ziehen sich an und gehen in die zerstörte Stadt. Die Szene ist die einzige Erinnerung, die der israelische Dokumentarfilmer Ari Folman an seine Zeit in der israelischen Besatzungsarmee im Libanon Anfang der 80er Jahre, auf dem Höhepunkt des libanesischen Bürgerkrieges noch hat. Wahrscheinlich hat es die Szene niemals gegeben. Sie existiert nur in der Erinnerung von Ari Folman.

Als ihm ein Freund von seinen nächtlichen Alpträumen erzählt, in denen er von den 26 Hunden gejagt wird, die er im Krieg erschießen musste, nimmt Ari dies zum Anlass seine eigene Zeit, an die er sich nicht mehr erinnern kann, aufzuarbeiten. Er spricht mit seinen damaligen Kameraden und mit Psychologen auf der Suche nach seiner privaten Kriegsgeschichte. Aus den Erzählungen und Interviews macht er anschließend einen Dokumentarfilm, der zugleich ein Dokumentarfilm über eines der schlimmsten Massaker der jüngeren Kriegsgeschichte wird.

Das Gemetzel, das die mit Israel verbündeten christlichen Phalange-Milizen vom 16.-18. September 1982 in den palästinensischen Flüchtlingslagern Sabra und Schatila anrichten, steht paradigmatisch als erstes Kriegsverbrechen, das direkt vor den Augen einer untätigen Schutzarmee begangen wird. Die Opferzahlen sind noch nicht so hoch wie bei den späteren Massakern in Srebrenica oder Ruanda, sie schwanken zwischen den 460 Toten, die die libanesiche Polizei zählte und einigen Tausend, die Beobachter schätzten. Rund 800 vermutet die israelische Armee. Inwieweit der damalige israelische Verteidigungsminister Ariel Scharon von den Vorgängen wusste bzw. diese in Kauf genommen hat, ist bis heute umstritten. Auch dieses Massaker ist niemals wirklich aufgearbeitet worden.

Bild: Fantasy Film Fest

WALTZ WITH BASHIR ist aber weit mehr als nur ein sehr persönlicher Dokumentarfilm über ein Kriegsverbrechen. Dokumentarfilmer Ari Folman hat gleich ein ganz neues Filmgenre erfunden: Den Zeichentrick-Dokumentarfilm. Damit umschifft Folman nicht nur elegant das Problem, dass für die meisten Interview-Aussagen kein Archivmaterial zur Verfügung stand, sondern schafft der Distanziertheit und Unsicherheit der Erinnerung auch bildgestalterisch Ausdruck. Großes Lob gebührt dabei dem Zeichentrick-Team um Yoni Goodman, das mit 2300 Illustrationen einen Trickfilm auf technisch sehr hohem Niveau geschaffen hat.

Zum Sinnbild der Sinnlosigkeit des gesamten Krieges und des Feldzuges in den Libanon wird dabei die Erzählung eines Freundes, der, als sie von Hochhäusern aus beschossen werden, mit dem Maschinengewehr in der Hand aus der Deckung mitten auf die Straße rennt und, wild um sich schießend, einen Tanz aufführt, im Hintergrund ist ein riesiges Plakat des gerade eben ermordeten libanesischen Präsidenten Bashir Gemayel zu sehen. Dieser Bashir, der da im Hintergrund mittanzt, ist für die christlichen Milizen des Libanon eine vererhrte Lichtgestalt wie Kennedy es in der westlichen Welt war.

Seine Ermordung (wahrscheinlich durch den syrischen Geheimdienst) ist der Auftakt des Kriegsverbrechens, auf den der Film von Beginn an hinsteuert. Folgerichtig kippt der Film dann ganz am Ende doch aus den gezeichneten Erinnerungen in zeitgenössische Filmbilder. Es sind die Bilder der zerstörten Flüchtlingslager, überall liegen Schutt und Leichen herum, dazwischen laut klagende und schreiende Frauen. Es sind Originalaufnahmen, die unmittelbar nach Beendigung des Massakers aufgenommen wurden und die nun die ästhetische Distanz des Zuschauers urplötzlich aufbrechen. Aber auch für die Trickfigur Ari Folman sind die Archivaufnahmen am Ende eine Erlösung. Er hat seine Erinnerung wiedergewonnen.

In Cannes wurde der Film angeblich ähnlich bejubelt wie letztes Jahr Persepolis.

Der tumbe Popcorn-Blogger-Daumen greift an.

Lange Zeit hab ich mich immer über einige ältere Herrschaften gewundert, die sich über die Ess – vielleicht doch besser Fresskultur – im Kino eschoffiert haben: »Ja, früher gab es so was gar nicht. Heute wird geraaaschelt und geschmaaatzt. Fuuurchtbar!« – Warum müssen die immer so übertreiben, dachte ich mir.

Jetzt ist mir aufgefallen, dass ich nie in Kinos gehe, wo so viel geraaaschelt und geschmaaatzt wird. Beim Fantasy Filmfest, das hauptsächlich im CinemaxX läuft, hatte ich jetzt gleich zweimal hintereinander das Vergnügen, Raschler und Schmatzer ganz nahe erleben zu dürfen.

Das erste Mal war es weniger raschelig, eher ein unentwegtes Popcorngeschaufel plus den dazugehörigen Mümmel- und Knackgeräuschen, wenn das Gebiss auf nicht aufgeplatze Maiskörner stößt. Das dauerte bestimmt 30 Minuten lang. Beim zweiten Mal war es die Variante Raschler, insgesamt kürzer, aber dafür umso intensiver.

Die Filme, die liefen, waren eigentlich so gar nicht die Kategorie »Popcornkino«. Das Ganze hatte was von: Ich stopf mich mit diesem klebrigen Zeug voll (wenn es Popcorn mit Zucker ist) und warte mal ab, was das weiße rechteckige Teil da vorn so zu bieten hat. Dass the »man on the chair« vielleicht grad sein Innerstes nach Außen kehrt oder um es antiquiert auszudrücken, »Kunst macht« – was so ziemlich dasselbe ist – interessiert mich nur als Nachtisch zu meinen geliebten klebrigen oder auch salzigen Maiskörnern.

Beim so genannten »Popcornkino« hätte es mich (jetzt heißt »ich« wieder ich und nicht imaginäres Popcorn-Esser-Ich) wahrscheinlich nicht die Bohne gestört. Besser noch: Popcornessen und Rascheln ist genau die angemessene Haltung für bestimmte Filme und für andere Filme ist es das genaue Gegenteil. Wann aber weiß der Kinogänger, wann geschnurpselt und gekramt werden darf?

Vielleicht ist dieses Festival für uns ein bisschen verwirrend – so, dass wir alle etwas desorientiert herumlaufen. Der Fantasy-Filmfest-Fan weiß einfach nie so richtig, was ihn wirklich erwartet. Auf der einen Seite läuft der übliche Mainstream-Horrorfilm, dann wieder WALTZ WITH BASHIR, der so ganz nebenbei eine völlig neue Form des anspruchsvollen dokumentarischen Animationsfilms entwirft. Und dann gibt es da auch die »intelligenten« Horrorfilme mit sozialkritischen Aspekten und gleich nebenan läuft wieder ein Tennie-Slasher. Und mittendrin rasselt ein Klassiker von Hammer, der vor 50 Jahren als Schund galt und heute ganze Seminare bei den Filmwissenschaftlern füllt, durch den Projektor. Das Nebeneinander von Anspruch, Albernheit, Klassikern und Entdeckungen liegt beim FFF ganz dicht beieinander. Niemand weiß wirklich, wann man Popcorn essen darf und wann es verboten ist, weil es stört.

Blogger gehen nur ins Kino, um zu konsumieren: Bier, Popcorn, Pringles, Tortillachips mit Käsesoße und wenn dafür noch Zeit bleibt: Filme.

Aber ein Glück gibt es eine Spezies, die genau weiß, ob ein Film nur zu konsumieren oder aber ehrfurchtsvoll zu betrachten ist: die FEUILLETONISTEN.

Die FEUILLETONISTEN, unfreiwillig angeführt von Josef Schnelle: Sie wissen es genau! Wann handelt es sich um einen Kunstfilm, den Geburtswehen eines neuen Talents oder aber um billige Dutzendware. Rein und weg damit! Vergessen! Diese Unterscheidung ist nämlich sehr schwierig und kann ausschließlich von prominenten und sehr, sehr gebildeten Leuten getroffen werden, die keinesfalls – ich betone nochmal k-e-i-n-e-s-f-a-l-l-s! – bloggen oder dieses Teufelszeug World Wide Web als primäres Publikationsorgan benutzen.

Dauen rauf

Sollten sie es dennoch tun, so wie Wolfram Schütte, sollte man ihnen Daumenschrauben anlegen. Als präventive Maßnahme! Damit sie ja nicht von der wahnwitzigen und verkommenen Idee heimgesucht werden, ihre Daumen zu erheben (= wertvoller Kunstfilm, der das Kino revolutionieren wird) oder aber zu senken (= Popcorn-Film, der den Untergang desselbigen einleitet). Das ist ein satanisches Ausdrucksmittel, das die »Dilettanten« und »Abschreiber« gern willkürlich und bar jeder Vernunft einsetzen. Und zwar: permanent!

Daumen runter

Aber es kommt noch besser… Stopp! Haltet ein! Bitte erhebt noch nicht Eure Daumen!

Diese neue Spezies, besser diese alte Spezies – äh, diese ehrwürdige Spezies – die FEUILLETONISTEN (ah, Labsal, dieses Schablonendenken tut so gut) tragen nicht nur zur Entwirrung der Fankultur oder des normalen Kinogängers bei, sagen ihm, wann er schnurpseln, knuspern, raaascheln und schmaaatzen darf oder wann er dies – Bitte!!! Bitte!!! – zu unterlassen hat. Nein, sie entwirren und erschaffen auch den Künstler und sein Kunstwerk. Wenn er denn ein solcher sein sollte. Das weiß er nämlich nicht, bevor er nicht die FEUILLETONISTEN, die Weisen der Welt, befragt hat.

Tumber Bloggerdaumen wackelt wie ein Lämmerschwanz.

Somit ist alles geklärt! Meine Güte! Dass ich das noch erleben darf. Es gibt wieder ein warmes Zentrum! Einen Gott! Jemanden, der in dieser ganzen irdischen Verwirrung des 21. Jahrhunderts Ordnung stiftet. Endlich einer, der weiß, wie man gegen dieses störende Popcorngeschmatze, diese verkommene kapitalistische Kulturindustrie, diese nihilistischen Dekonstruktivisten und den Schmierfinken in den Blogs vorgeht.

Und das Beste ist: Niemand hat jemals geahnt, dass jemand die absolute Macht hat, der einfach nur Josef heißt….Ups, na ja, außer die Bibel…Äh…Ach nee…doch nicht.

Die Verfilmung des schwedischen Romans »So finster die Nacht«, einer düsteren Coming of Age-Geschichte, steht ganz in der melancholischen Tradition des schönen dunklen Nordens. Mit ruhigen poetischen Bildern entwirft Tomas Alfredson die Einsamkeit zweier Zwölfjähriger. Zu Weihnachten kommt die Literaturverfilmung bei uns in die Kinos – auf dem Fantasy Filmfest ist sie schon jetzt zu sehen.

Der zwölfjährige Oskar lebt mit seiner Mutter in einer grauen Mietshaussiedlung. In seiner Klasse wird er gehänselt und drangsaliert. Sein Vater ist ein Alkoholiker, den er ab und zu besuchen darf. Oskar ist allein und isoliert. Doch dann platzen zwei Ereignisse in sein Leben: Der kleine Vorort von Stockholm wird von einer Reihe mysteriöser Morde heimgesucht und ins Nebenhaus zieht ein Vater mit seiner ebenfalls zwölfjährigen Tochter Eli ein. Merkwürdig ist nur, dass die neuen Nachbarn ihre Fensterscheiben mit Pappe zu kleben und Eli muffig riecht. Aber eigentlich gefällt das Oskar, ist sie doch ebenso eine Außenseiterin wie er selbst. Bald entwickelt sich eine zarte Freundschaft zwischen ihnen. Dass die Morde etwas mit Eli zu tun haben könnten, ahnt Oskar noch nicht.

Der Film basiert auf dem Roman »So finster die Nacht« von John Ajvide Lindqvist, der auch das Drehbuch zum Film geschrieben hat. Es ist eine düstere Coming of Age-Geschichte, die von einer einsamen Kindheit in der Tristesse des Nordens handelt – die gleiche melancholisch-schöne Tristesse wie wir sie von einem Aki Kaurismäki oder einem Mikael Niemi (»Populärmusik aus Vittula«) schon kennen. Tomas Alfredson gelingt es in ruhigen Einstellungen und poetisch-düsteren Bildern die Einsamkeit eines Zwölfjährigen zu skizzieren, dessen Hobby darin besteht, Zeitungsausschnitte von Verbrechen zu sammeln.

Da Roman sowie auch Verfilmung die Metaebene zulassen, die Geschehnisse in dem kleinen Örtchen als Rachephantasien eines Zwölfjährigen zu lesen, geht der Geschichte nicht ganz auf. Alfredson hat sich gegen einen OFF-Kommentar entschieden, nicht unbedingt zum Vorteil des Films. Der Kinderdarsteller Kåre Hedebrant spielt den Oskar stark zurückgenommen, so dass die ungeheure Wut, die die teilweise auch recht harten Splatterszenen suggerieren, nicht wirklich nachvollzogen werden kann. Man denke dabei an die gelungenen Mittel zu denen Peter Jackson in HEAVENTLY CREATURES (USA, D, NZ, 1995) gegriffen hat. Dort wird die Figur Pauline (Melanie Lynskey) von eben solchen blutigen Rachephantasien heimgesucht. Jackson arbeitet dies mit dem OFF-Kommentar und Tagtraumsequenzen sehr drastisch heraus.

Oskars Welt ist jedoch nicht die einzige Perspektive, die der Film verfolgt. Eli ist nicht nur die tragische Vampir-Figur, mit der wir eher Mitleid empfinden als Grauen, sondern sie steckt auch in einer tragischen Vater-Tochter-Beziehung. Ihr alter Vater selbst ist kein Vampir, möchte aber wie jeder liebende Vater für seine Tochter sorgen. Er hat das Pech, ständig beim Schächten der Opfer erwischt zu werden, so dass Eli um nicht zu verhungern, schließlich selbst morden muss. Dass seine kleine Tochter Leute umbringt, schmeckt wiederum dem Vater nicht, der sich inzwischen überflüssig vorkommt. Schließlich sieht er nur noch einen Ausweg für sich.

Wie in den vielen traditionellen Vampirfilmen ist auch hier der Blutsauger eine tragische Figur, die lediglich durch die Sucht nach Blut getrieben wird. Natürlich ist von der kostbaren roten Flüssigkeit immer zu wenig da, weil es gar nicht so einfach ist, jemanden zu überwältigen. Darüber hinaus sucht Vampir Eli aber auch ein bisschen menschliche Wärme, die sie bei Oskar schließlich findet.

LET THE RIGHT ONE IN zeigt die Perspektive der Ausgestoßenen und Verlassenen und wird deshalb von MFA kurz vor Heilig Abend in die Kinos gebracht, da bekanntlich zu Weihnachten die meisten Empathie für andere empfinden. Die Geschichte mit viel Schnee hat auch einen Hauch schwarzen Humor zu bieten. Denn wie in den meisten skandinavischen Filmen tauchen auch hier skurile Gestalten auf. In der Nachbarschaft verbringt man die kalten Winterabende mit unzähligen Katzen und Schnapstrinken. Und während man noch rätselt, welches komische Wesen den lieben Kumpel ins Jenseits befördert haben könnte, ist man schon selbst ein Vampir.

Vom heißen Sex bis zum kalten Abschlachten ist es nur ein kleiner Schritt: Zumindest in DONKEY PUNCH

Film kann so einfach sein: 4 Jungs, 3 Mädels, eine Luxusyacht, ringsum strahlender Sonnenschein und viel blaues Meer. Ein paar Drogen und jede Menge Blut. Der englische Wettbewerbsbeitrag DONKEY PUNCH erzählt die Geschichte einer ausgelassenen Sommer-Urlaubs-Party, die ein wenig aus dem Ruder gerät. Nur 10 Sekunden braucht Regisseur und Drehbuchschreiber Oliver Blackburn, um klarzumachen, dass es ein blutiger Film wird — da hat sich Tammi, die schüchternste der drei Mädchen, beim Achselhaarrasieren geschnitten. Danach ist aber erstmal Party angesagt.

Die drei Mädels lernen auf einer Mallorca-Party drei Londoner Boys kennen. Nachdem sie den gestohlenen Champagner am Strand leergetrunken haben, machen die Jungs den Vorschlag, auf der Yacht weiterzufeiern. Kim und Lisa sind sofort begeistert und überreden schließlich auch Tammi “auf einen Drink” mitzukommen. Leider kann man im Hafen die Musik nicht so laut stellen, wie es für eine zünftige Yachtparty angemessen wäre. Also Leinen los und raus auf’s Meer. Dort verteilt Bad Boy Bluey erstmal reichlich Drogen und erzählt vom Donkey Punch, einem Schlag ins Genick, der dem Mädchen beim Sex den absoluten Kick beim Orgasmus versetzen soll.

Bild: Fantasy Film Fest

Keine Frage, das muss man ausprobieren. Also gehen Kim und Lisa mit Bluey und Marcus für eine spontane Sexparty nach unten, kurz darauf gefolgt von Josh, der mit zittrigen Fingern das heiße Geschehen mit einem Camcorder aufnimmt. Bluey überlässt dann Josh Lisa und übernimmt selbst den Camcorder. Als der unerfahrene Josh beim Höhepunkt nach Anfeuerung von Bluey den Donkey Punch setzt, ist der Faustschlag etwas zu gut gesetzt. Lisa klappt mit gebrochenem Genick tot zusammen.

Damit ist die Bühne eröffnet für einen Survival of the fittest, in dem gegenseitiges Mißtrauen und Mißverständnisse ein ums andere Mal die Situation im Krieg der Geschlechter auf eine neue Eskalationsstufe heben. Dabei versteht es Blackburn, die Gewaltdosis bei jedem weiteren Toten virtuos noch eine Schraube höher zu drehen. Soviel sei verraten, dass die destruktiven Möglichkeiten einer Signalpistole und eines Bootsmotors bildstark aufgezeigt werden.

Anscheinend sind dieses Jahr einige Partyfeinde unter den Regisseuren. Neben dem hier vorgestellten DONKEY PUNCH wird auch noch der argentinische Beitrag 36 STEPS um eine ausgelassene Poolparty, die ein sadistischer Serienkiller veranstaltet, der jedes Mädchen, das sich weigert, weiterhin gute Laune zu haben, abschlachtet, den Zuschauern die Partylaune hoffentlich nicht verderben. 36 STEPS wurde in Berlin auf Dienstag 15:00 Uhr verlegt.

FFF Hamburg (18.8., CINEMAXX 2, 19.15 h); FFF Dortmund (23.8., CINESTAR 10, 17.00 h);
FFF Köln (21.8., CINEDOM 6, 19.15 h); FFF Frankfurt (31.8., METROPOLIS 3, 19.15 h);
FFF Nürnberg (29.8., CINECITTA’ 2, 19.00 h);FFF Stuttgart (9.9., METROPOL 2, 15.00 h);
FFF München (5.9., CINEMA, 17.30 h)

Typisch Miike: Leichen pflastern seinen Weg.

Takashi Miike filmt schon seit vielen Jahren an seiner ganz persönlichen Filmothek. Vom Horror über den Yakuza-Thriller bis zum meditativen Roadmovie hat er so ziemlich alle Genres inzwischen durchgespielt. Sein neuester Film LIKE A DRAGON deckt sogar gleich zwei Genres ab. Die PC-Spiel-Verfilmung und die Actionkomödie. Drei oder mehr Erzählstränge werden mehr oder weniger zusammenhängend erzählt.

Da ist zum einen ein gerade aus dem Gefängnis entlassener Yakuza namens Kiryu, der versucht die Mutter der kleinen Haruka zu finden. Zwei Yakuza-Gangs, von denen die eine unter dem brutalen Anführer Majima sich auf der Suche nach Kiryu mit Baseball-Schlägern den Weg freimetzelt. Das junge Liebespärchen Yui und Satoru, die durch Zufall und die Geistesgegenwart des Mädchens Yui bei einer Gangster-Schlägerei in einem Lebensmittel-Laden in den Besitz von Yakuza-Geld kommen und, einmal auf den Geschmack und in den Besitz einer Waffe gekommen, einen Laden nach dem anderen ausrauben. Das Figurenkabinett beruht auf einem Computerspiel namens Yakuza, das ich aber nicht kenne. In Europa wird es wohl nicht vertrieben, von daher kann nur der Film als solcher bewertet werden.

Vielleicht will Miike vom früheren Image des Splatterfilmers weg. Aber trotz zahlreicher gelungener Gags zündet diese Actionkomödie nicht so recht. Da ist zum einen die doch recht verworrene Yakuza-Geschichte, deren Zusammenhänge, wer wann mit wem was warum angestellt hat und deshalb jetzt hinter ihm her ist, sich einfach nicht auflösen lassen wollen. Aber auch als reines Popcorn-Kino, in dem die Story eh scheißegal ist, funktioniert Like a Dragon nicht. Nicht nur der dritte Handlungsstrang von zwei ziemlich dämlichen und glücklosen Geiselgangstern in einer Bank, die fünf Minuten vor dem Überfall noch eine riesige Bargeldmenge hatte, ist für meinen Geschmack zu klamaukig geworden.

Wirklich gelungen ist nur die als Tragikkomödie inszenierte Bonnie und Clyde-Story im Teenie-Format um Yui und Satoru, die nach einer rauschhaften Nacht des Ausraubens von Läden schließlich von den Yakuza gestellt werden. Erwähnenswert auch die erfrischende Natürlichkeit, mit der Natsuo Tomita das kleine Mädchen Haruka spielt. Leider hat Miike nicht den Mut, das Vater-Tochter-Verhältnis zwischen ihr und Kiryu in Richtung “Leon, der Profi” weiterzuentwickeln.

Mit den Filmen von Takashi Miike ist es so eine Sache. Wenn er gut drauf ist, und das ist er etwa jedes zweite Mal, haut er Sachen raus, die sind fast so gut wie die Filme von seinem Namensvetter Takashi Kitano. LIKE A DRAGON gehört in die andere Hälfte. An die große Klasse japanischer Actionkomödien, wie sie z.B. Sabu immer wieder vorlegt, kommt LIKE A DRAGON leider gar nicht heran.

FFF Dortmund (24.8., CINESTAR 9, 15.00 h); FFF Köln (23.8., CINEDOM 9, 17.00 h)
FFF Frankfurt (29.8., METROPOLIS 3, 21.30 h); FFF Nürnberg (30.8., CINECITTA’ 2, 19.00 h)
FFF Stuttgart (10.9., METROPOL 1, 19.30 h); FFF München (6.9., CITY, 19.15 h)

Nur Opfer? Jenny (KellyReilly) als Final Girl in EDEN LAKE.

Eigentlich sollte es ein romantisches Verlobungswochenende am einsamen Eden Lake werden. Doch nach einer Auseinandersetzung mit »Krawalljugendlichen«, gerät das Pärchen in einen Strudel der Gewalt. Das 22. Fantasy Filmfest eröffnet mit einer Weltpremiere. Der intelligente Horrorthriller, das Regiedebüt des Briten James Watkins, kommentiert die Jugendgewaltwelle in Großbritannien.

Recht vergnügt holt Steve seine Freundin Jenny von der Arbeit ab. Die Kindergärtnerin und ihr Freund starten in ein lang geplantes Campingwochenende aufs Land. Doch das Unheil kündigt sich schon im Autoradio an. Dort wird über Jugendkriminalität diskutiert. Kurz darauf brettern Kids mit ihren Mountainbikes über die rote Ampel Steve direkt vor die Kühlerhaube. Am Eden Lake angekommen, findet das Pärchen eine Lücke im Zaun. Die Gegend um den See ist weiträumig abgesperrt. Ein Hinweisschild, auf dessen Rückseite jemand die Worte »Fuck off, yuppie cunts!« gesprüht hat, kündigt hier Wohnsiedlungen für Reiche an. Im Wald treffen sie auf einen eigenbrötlerischen Jungen. Doch der will nicht mit ihnen reden, weil ihm seine Mutter verboten hat, mit Fremden zu sprechen. Als sie endlich am See angelangt sind, scheinen sie einen romantischen Ort gefunden zu haben. Doch als Jenny aus ihrem Nickerchen erwacht, starrt sie direkt in die Augen eines hässlichen Kampfhundes. Das »possierliche« Tierchen gehört Jugendlichen, die bald darauf den ganzen See beschallen und eine Atmosphäre des Unbehagens verbreiten.

EDEN LAKE arbeitet konsequent mit realistischem Background. Die folgenden Auseinandersetzungen zwischen dem Pärchen und den rotzfrechen Youngstern, die sich bis zu gewalttätigen Auseinandersetzungen hochschaukeln, sind plausibel. Den Suspense zieht der Film hauptsächlich aus dem Thrilleffekt Folger-und-Verfolgte. Watkins bleibt dabei, wie auch in den blutigen Szenen, sehr subtil. Er verzichtet auf krachige Effekte zugunsten intelligenter Verweise auf soziale Missstände. Besonders deutlich wird das anhand der ambivalenten Figurenskizzierung, die keineswegs so eindeutig ist, wie sie zu Beginn angedeutet wird.

ACHTUNG SPOILER!

Besonders trifft das auf Jenny zu, die mit ansehen muss, wie ihr Freund zu Tode gequält wird. Zunächst scheint sie ganz dem taffen Final Girl zu entsprechen, das sich animalisch und clever durch ein Martyrium kämpfen muss. Doch da Watkins die jugendlichen Täter nicht als übernatürlich schlecht und verdorben skizziert, also auch hier der realistischen Darstellungsweise verpflichtet bleibt, erscheint auch Jenny zunehmend in einem anderen Licht: Der Anführer der Clique ist der eigentliche Mörder. Er zwingt die anderen teilweise unter Gewaltandrohung zum Mitmachen. Als sich einer unbemerkt von der Gruppe entfernen kann, trifft er die im Wald umherirrende Jenny. Doch das vermeintliche Opfer, die Kindergärtnerin vom Vortag, hat sich inzwischen zur rasenden Bestie gewandelt (auch optisch). Eigentlich grundlos sticht sie auf den ihr körperlich unterlegenen Jungen ein, der sie überhaupt nicht angreift, ihr möglicherweise sogar helfen will. Später, nach dem sie sich ein Auto erobern konnte, fährt sie noch eine weitere Jugendliche über den Haufen. (Interessant ist übrigens, dass das Premierenpublikum an diesen Stellen geklatscht hat. Scheinbar wurde der Film nur als reiner Horrorfilm konsumiert.)

SPOILERENDE

Watkins beschreibt die Gewaltwelle – die in den Medien sehr präsenten sich ständig wiederholenden Messerattacken – als einen aussichtslosen Kreislauf. Jeder ist mal abwechselnd Opfer und Täter. Auch die Ursachen für die jugendliche Verrohung benennt der Regisseur: Gewalt in der Familie – richtig gruselig ist der Vater des Haupttäters – und die sozialen Ungerechtigkeiten. Vehement kritisiert wird die Privatisierung von Natur, die in Großbritannien schon lange ein großes Problem darstellt. Der meisten Wälder, Felder, Seen und landwirtschaftlichen Nutzflächen sind für die Öffentlichkeit nicht zugänglich, da sich Natur in Großbritannien zum Großteil im Privatbesitz befindet.

Nachdem das Fantasy Filmfest im letzten Jahr mit der Splatterkomödie BLACK SHEEP (Jonathan King, Neuseeland, 2007) eröffnete, ist dies ein etwas ernsterer Auftakt.

FFF Dortmund (20.8., CINESTAR 9, 20.00 h); FFF Köln (20.8., CINEDOM 4, 20.00 h)
FFF Frankfurt (27.8., METROPOLIS 6, 20.00 h); FFF Nürnberg (27.8., CINECITTA’ 3, 20.00 h)
FFF Stuttgart (3.9., METROPOL 1, 20.00 h; METROPOL 2, 22.15 h); FFF München (3.9., CINEMA, 20.15 h; 22.30h)

Das Sequel LADY BLOOD konnte noch nicht fertig gestellt werden und läuft nur in vorläufiger Fassung auf dem FFF.

Folgende Regisseure werden in Berlin erwartet: Am Mittwoch, den 13.8., stellt Mabrouk El Mechri seinen Film JCVD (2008) um 21.15 Uhr im CinemaxX vor. In diesem Actionthriller erscheint doch tatsächlich Jean-Claude Van Damme wieder auf der Bildfläche, der sich selbst selbstironisch spielt. Warum nicht? Mit PULP FICTION hat auch ein Totgeglaubter sein Comeback geschafft.

Der gleich mit zwei Filmen vertretene dänische Regisseur Ole Bornedal (Nightwatch, 1997) ist am Freitag, den 15.8. um 21.30 Uhr, ebenfalls im CinemaxX bei seinen Film JUST ANOTHER LOVE STORY (2007) anwesend. In diesem Neo-Noir mit vielerlei Verweisen auf die ganz Großen der Filmgeschichte wie Bergman, Hitchcock und Wilder taucht die Femme fatale zuerst auf der Kühlerhaube eines Autos auf. Zwischen dem Fahrer, einem Leichenfotografen, und der durch die Folgen des Unfalls an Amnesie leidenden Schönen entwickelt sich eine verhängnisvolle Obsession. In Bornedals zweitem Beitrag, der Sience-Fiction-Horror-Komödie THE SUBSITUTE, spielt Paprika Steen (DAS FEST, IDIOTEN, ADAMS ÄPFEL) eine nichtirdische Lehrerin mit ungewöhnlichen Fähigkeiten.

Dass das Fantasy Filmfest wirklich Frischware anzubieten hat, beweist der Film LADY BLOOD (Jean-Marc Vincent, F 2008). Da der Film noch gar nicht fertig ist, kann er nur in der vorläufigen Fassung gezeigt werden, die natürlich nicht auf 35mm vorliegt. Kurz vor dem Filmstart in Hamburg am Samstag, den 16.8., muss extra die HDV aus Paris geholt werden. In diesem Sequel von »Baby Blood«, einem der ersten französischen Splatterfilme, bricht die dunkle Vergangenheit einer Polizistin wieder auf.

Der aktuelle tip (online) interviewt Festivalgründer Rainer Stefan, der aktuelle Trends des Fantasy Filmfests beschreibt, verrät welche Regisseure in diesem Jahr kommen und die in Foren heiß diskutierte Frage beantwortet, warum das Festivals diesmal in Berlin beginnt.

Das Interview mit Katharina Klewinghaus in der taz zu ihrem Film THE SCIENCE OF HORROR hat zwar nicht unmittelbar mit dem Festival zu tun, geht aber der Frage nach, warum Horrorfilme so faszinierend sind. In dem Dokumentarfilm, der soeben in den Kinos gestartet ist, kommen Regisseure wie Wes Craven und John Carpenter zu Wort. Die Regisseurin selbst hat in dem Zombiefilm OTTO; OR UP WITH DEAD PEOPLE (Kinostart Deutschland: 18.9.2008) mitgespielt.

Im aktuellen tip-Magazin (Nr. 17) schreibt Jörg Buttgereit einen etwas sehr kurzgeratenen Beitrag zum FFF, in dem er auch seine favorisierte Theorie des Horrorfilms zum Besten gibt. Claudia Lenssen interviewt Katharina Klewinghaus zu THE SCIENCE OF HORROR.