Fantasy Filmfest Nights

Preisgewaltig: Ticketpreise

Der Ticketpreis ist mit 9 Euro im Vergleich zum Vorjahr um einen ganzen Euro teurer geworden. Klar ist ein Filmfestival extrem teuer, noch dazu ein Genrefestival. Aber hätte man nicht lieber noch zusätzliche Sponsoren werben können? Die Sponsorenanzahl scheint gleich geblieben zu sein. Statt 2k Games sind CinePostproduction und TV Spielfilm hinzugekommen. Ob die Sponsorengelder ingesamt gleichgeblieben sind, kann ich natürlich nicht sagen. Vielleicht haben die Kinos auch die Mieten erhöht. Einerseits gehörte es zwar zu den Ritualen der Veranstalter jedes Jahr darauf hinzuweisen, dass das Festival mit einem Eintrittspreis von 8 Euro eigentlich nicht finanzierbar sei. Anderseits: Welche Filme finanzieren sich schon über Eintrittsgelder? – Eine Handvoll Blockbuster vielleicht. Ich glaube, größere Festivals müssen sich hauptsächlich über Sponsoren finanzieren. 9 Euro sind jedenfalls absolut grenzwertig. Zumal das Zielpublikum nicht aus hyperbezahlten Managern besteht, sondern aus Horrornerds.

Medienpräsenz

Was dazu passt: Die Präsenz in den Berliner Medien ist nicht gerade toll: im tip und in der Zitty jeweils eine Seite. Die obligatorische, langweilige, oberflächliche Aufzählung einiger Filme. Auf Radio Eins lief nicht mal ein Beitrag bei Elstermanns Filmmagazin am Samstag. Während ich hier schreibe, wird ein Interview mit dem Veranstalter angekündigt, im Mittagsmagazin zwischen Einweckrezepten und Vormittagsdödelei. In Foren war von einem Film die Rede (A SERBIAN MOVIE), der wegen der Gefahr der Beschlagnahmung, insbesondere in Berlin, nicht ins Programm genommen wurde (Schnittberichte). Ich will ja nicht unken, aber vielleicht hätte dies dem FFF mal ganz gut getan. Jedes Festival braucht seine Skandale.

Was könnte sich trotzdem lohnen?

Es laufen wieder die üblichen Genrefilme, bei denen immer die Gefahr besteht, dass sie der hundertste, fade Aufguss von altbekannten Slashern, Torture Porns und Thrillern sind. Hier ist es wohl sinnvoll auf den DVD-Start zu warten. Eventuell bekommt man die Filme dann zwar nur geschnitten oder überhaupt nicht zu Gesicht, aber vielleicht sollte man es auch als ein Qualitätsmerkmal betrachten, wenn bestimmte Horrorfilme keinen Verleih finden. Grundsätzlich interessanter sind wohl eher die experimentelleren, ungewöhnlichen Filme wie z. B. ENTER THE VOID (nur in Berlin und Hamburg) von Caspar Noé, der allerdings nächste Woche auch regulär im Kino startet.

Bildgewaltig: ENTER THE VOID (Berlin & Hamburg)

In diesem 155-Minüter verfilmte Noé (IRRÉVERSIBLE) einen Todestrip aus der Perspektive des Protagonisten. In einem Interview sagte der Regisseur, dass es ihm thematisch um Tod und Wiedergeburt ging: »Obwohl ich mich nie zu einem religiösen Glauben hingezogen fühlte, entwickelte ich ein Interesse an Büchern über Wiedergeburt. Und ich fing an, mir verrückte Gedanken darüber zu machen, was mit mir passieren wird, wenn ich sterbe.« Noé trug die Idee jahrelang mit sich herum. Schließlich realisierte er sie, wobei er den Todes-Trip mit viel technischer Spielerei drehte: »In Büchern findet man Geschichten von Menschen, die im Moment ihres Todes, durch den Ausstoß von DMT im Gehirn, extreme Halluzinationen hatten. Dieses Molekül ist eine Substanz, die als Quelle unserer Träume gilt.« Visuell und ästhetisch soll ENTER THE VOID, Daft-Punk-Mastermind Thomas Bangalter schuf den Soundtrack dazu, einmalig sein. Fragt sich nur, ob der Film sich nicht allzu sehr darin erschöpft.

THE KILLER INSIDE ME ist sehenswert, lief allerdings schon auf der Berlinale. Der Regisseur Winterbottom bleibt darin der literarischen Vorlage aus den 50ern von Jim Thompson treu; deutscher Titel »Der Mörder in mir«. Casey Affleck spielt darin genauso einen verschlagenen Kerl wie in DIE ERMORDUNG DES JESSE JAMES DURCH DEN FEIGLING ROBERT FORD – ein früher American Psycho, irgendwo zwischen kaltem Killerinstikt und determinierter Psychopathie.

Spannend klingt auch die französisch-belgische Coproduktion AMER, die, laut Programmheft, eine Giallo-Ästhetik entfalte. AMER begleitet die gleichnamige Protagonistin über »drei Phasen ihres Lebens«, Kindheit, Jugend und Erwachsensein. Ein »verstörender Albtraum der Erweckung«, so die Beschreibung. Ebenfalls ungewöhnlich liest sich die Zusammenfassung von SYMBOL: ein »Film zum Rätseln«, »der sämtliche Regeln des Filmemachens auf den Kopf« stellt. Allerdings hört sich die Mischung schon wieder komisch beliebig und typisch japanisch durchgeknallt an, die eher an die Show »Takeshis Castle« erinnert als an ein herausragendes Filmerlebnis.

Gewalttätig: Gummireifen Robert aus RUBBER

Ein Geheimtipp könnte das französische Roadmovie RUBBER sein, das schon in Cannes und bei anderen Fantasy-Filmfestivals gelaufen ist. Der Protagonist ist ein Autoreifen, der über den Highway rollt und Dinge explodieren lassen kann. RUBBER soll eine »Parabel«, ein Frontalangriff auf die »Ödnis des Massengeschmacks« sein.

Gesamtblick
Es laufen diesmal extrem viele britische Produktionen (12), ein Anime (»REDLINE«), eine europäische Animation (»METROPIA«) und ein paar Exoten: CLASH aus Vietnam, EVIL – IN THE TIME OF HEROES aus Griechenland, REYKJAVIK WHALE WATCHING MASSACRE aus Island und THE SILENT HOUSE aus Uruguay. Die üblichen Horrorfilme (CAGED, CORRIDOR, DETOUR, THE HUMAN CENTIPEDE, THE LAST EXORCISM, THE LOVED ONES, THE REEF, TWO EYES STARING) sind zahlenmäßig überschaubar. Ein paar bekannte Namen wie der schon erwähnte Gaspar Noé sind zwar mit Hideo Nakata (RING), vertreten mit CHATROOM, Gregg Araki (NOWHERE) mit KABOOM und Takeshi Kitano mit OUTRAGE dabei, aber irgendwie scheinen die großen Knaller wie im letzten Jahr MOON oder THIRST zu fehlen. Vielleicht ist ja wieder eine Überraschung dabei wie im letzten Jahr DISTRICT 9.

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Den Auftakt bilden München und Stuttgart (13.3./14.3.), gefolgt von Berlin und Hamburg (20.3./21.3.), Nürnberg (26.3./28.3.), Köln (26.3./27.3.) und Frankfurt (27.3./28.3.).

Die zehn Häppchen bilden einen Querschnitt des modernen Genrefilms vom Anime, in dem sich ein Hacker der Identität eines fremden Internet-Avatars bemächtigt und damit die Weltherrschaft an sich reißt, über SciFi-Horror, in dem Vampire die Welt regieren und Menschen als Nahrungsqelle halten bis hin zu biogenetischen Tier-Mensch-Hyprid-Experimenten, Zombies in Vorortplattenbauten und J-Horror in 3D. Die Filme kommen aus Japan, Frankreich, Spanien, Großbritannien und den USA. Ein Blick auf die nationalen Filmschmieden des Genrefilms.

Horror-Realismus, made in Spain . . .

Zunächst sei da der spanische [REC]2 genannt, der in Deutschland nun endlich mal zu sehen ist. Beim FFF 09 war ich enttäuscht, dass das Sequel nicht im Programmheft stand. Im Herbst gab es ein Kuddelmuddel mit dem offiziellen Kinostart (erst angekündigt, dann gestrichen), ein Kuddelmuddel mit dem offiziellen DVD-Start (gleiches Prozedere). Inzwischen hat man schon einiges über den [REC]-Nachfolger gehört, nämlich nichts Gutes. Als ich dann in einem deadline-Interview mit den Regisseuren las, dass sie selbst ein bisschen mit ihrem Sequel haderten und definitiv keine Fortsetzung planten, hatte ich mit [REC] 2 schon abgeschlossen. Jetzt lese man und staune! Laut Fantasy-Filmfest-Mini-Katalog (Pdf) sei nun noch ein Prequel sowie ein weiteres Sequel (Ausbruch der Apokalypse) geplant.

Für Uneingeweihte ein Rückblick auf das Original: Ein spanisches Boulevard-Doku-TV-Team à la Vox (»Schneller als die Polizei erlaubt«) »soapt« eine Feuerwehreinheit bei der täglichen Arbeit. Die quirlig-nervige TV-Moderation Angela und ihr Kamera-Boy müssen nicht lange warten: Die Einheit rückt aus, um eine hilflos schreiende Alte in einem uralten Mietshaus zu beruhigen. Es handelt sich jedoch nicht um eine demenzkranke, irre Señora, sondern um einen Zombie. Bald befinden sich die Akteure in Qarantäne (so auch der Titel des US-Remakes). Das Besondere: [REC] verwendet zwar die seit THE BLAIR WITCH PROJECT häufig zum Standard erkorene Realismus-Ästhetik des Wackel-Camcorders, bindet sie aber an eine Story, die diesen inflationären Stil, den die quotenhungrigen TV-Dokus dankbar aufgegriffen haben, auf einer weiteren Ebene kritisiert: Durch die Penätranz Angelas, jeden Popel digital festhalten zu wollen, fühlt sich der Zuschauer als Voyeurist. Auch sonst zeigt dieser absolut gruselige Genre-Film ein exzellentes Gespür für zeitgenössische Zivilisationskrankheiten: Der tägliche Rassismus krassiert unter den Mietern ebenso wie die hypernervöse Atmosphäre im Post-9/11. Mit den Eingeschlossenen weiß nämlich zunächst auch der Zuschauer nicht genau, worum plötzlich alles abgeriegelt ist und Hubschrauber über dem Wohnhaus kreisen. Es ist schwer, diese gelungene Story noch zu übertreffen. Man darf davon ausgehen, dass [REC]2 nur ein müdes Sequel ist, das tief im Schatten seines erfolgreichen Vorgängers steht.

. . . or in France

Seit längerer Zeit gelten die Franzosen als Geheimtipp in Sachen Horror. Diesen Ruf haben sie einigen interessanten Produktionen zu verdanken, wie Pascal Laugiers MARTYRS, 2008 oder Alexandre Ajas HAUTE TENSION, 2003 oder THE HILLS HAVE EYES, 2006. Sie gehören neben den Spaniern und den Japanern, zu den Filmnationen, die ihren ganz eigenen cinematographischen Style pflegen und hegen. Und die französischen Filme sprechen ihre eigene Sprache. Während man aber bei den Spaniern vielleicht von einer Ästhetik des unterschwellig Bedrohlichen sprechen kann, die während des Franco-Regimes als Methapher für eine verordnete Sprachlosigkeit entwickelt wurde (Carlos Saura wird häufig als Vorbild genannt oder Victor Erices EL ESPIRITU DE LA COLOMENA, DER GEIST DES BIENENSTOCKS, 1973) und während die Japaner die literarische Tradition der unterdrückten weiblichen Rache aus dem Jenseits immer wieder aufbereiten, haben die Franzosen keine Horror-Tradition in diesem Sinne. Sie sind echte Autorenfilmer, die Horrorelemente für ihren ganz eigenen Stil transformieren, wie LEMMING (Dominik Moll, 2005) und VINYAN (Fabrice Du Welz, 2008). Die Story von LA HORDE von Yannick Dahan erinnert allerdings eher ein bisschen an Romeros DAWN OF THE DEAD. In einem heruntergekommenen Vorort-Plattenbau jagen rachsüchtige Cops Verbrecher. Doch dann toben plötzlich massenhaft Zombies durch die Platte und beide Parteien sitzen auf dem Dach fest. By the Way: Der Zombie-Papa ist mit SURVIVAL OF THE DEAD (Kinostart: 8.4.) ebenfalls vertreten. Ich muss zugeben, dass ich sein DIARY OF THE DEAD nicht gesehen habe. Es soll aber belanglos sein. Angeblich wurde Romero bei SURVIVAL OF THE DEAD von William Wylers Western WEITES LAND beeinflusst.

3-D-Horror-X-Treme aus Japan

3-D hat sich nun spätestens mit AVATAR etabliert, obwohl schon seit längerer Zeit, Versuche im Gange waren, diese Technik, gerade im Horror-Bereich, breiteren Zuschauermassen schmackhaft zu machen. Generell ist dagegen natürlich nichts zu sagen: Irgendwas muss sich die Branche ja einfallen lassen, um die HDV-verwöhnten Potatoes von ihrer Couch wegzulocken. Außerdem galten die Multiplexe, die einzigen, die sich diese teure Technik leisten können, lange Zeit als gebeutelte Verlierer. Cameron ist es gelungen, das Ruder noch mal rumzureißen. Der Mastermind dessen 3-D-Werk THE SHOCK LABYRINTH (Kinostart: 22.4.) auf den FFF-Nights hoffentlich zum Davon-Laufen ist (im positiven Sinne): Takashi Shimizu.

Spontan fällt mir dazu sein JU-ON (2002) und das US-Remake THE GRUDGE (gleicher Regisseur, USA 2004) ein. JU-ON ist ein sehr gelungenes Stück J-Horror, welches an das Masterpiece RINGU (1998) heranreicht. (Korrektur, 16.4.: Ich hab mir JU-ON letzte Woche noch mal angesehen und hatte wohl eine falsche Erinnerung. JU-ON ist storytechnisch ziemlicher Schrott, eine Aneinanderreihung von Schock-Effekten, welche sich irgendwann auch erschöpfen. Es gibt eins, zwei nette innovative Effekte, der Rest ist einfallslos.) Da ich den Begriff »J-Horror« verwende, möchte ich damit betonen, dass ich den Begriffsschöpfern beipflichte, dass es sich beim sogenannten »Japan-Horror« um ein vollkommen eigenes Genre handelt, das von anderen Horrorfilmen, insbesondere den Remakes, abzugrenzen ist: J-Horror erreicht mit minimalen ästhetischen Mitteln, z. B. eine einzige Kameraeinstellung, die nicht in die Gesamtchoreographie passt, ein äußerst unangenehmes Gefühl. Das Remake arbeitet weniger mit einzelnen Disharmonien. Es benötigt einen gesamten Szenenaufbau, arbeitet brachialer, weicht letztendlich immer mehr auf Sound-Effekte aus. Das US-Remake von RINGU, THE RING (2002) füllt die Lücken, die das japanische Original hinterlässt, mit Erklärungen und Motiven. Der J-Horror reicht weit zurück auf die literarische, traditionelle Geistergeschichte, die keinerlei logischer Motive, was das Wirken Toter betrifft, bedarf. Die Story von THE SHOCK LABYRINTH ist – nun ja – traditionell: Eine tote Freundin, die während eines heimlichen Besuchs in einem Gruselkabinett (wahrscheinlich die japanische Variante der Geisterbahn) zu Tode kam lässt wieder von sich hören. Schuldig sind natürlich die jugendlichen Protagonisten, die nach dem Zehn-Kleine-äh-Männlein-Prinzip dezimiert werden. Und natürlich ist so ein Grusellabyrinth besonders geeignet, in 3 D dargestellt zu werden. Hoffentlich ist THE SHOCK LABYRINTH wirklich J-Horror und nicht krachiges 3-D-Kino à la AVATAR.

Das Anime SUMMER WARS lief schon auf der Berlinale. Hier mal ein Perlentaucher-Text.

Starbesetzte us-amerikanische Standardcoproduktionen

DAYBREAKERS wird in Deutschland nur auf DVD vermarktet (ab 16.7.) und ist mit lauter Stars besetzt: Willam Dafoe, Ethan Hawke, Isabel Lucas, Sam Neill – mir ein bisschen zu fett. Story in Schlagworten: Zukunft, Vampirherrschaft, Menschen pflanzen sich zu langsam fort, Vampir-Panik, fieberhafte Suche nach Ersatzstoff, Widerstand unter den Menschen.

Sieht nach actionreichem, uninteressantem US-Standardkino aus

Eine Nummer kleiner (Adrien Brody & Sarah Polley), ambitionierter und vermutlich mit B-Movie-Einschlägen ist SPLICE. Dieser läuft später im Kino (3.6.). Die Story stammt aus der Feder des CUBE-Schöpfers Vincenzo Natali, der auch Regie führte. Jungen Eheleuten, erfolgreiche Biogenetik-Forscher, die Tiere miteinander kreuzen, also Hybride fabrizieren, geht das Geld aus. Um die Schließung ihres Labors zu verhindern, brauchen sie etwas Spektakuläres: eine Mensch-Tier-Kreuzung. Diese sieht zunächst wie ein glipschiges Huhn, später wie ein außerirdisches Baby und schließlich wie Sinhead O Connor aus (na ja, vielleicht nicht ganz so hübsch).

Die »Geburt« eines menschlichen Hühnchens.

British Special

Die Briten sind mit zwei Filmen vertreten. RED RIDING: 1974 basiert auf dem ersten Teil einer Bestseller-Trilogie von David Peace. Die Story ist klassisch. In Yorkshire jagt der karrierehungrige Reporter Scoop (Andrew Garfield) einen Serienkiller, der Schulmädchen abmurkst. Bald wird er aber der Gejagde, da es korrupte Bullen gibt, die nicht wollen, dass Scoop herumschnüffelt. Laut Katalog soll der 70th-Style beeindruckend authentisch sein: Klamotten, Autos, Tapete, Haartrachten. Der Film wurde auf 16mm gedreht und dann auf 35mm aufgeblasen, um einen 70er Jahre-Neo-Noir-Thriller-Eindruck zu erwecken.

Der zweite Film HEARTLESS spielt in der klaustrophobischen und anarchischen Atmosphäre des Londoner East Ends der Gegenwart. Eine maskierte Gang kontrolliert das Viertel – in Wirklichkeit sind es aber keine Homies, sondern böse Höllenwesen. Der Protagonist, gespielt von Jim Sturgess, der für HEARTLESS auch drei Songs performt hat, geht einen Teufels-Pakt ein, damit er besser aussieht – er hat nämlich ein scheußliches Muttermal im Geschicht. Dafür muss er allerdings töten.

Filmlängen:

THE SHOCK LABYRINTH, 89 Min.
SPLICE, 107 Min.
SUMMER WARS, 114 Min.
SURVIVAL OF THE DEAD, 90 Min.
THE COLLECTOR, 88 Min.
DAYBREAKERS, 98 Min.
HEARTLESS, 110 Min.
LA HORDE, 90 Min.
[REC] 2, 85 Min.
RED RINDING: 1974, 102 Min.

Explosive Mischung aus konventioneller Literatur-verfilmung und blutrünstig-erotischer Vampirthematik (FFF09)

Der katholische Priester Sang-hyeon reist nach Afrika, wo der tödliche Emmanuell-Virus herrscht. Er stellt sich für Experimente zur Verfügung, die helfen sollen, die gefürchtete Krankheit zu besiegen. Doch er infiziert sich und stirbt klinisch, erwacht aber kurz darauf zu neuem Leben. Von nun an wird er von allen wie ein Auserwählter mit Wunderkräften behandelt, so auch von der Familie Ra. Dort trifft er seine unglückliche Freundin Tae-joo aus Kindertagen wieder, die als Waise von Frau Ra aufgenommen und als eine Art Aschenputtel gehalten wird. Frau Ra hat auch die Zwangsheirat mit ihrem trotteligen, ewig verschnupften und vulgären Sohn Kang-woo, veranlasst.

Der Priester wird zur wöchentlichen Mahjong-Runde eingeladen und bald entwickeln sich zarte Gefühle zwischen ihm und Tae-joo. Gleichzeitig muss Sang-hyen auch erkennen, dass er starken Durst auf Blut verspürt. Er leidet auch unter Sonnenunverträglichkeit, empfindlichen Sinnen und erfreut sich ungeheurer Körperkräfte. Der eingefleischte Priester gerät in einen unlösbaren Konflikt: Er braucht das Blut anderer, darf und will aber nicht töten. Seine Blutlust ist gleichzeitig gepaart mit körperlicher Lust und es dauert nicht lange, da fallen Tae-joo und er wild übereinander her. Tae-joo fühlt sich zum ersten Mal in ihrem Leben glücklich und will Kang-woo loswerden. Als Sang-hyeon Wunden an ihrem Bein entdeckt, geht er davon aus, dass ihr Ehemann sie schlägt. Tae-joo überredet den Priester-Vampir, ihren Ehemann zu töten. Doch danach ist es nichts mehr so zwischen den beiden wie zuvor – sie können mit dem Mord nicht leben.

Die Geschichte um die unglückliche Waise, die zwangsverheiratet wurde und mit dem besten Freund ihres Mannes eine heimliche, leidenschaftliche Beziehung führt, was schließlich in einem gemeinsam geplanten Mord endet, adaptierte Park aus Zolas Roman »Thérèse Raquin« (1867). Ebenso die gegenseitigen Schuldzuweisungen und den gemeinsamen Selbstmord des Paares. Entsprechend konventionell ist auch die Liebes-Story und die Ausstattung: Das Wohndesign könnte auch aus einer Thomas-Mann-Verfilmung der 70er stammen. Die Anreicherung dieser Liebesgeschichte mit der Vampir- und Priesterthematik stammt aus Parks Feder, der auch das Drehbuch zu seinem Film schrieb. Visuell ergibt sich daraus einer interessante Mischung zwischen traditioneller Literaturverfilmung aus dem 19. Jahrhundert und blutigen Splatter- und ausgiebigen Sexszenen. Trotz des dramatischen Themas ist der Film stellenweise sehr schwarzhumorig. Mit der Vampir-Pristerthematik verändert der koreanische Regisseur Zolas Intention deutlich.

Vampir-Priester Sang-hyen: Kang-ho Song

Émile Zola, ein Vorläufer und Vorbild der Naturalisten, ging es hauptsächlich darum, das Wesen der »menschlichen Bestie« darzustellen. Dazu eigneten sich die Naturalisten verschiedenste Theorien an, wie den Positivismus. Diese suchten nach einer naturwissenschaftlichen Methode, um die menschlichen Handlungen zu erklären. Die Naturalisten interpretierten das streng als Input gleich Output. Das Fatale an dieser Theorie ist, dass sie davon ausgingen, dass die menschlichen Handlungen determiniert, also vollkommen unfrei sind.

Wenn Thérèse ihren Ehemann in Zola Roman also hasst, dann deshalb weil ihr Charakter neurotisch und unbefriedigt ist und dem ihres Ehemannes ruhig und passiv, entgegensteht. Ohne, dass sie eine Wahl hat. Sie wird also unfreiwillig zum Mord getrieben.

Bei Parks THIRST ist das wesentlich anders. Als Determinismus führt er die Vampirthematik ein, die zu unfreiwilligen Handlungen führt. Doch bei ihm haben auch Getriebene eine Wahl in der Art ihrer Mittel. So entwickeln sich in Sang-hyen und Tae-joo, zwei gegensätzliche Prinzipien des Vampir-Daseins: Nachdem der Priester erkennen muss, dass ihr Ehemann sie niemals geschlagen hat, ist die glückliche Beziehung zwischen den Beiden gestört. In einer dramatischen Geste in der Tae-joo dem Priester die alleinige Schuld für den Mord gibt, fordert sie ihre Tötung. Sang-hyen schlitzt sie auf, kann jedoch nicht mit ansehen, wie seine Geliebte stirbt. Er spendet ihr Blut und sie wird auch Vampirin. Während der Priester sich auch nach seiner Vampirwerdung moralisch-ethischen Grundsätzen verpflichtet sieht, lebt Tae-joo ihre Blut- und Mordlust bald mit aller Inbrunst aus. Er hingegen entwickelt einfallsreiche Ideen, auch noch als Vampir menschlich zu handeln. So richtet er sich seine »private Blutbank« ein, und zapft nur das Blut von Koma-Patienten, Selbstmördern und Krebskranken an.

Zum offenen Bruch zwischen den Beiden kommt es, als sie bei der Mahjong-Runde als Mörder entlarvt werden. Tolle Szene: Die inzwischen querschnittsgelähmte Mutter und einzige Mitwisserin versucht den Anwesenden das durch Blinzeln mitzuteilen. Die gesamte Mahjong-Runde rät wild wie bei einem Buchstabenquiz herum, während Tae-joo vergeblich versucht die Raterei zu verhindern. Als die Spieler endlich die richtige Lösung erraten haben, bleibt ihnen der Mund offen stehen. Leider haben sie aber nicht den Jackpot geknackt, sondern ihr Todesurteil gefällt. Tae-joo saugt alle mit Vergnügen aus – Sang-hyen ist entsetzt. Tae-joo kontert, sie sei ja schließlich kein Mensch und fühle sich keinen Grundsätzen mehr verpflichtet. Da er den Einfluss auf seine Geliebte nun endgültig verloren hat, bleibt ihm nur noch ein Ausweg.

Der Konflikt des Vampirwesens/Halbvampirs, töten zu müssen, ohne es zu wollen, ist nicht neu. Park greift es auf und thematisiert den inneren Konflikt zwischen Gut und Böse erneut. Kann ein blutsüchtiges Wesen, dass eigentlich kein Mensch mehr ist, trotzdem nach humanen Grundsätzen handeln? Neu ist, dass der Vampirpriester es tatsächlich schafft, diesen Wiederspruch zu lösen. Er bleibt human und ist doch gleichzeitig ein Vampir. Park entwickelt damit eine neue Variante des Genres.

Wer verbirgt sich wohl hinter der Kartoffelsack-Maske? (FFF 09)

Doughertys Spielfilmdebüt ist eine symphatische, unterhaltsame Horrorkomödie mit vielen überraschenden Wendungen. Es besinnt sich auf ein Urgestein des Horrorgenres, die Kurzgeschichte, und zitiert ausgiebig aus der reichhalten Geschichte des Filmhorrors. TRICK ´R TREAT gelingt eine düster-märchenhafte Atmosphäre à la »The Company of Wolves«. Genau, das Richtige für einen kalten, verregneten Herbstabend im heimatlichen Wohnzimmer.

Es ist Halloween und fast die gesamte Stadt ist kostümiert auf den Beinen, um ausgiebig Süßigkeiten zusammeln, Partys zu feiern und Sex zu haben: Jungfrauen, sexgeile Teenager, die typische Kinderclique mit dem Mauerblümchen bis hin zur mutigen Anführerin. Alle sind sie unterwegs. Bis auf Mr. Kreeg, dem ewig vor sich hinknurrenden Halloween-Hasser mit seinem alten Köter und einem blutrünstigen Schuldirektor (Dylan Parker – »Happiness«).

Dougherty verbindet fünf Storylines, die auch noch eine Substory enthalten, die er lose ineinander verwebt. Damit verbindet ein Urgestein des literarischen Horrorgenres, die Kurzgeschichte, mit unzähligen Verweisungen auf das Filmgenre. Enthalten sind Anspielungen auf Klassiker wie »The Beast with Five Fingers« (1946), über natürlich Carpenters »Halloween« (1978), »The Company of Wolves« (1984) bis hin zu moderneren Filmen wie »It« (1990) und »El orfanato« (2007) – um nur einige zu nennen.

Doughertys TRICK ´R TREAT ist vor allem eine vergnügliche Komödie, in der ein Lutscher schon mal zum Mordwerkzeug werden kann und in der auch nicht ausgespart wird, dass das Halloweenfest in den USA schon völlig übertriebene Auswüchse angenommen, in der sich die Industrie eine goldene Nase verdient. Aber Dougherty kritisiert das nicht, sondern mischt ordentlich mit, in dem er einen vollkommenen Overkill des gesamten Ensembles anbietet: Außerirdische, Werwölfe, Vampire, Zombies, böse Kinder, Psychopathen und abgetrennte mordende Körperteile. Gelungener Humor!

Hat sich im Haus verschanzt: Johannes aus dem bitterbösen DELIVER US FROM EVIL (FFF 09)

Der Beginn, wenn die Protagonisten vorgestellt werden, erinnert ein bisschen an Leones »The Good, the Bad and the Ugly«: das glückliche und beruflich erfolgreiche Paar Johannes und Pernille mit ihren beiden aufgeweckten Kindern; der cholerisch-poltrige Looser Lars, der sich immer und von allem – am meisten vom Leben selbst – betrogen fühlt, der arme, etwas merkwürdige Außenseiter Alain vom Balkan und die herzensgute Christin Anna. Und dann fährt Lars Anna auch noch über den Haufen. Die Karten scheinen hier schon von vorneherein verteilt – wer der Böse ist und wer der Gute.

Als Lars einen Schuldigen präsentiert, nämlich den »Neger-Alain«, entwickelt sich die nette Dorfgemeinschaft in Bornedals extrem düsteren, farbgebleichtem Film, schnell zu einem Lynch-Mob. Der gute Johannes – die Analogie zu seinem Namenspatron aus der Passionsgeschichte ist sicherlich nicht zufällig – gewährt Alain Schutz in seinem Haus, doch die rasende Dorfgemeinschaft steht schon vor der Tür. Als Pernille, mit den weinenden Kindern im Arm, Johannes bittet, Alain rauszuschicken, geht eine merkwürdige Wandlung in ihm vor.

DELIVER US FROM EVIL ist vielschichtig. Der Begriff des biblischen Bösen – nicht nur der Titel verweist darauf – sondern das Vater-Unser »[…] Führe uns nicht in Versuchung, sondern erlöse uns von dem Bösen […]« wird im Film auch komplett zitiert. Die anfänglichen, scheinbar eindeutigen Zuweisungen von Gut-Menschen und Bösewichtern werden am Ende infrage gestellt, als Johannes und ja auch Pernille, die sich aus allem raushalten wollte, zu rabiaten Mitteln (Splatterelemente) greifen, um sich von ihren Peinigern zu befreien.

Pernille wird zu Beginn von den Kindern gefragt wird, warum es böse Menschen gibt und sie antwortet, es gäbe keine bösen Menschen, sie zeigen nur, dass sie geliebt werden wollen. Diese Verflachung wird ad absurdum geführt. Dass das biblische Gute in einem Kollektiv, das selbst schon rasender Pöbel ist, kaum zu händeln ist, wird schon zwischen Johannes und den Dorfprolls deutlich. Als sie ihn als »Mörderfreund« beschimpfen, ranzt Johannes »biersaufende Sozialschmarotzer« zurück und gießt damit ordentlich Öl ins Feuer. Neiden ihm die Sozialhilfeempfänger seinen Erfolg, sein Haus, seine Familie schon lange und warten nur auf eine Gelegenheit, zuzuschlagen.

Insofern zeigt Ole Bornedal wie extrem schwierig die Forderung »Deliver us from Evil – Erlöse uns vom Bösen«, also halte uns von bösen Handlungen ab, einzuhalten ist. Dazu braucht es nicht mal einen aufrührerischen, mordenden Mob. Es genügt schon, dass wir in einer üblen Welt, in der nicht Friede, Freude, Eierkuchen herrscht, leben.

Hinzufügung: Referenzen zu Peckinpahs »Straw Dogs« sind offensichtlich. Kannte ich beim Schreiben des Artikels noch nicht.

Stilistisch nahe an Tarkowski und Kubrick, aber mit einer Botschaft der 80er-Science-Fiction. Protagonist Sam aus dem wegweisenden Indepententfilm MOON. (FFF 09)

Ingenieur Sam (Sam Rockwell) arbeitet für die Lunar Energy Industries, die, nun nachdem die Energiequellen auf der Erde versiegt sind, ihren Rohstoff aus dem Helium 3 des Mondes gewinnt. Die Besonderheit: Dazu brauchen sie nur einen einzigen Menschen, der die Energie für die gesamte Erde erwirtschaftet. Der Preis für diesen »heroischen« Job ist Isolation. Sam hat nur noch Gerty, einen Roboter, der einem riesengroßen einarmigen Banditen ähnelt, der »Emotionen« durch ein Smily-Gesicht ausdrückt. Doch Gerty ist keine Maschine, die einen Partner ersetzen könnte – seine Aufgabe beschränkt sich auf die Überwachung des Gesundheitszustandes von Sam. Die einzigen menschlichen Kontakte sind Videobotschaften seiner Frau und seiner Arbeitgeber.

Die Situation zu Beginn ist äußerst prekär, denn der leichenblasse, körperlich völlig ungepflegte und apathische Ingenieur leidet extrem an dieser Isolation. Er steht kurz vor dem Wahnsinn, führt Selbstgespräche und nur sein Bastelei von Modellbauten retten ihn vorm Durchdrehen. Doch da sein Vertrag auf drei Jahre befristet ist und dieser in zwei Wochen ausläuft, beginnt er sich wieder zu »vermenschlichen«. In jeder Einstellung wird seine Frisur kürzer, nachts träumt er von den sanften Berrührungen seiner Frau. Doch merkwürdig: Die Videobotschaften von ihr stehen in seltsamen Kontrast zu Sams menschlicher Verwandlung – ein leiser Unterton von Verzweiflung ist zu spüren, der von Nachricht zu Nachricht stärker wird. Und in Sams nächtliche wohltuende Träume schleichen sich Horrorvisionen. Plötzlich beginnt er Menschen an Bord zu sehen…

Das Debüt von Ducan Jones ist stilistisch zwar eher an die Weltraumdramen eines Stanley Kubricks oder eines André Tarkowskis angelehnt (ohne in langen Einstellungen zu schwelgen), jedoch den Blick auf die philosophische Faszination des Alls, der das Mysterium Leben von Außerhalb neu beleuchten soll, also die Science Fiction der 60er/ frühen 70er, vollzieht Jones nicht mit. Hier ist er ganz der 80iger, der sich für die realistischen Anfangsszenen eines James Cameron (»Alien – Die Rückkehr«) begeistert. In den Szenen, in denen die Crew im Essen rumstochert und daran rummäckelt, wird der Weltraum ganz und gar irdisch. Als erster fing Kubrick mit seinem wegweisendem »2001« damit an: lange Abendessen-Szenen, in denen die beiden Astronauten wie in allen bürgerlichen Wohnzimmern gleichzeitig essen und fernsehen (um dann aber später doch wieder fürs All zu faszinieren), fortgesetzt von Cameron, der seine Soldaten in »Alien- die Rückkehr« am Tisch ziemlich rumprollen lies. Auch im Haferschlein, der außerhalb der Matrix, von den Wachowski-Brüdern serviert wurde (»viel nahrhaftes Eiweis«) steckte eine Bodenständigkeit, die eher an den Pausenraum eines altertümlichen Produktionsbetriebes erinnerte, als an einen Fantasyfilm aus dem Jahre 1999.

MOON ist ganz und gar bodenständig – der Weltraum und das Leben ist kein Mysterium mehr wie in den 60igern. Alles ist Alltag – wie in den 80ern, doch ohne Action. Das Geheimnis, das Sam schließlich herausfindet, ist dramatisch, extrem unbefriedigend und geht ganz in dem Exploitation-Anspielungen, das alle 80er-Science-Fiction-Filme irgendwo enthalten, auf. Duncan Jones´Debüt ist dahingehend einerseits eine gelungene Homage, andererseits aber auch wegwesend. Kein anderer Science-Fiction-Film hat sich, wie ich finde, die innovativsten Thematiken und Stilistiken dieses Genres zusammengesucht und vereint. Dieser kleine Independentfilm hat das geschafft und sollte in den Kreativ-Etagen der Filmbranche zumindest Beachtung finden, um das Genre neu zu beleben. Konkret meine ich damit den Stil der 60/70-iger-Filme und die Thematiken unserer Zeit. Ein Verzicht auf die ausufernden Action-Elemente, denen sich MOON auch konsequent verweigert, wäre schon mal ein Anfang…

Die Rechte für MOON wurden soeben von Koch-Media erworben. Noch steht nicht fest, ob es zu einem Kinostart oder nur zu einer DVD-Premiere kommt.

Es wäre wünschenswert, dass dieser Film den FRESH BLOOD AWARD erhält. Mal gucken. (Komischerweise haben sie in der zweiten Berliner Vorstellung keine Abstimmungskarten mehr verteilt. Schade!)

Hamburg, So, 23.8., 19.15h CinemaXX 1, Köln, Sa, 29.8., 21.15h, Cinedom 9, Frankfurt, Mo, 31.8., 19.30h, Metropolis 6, Nürnberg, Fr, 28.8., 19h, Cinecitta´2, Stuttgart, Fr, 4.9., 21.15h, Metropol 1, München, Sa, 5.9., 21.15h, Cinema

Zwölf Newcomer konkurrieren um den Fresh Blood Award.

Ein heißer Kandidat des vom Publikum vergebenen Preises ist Duncan Jones’ Science-Fiction-Thriller MOON: Nach dreijähriger Isolation auf einer Mondbasis darf Ingenieur Sam (Sam Rockwell) endlich wieder auf die Erde. Da die Funkverbindung zur Erde abbrach, ist Stationsroboter Gerty (Kevin Spaceys Stimme) Sams einziger Kontakt. Doch dann treten unerwartete Ereignisse ein, die Sams Rückkehr verhindern…

Statt VFX, kleine Miniaturmodelle vom Mond: MOON, FFF09

Jones Inspirationsquelle waren die Science-Fiction-Filme der späten 70er/frühen 80er, in denen Blue-Collar-Worker (Ripley aus »Alien«, Freeman Lowell aus »Silent Running«), als Helden gegen entmenschlichte Global Players antraten. Den Soundtrack schrieb Clint Mansell, der Composer von »Requiem for a Dream«. Fünf Millionen Dollar hat die Produktion gekostet. Klingt nach einer sympathischen Independent-Hommage, die zudem offenbar auch überzeugend ist: Preise auf zwei kleineren Festivals hat MOON bereits gewonnen.

In einer weiteren viel versprechenden Sci-Fi (SPECIAL SCREENING), produziert von Peter Jackson, leben außerirdische Flüchtlinge im Auffanglager DISTRICT 9 in Johannesburg. Sie verfügen über Waffentechnologien, die nur mit ihren Genen nutzbar sind. Somit sind sie für die Menschen ohne Wert und bald macht sich bald chauvinistischer Missmut unter den Erdlingen breit.

Die Heimat außerirdischer Immigranten: Der DISTRICT 9 (FFF 09)

Dieser eskaliert als ein Mitarbeiter einer Private Company, die vorgeblich für die »Abschottung und Integration« (!) zuständig ist, in Wirklichkeit aber nach außerirdischen Waffen sucht, sich mit Alien-DNS infiziert. Er wird zum Most-Wanted of the world, da er nun die Biowaffe nutzen kann. DISTRICT 9 vereint Sozialkritik, Action und Science-Fiction und startet am 10.9. (Sony Pictures) regulär in den Kinos.

DREAD bassiert auf Clive Barkers Kurzgeschichte »Moloch Angst« aus der Kurzgeschichten-Anthologie »Bücher des Blutes« (u. a. auch »Midnight Meat Train«, »Candyman«): Quaid, Steve und Cheryl interessieren sich für einen Abschlussfilm für die tiefsten Ängste anderer. Doch während es für Steve und Cheryl nur ein Uni-Projekt ist, wird die Reise zur dunklen Seite der menschlichen Seele für Quaid zur Besessenheit.

TRICK ´R TREAT kann es nicht lassen und nimmt sich eines klassischen Horror-Themas an: Es ist mal wieder Halloween. Vermutlich soll das Debüt von Michael Dougherty (Drehbuchautor von »X-Men 2«; »Superman Returns«) auf seine Starttauglichkeit im Herbst (Warner) getestet werden. Bleibt zu hoffen, dass es neben den üblichen, ganz netten Scary-Effekten genügend Ironie und Einfallsreichtum mitbringt, um nicht den hundertsten Aufguss eines etwas ausgenudelten Themas aufzutischen. Der Trailer sieht zumindest teilweise ganz viel versprechend aus.

1822 flüchteten acht Flüchtlinge von der britischen Gefängnisinsel Sarah Island. Ausgerüstet mit nur einer Axt schlugen sie sich durch die tasmanischen Wälder Australiens. Am Ende überlebte nur einer: Alexander Pearce, der fünf seiner Kameraden verspeist hatte. Kurze Zeit darauf wird er gefasst und hingerichtet.

Strafgefangener Bodenham in VAN DIEMEN`S Land (FFF 09)

Mit VAN DIEMEN´S LAND (so hieß Tasmanien ursprünglich) wurde die Alexander-Pearce-Story in kürzester Zeit erneut verfilmt (siehe »The Last Confession of Alexander Pearce«). Regisseur Jonathan auf der Heide schuf einen ruhigen Landschaftsfilm mit ausgeblichenen Farben und poetischen Off-Kommentaren, »Let God have his Heaven. I am blood«, die das aussichtslose Schicksal der Todgeweihten widerspiegeln.

FOCUS ASIA

Der aktuelle Chan-wook widmet sich dem alten Vampirstoff und variiert ihn neu: Ein Priester (Kang-ho Song – »The Host«) will der Menschheit etwas Gutes antun und nimmt an einem freiwilligen Impftest in Afrika teil. Dort infiziert er sich mit dem Emmanuell-Virus und stirbt. Nach einer Bluttransfusion erwacht nicht nur er wieder zum Leben, sondern auch eine noch nie empfundene Fleisches- und Blutlust, die ihn in ein moralisches Dilemma stürzt. THIRST gewann in Cannes den Großen Preis der Jury. Chan-wook soll bei der Vorstellung am 23.8. in Berlin anwesend sein.

Mamoru Oshii (»Ghost in the Shell«) animierte mit SKY CRAWLERS einen Bestseller von Hiroshi Mori: Nachdem endlich Weltfrieden herrscht, werden Kriegsspiele zur Zerstreuung der Bevölkerung erfunden. Der Luftraum wird von einer genmanipulierten Kaste verteidigt, von Kildren, Teenagern, die nie altern. Sie sterben dabei zu Tausenden.

Inszenierte Luftkämpfe als Massenunterhaltung: SKY CRAWLERS (FFF 09)

Auch Kildren-Pilot Yuichi, der auf einem Stützpunkt in Rostock arbeitet, muss begreifen, dass er nur dazu dient, um von den Konzernen verheizt zu werden. Der ständig wiederkehrende Alltag, Warten auf Einsatzbefehle, gefährliche Kämpfe und abendliche Barbesuche, befriedigen ihn nicht länger. Die Story klingt zwar viel versprechend, die Kritiken im Netz aber bescheinigen Mamoru Oshiis Plot eine gewisse Oberflächlichkeit und Verwirrtheit.

Der südkoreanische HANSEL AND GRETEL adaptiert das Motiv der verlassenen und misshandelten Kinder, hat aber ansonsten nicht viel mit dem Märchen-Klassiker zu tun.

Surreal und bizarr: HANSEL AND GRETEL (FFF 2009)

Nach einem Autounfall erwacht Eun-Soo aus der Bewußtlosigkeit und wird von einem kleinen Mädchen tief hinein in den Wald zu einem Haus geführt, dessen Inneres von Andy Warhol designt sein könnte: grellbunte Spielzeuge und Süßigkeiten und viele Hasen an den Wänden. Die Ausstattung stammt von Produktionsdesigner Seong-hee (»The Host«, »Old Boy«). Drinnen erwartet Eun-Soo eine Bilderbuchfamilie. Doch als die Eltern die Kinder urplötzlich verlassen, kippt die Situation schlagartig ins Gruselige.

SELECTED FEATURES

Die schlechte Nachricht zuerst. Nein, es wird kein [REC] 2 geben. Vermutlich hat das Fantasy Filmfest gegen Venedig und Toronto verloren, die ihn im Programm haben. Regulärer Kinostart ist der 29.10.

Organisatorin Frederike Dellert hob auf Radio Eins hervor, dass 2009 ein Komödienjahr sei. Das trifft wohl vor allem auf die britisch-irische Auswahl zu.

Die Low-Budget-Splatterkomödie DOGHOUSE von Jake West (»Evil Aliens«, FFF 05) wird im Programmheft in einem Atemzug mit »Shaun of the Dead« genannt: Ein paar prollige Dosenbier-Machos fahren übers Wochenende aufs Land, wo sie von weiblichen Zombies angegriffen werden.

Blutrünstige Vampirchefin Carmilla: LESBIAN VAMPIRE KILLERS (FFF 09)

The battle of the sexes findet auch in LESBIAN VAMPIRE KILLERS statt: »The crucial difference is, while LVK celebrated its protagonists’ leery lad-mag misogyny, DOGHOUSE points up the Neanderthal blokes’ deep Freudian fear of being castrated by women«, schreibt die Time Out London.
In der kleinen, schwarzhumorigen, Slapstick-Komödie A FILM WITH ME IN IT tauchen plötzlich Leichen in einer heruntergekommenen Mietswohnung auf. Sie versetzen dem dahinplätschernden Leben der beiden Generation-X-lern, ein arbeitsloser Schauspieler und ein Möchtergern-Schriftsteller, einen ordentlichen Schwung. Der irische Film gewann den Spezialpreis der Jury in Istanbul.

Die Kanadier präsentieren sich in diesem Jahr eher düster und nihilistisch. Besonders auffallend: Sie scheinen große Angst vor ihren Kindern zu haben. Der komplett in schwarz-weiß gedrehte POLYTECHNIQUE basiert auf dem Amoklauf in der École Polytechnique de Montréal.

Der Amokläufer: POLYTECHNIQUE (FFF 09)

1989 tötete Marc Lépine 14 Frauen, bevor er sich selbst erschoss. Sein Motiv: Die Ablehnung seiner Bewerbung an der Technischen Hochschule, deren Ursache er im Gleichstellungsstellungsgesetz, das Frauen in Männerberufen bevorzugt, begründet sah. POLYTECHNIQUE soll stilistische Ähnlichkeiten mit Gus van Sants »Elephant« haben.

Wer ist hier wirklich das Opfer? CASE 39 (FFF 09)

Der us-kanadische ORPHAN gehört in die Reihe von Böse-Kinder-Filmen, die die Ängste von Eltern/Sozialarbeitern thematisieren: Die neunjährige Waise Esther wird liebevoll von der Pflegefamilie Coleman aufgenommen – ist aber strunzböse. Genauso wie Lilith in CASE 39 (Kinostart: 15.10. Paramount) – ebenfalls us-kanadisch – und die Kinder in CHILDREN (britisch). In dem kanadischen CRACE ist sogar schon ein Säugling sehr, sehr böse und monströs.

Der 69jährige Argento konnte für seinen GIALLO Adrien Brody gewinnen. Sein Film ist auch gleichzeitig eine Hommage an das gleichnamige italiensche Subgenre, in denen psychosexuelle, fetischistische Serienmörder Frauen abmurksen. Ebenfalls eine Hommage, an die Blaxploitation-Filme der 70er, (»Shaft«) ist BLACK DYNAMITE.

»Where does he buy his drugs?«, fragt sich Terry Gilliam: Bill Plymptons IDIOTS AND ANGLES (FFF 09)

Der Zeichentrickfilm IDIOTS AND ANGLES funktioniert komplett ohne Dialoge. Der Protagonist des Bill-Plympton-Films (»Hair High«) ist ein ziemliches Arschloch mit Flügeln. Im Zusammenspiel mit dem Sound von Tom Waits und Pink Martini (»Die Sopranos«) ist der skizzenhafte anarchische Animationsfilm im Noir-Stil sicher ein inspirativer, durchgeknallter Trip.

Links:
Offizielle Homepage und komplettes Filmprogramm mit sämtlichen Credits
Ausführliches Interview mit Festivalleiter Rainer Stefan über Finanzierung und Filmakquise
Online-Kartenkauf CinemaxX Potsdamer Platz (Berlin)
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»MARTYRS ist ein metaphysisches Experiment in purem Schmerz.« (Programmheft) Foto: FFF

Mit dem Horrorfilm, einem Genre, das von der Filmkritik dem so genannten body-genre zugerechnet wird, ist es so eine Sache. Es beruht auf ewig gleichen oder zumindest ähnlichen Effekten. Anders als der Porno, der ebenfalls zu diesem Genre zählt, das körperliche Reaktionen hervorruft, hat der Horrorfilm damit zu kämpfen, dass er nicht immer die gleiche Leier bringen darf. Er riskiert von den Fans ausgebuht zu werden, die zwar immer wieder nach Neuem lächzen, sich aber trotzdem gruseln wollen. Das heißt, Horrorfilmfans sind anspruchsvoll und schwer zu befriedigen. Und, die Regisseure müssen äußerst kreativ sein.

Die PR zu MARTYRS, zumindest die im Programmheft des FFF, klingt verheißungsvoll und greift zu Superlativen: »MARTYRS ist ein Test. Pascal Laugiers Extremschocker sprengt Grenzen…« Es ist vom umstrittensten Film in Cannes, sogar vom meist diskutierten Film des Jahres die Rede. Er wurde mit HIGH TENSION und INSIDE verglichen, die beide zur »harten Welle« des französischen Genrekinos zählen, wie auch immer diese definiert sein mag, und es wurde versprochen, dass MARTYRS über diese beiden durchaus gelungenen »Vorgänger« hinausreiche.

Solche extrem hohen Erwartungen zu wecken, ist schon äußerst gewagt. MARTYRS muss also schon genial sein, um diese auch erfüllen zu können. Bahnbrechend in den Effekten, neuartig in der Story, andersartig und einfallsreich.

Im Folgenden wird etwas um den heißen Brei herumgeredet, da keinerlei Auflösungen verraten werden sollen, die nicht auch in der Filmbeschreibung sowie im Trailer schon benannt wurden. Allerdings gibt es im dramaturgischen Sinne schon eine Art von abstrakter Auflösung, die jedoch nicht inhaltlicher Art ist.

Fangen wir mit Punkt Zwei an: die Story. MARTYRS ist so konstruiert, dass niemand weiß, was mit der zehnjährigen Julie passiert ist. Es ist lediglich bekannt, dass sie in einem Keller gequält und festgehalten wurde. Dass sie nicht vergewaltigt wurde, dass es ihr gelungen ist, zu fliehen und, dass sie selbst nicht wirklich weiß, was genau passiert ist.

Im ersten Moment klingt das äußerst spannend, weil sich jeder die schrecklichsten Dinge ausmalt. Sie wurde nicht vergewaltigt. Oh Gott! Was um Himmels Willen ist nur mit ihr passiert? Wie lautet doch der Werbetrailer von 13TH STREET? – Es ist nur in Deinem Kopf. Und das ist immer das Schrecklichste.

Im zweiten Moment greift aber eine für MARTYRS verheerende dramaturgische Regel: Ab da kann die Story nur noch verlieren, denn jetzt muss sie anfangen zu enthüllen. Nach ca. 20 Minuten, in denen MARTYRS noch einmal das aufbereitet, was der Rezipient durch die Filmbeschreibung und den Trailer schon weiß, muss Pascal Laugier die Story weiterlaufen lassen. Er kämpft gegen die Phantasie des Zuschauers. Muss sie, wenn möglich, sogar übertreffen, zumindest erfüllen. Das ist ein Fight, der nicht zu gewinnen ist. Kann sich jemand was Schrecklicheres vorstellen, als das, was im Kopf abläuft? Das ist zumindest sehr gewagt. Besser ist: Harmlos beginnen und sich dann steigern.

Viele gelungene Horrorfilme beginnen mit unbeschwerten Teenies, die in Autos rumkurven, gut drauf sind, entspannen. Die also eine hohe Fallhöhe haben. Laugier beginnt mit dem Furchtbarem. Der Horrorfilm partizipiert von den Regeln der Tragödie. Wie will er jemanden ganz tief fallen lassen, der nicht einmal gut drauf war und der schon ganz am Anfang so weit unten ist?

Laugier ist natürlich nicht doof und weiß das alles auch. Deshalb setzt er alles daran, den Zuschauer so lange wie möglich im Unklaren zu lassen. Hier setzt Punkt Eins an: die Effekte. Die müssen stellvertretend für die Story den Fan bei der Stange halten. Schwieriges Terrain. Julie, nun älter, hat sich also in das Haus begeben, wo sie jahrelang gequält wurde und taucht dort mit einem »todbringendem Jagdgewehr« (Programmheft) auf. Ganz klar müssen hier die üblichen Effekte eines Horrorfilms bedient werden, die sich auch in den letzten zwanzig Jahren nicht großartig verändert haben. Jemand wird von einem anderen verfolgt, der immer wieder überraschend auftaucht. Dazwischen gibt es ein paar blutige Szenen von einem Splattergrad von eins bis zehn.

Nun hat Alexandre Aja mit HIGH TENSION gezeigt, dass auch die schon hundertmal gesehenen Muster mit einer kleinen Storyneuheit, die Spannung bis ins Unerträgliche steigern können. Einen Psychopathen als das Böse einzusetzen (die Auflösung ist ohne Belang) ist schon mal ein Pluspunkt. Denn diese Figur ist von Natur aus unberechenbar und genau das, nämlich das Unberechenbare, macht den Horrorfilm aus. Aja spielt also solange wie möglich mit dem Zuschauer, der das Schlimmste erwartet. Er hält ihn allein durch Effekte in Atem. Der sich ständig wechselnde Rhythmus von Anspannung und Entspannung ist das wirksame Mittel von HIGH TENSION: die ewig gedehnten Szenen, in denen der Psychopath Räume durchsucht, gefolgt von hektischen Verfolgungsszenen. Der Bildschirm ist eigentlich mehr schwarz, als dass er irgendetwas zeigt – Aja lässt reichlich Platz für die Phantasie. Man weiß nie, was der Psychopath als nächstes tun wird. Am besten nämlich nicht viel, denn dann ist die Spannung im Kopf vorbei. Erst die Auflösung, die Aja so weit wie möglich hinauszögert, bringt dann die (erwartete) Enttäuschung. Aber das macht nichts, weil HIGH TENSION 70 minutenlang gut funktioniert hat.

MARTYRS arbeitet mit Methoden, die nicht so recht greifen, weil sie weder vom Splatterfaktor, noch vom Schrecken, Neues zu bieten haben. Es ist alles recht konventionell. Auch der Sound, mit dem INSIDE versuchte, Effekte zu schaffen, spielt bei MARTYRS eine unwesentliche Rolle.

Da MARTYRS im Effektbereich nicht so richtig funktioniert, konzentriert sich der Zuschauer wieder auf die Story. An dieser Stelle kann MARTYRS einen kleinen Punktsieg erzielen. Denn sie entwickelt sich etwas merkwürdig und im Kopf fängt es an zu brodeln, solange man sich nicht nur in die Konsumentenrolle begibt. Man spielt gedanklich also verschiedene Szenarios durch. Mit der Auflösung, etwa nach 2/3 des Films, wird das abrupt abgebrochen. Ab da hat der Film verloren und zwar komplett.

Wenn Horrorfilme anfangen zu erklären, sind es keine Horrorfilme mehr. Ich durchschaue das unerklärliche Böse und bin schon ein Teil davon, weil ich mich – notgedrungen – damit identifizieren muss, allein, um es zu verstehen. Wenn ich mich ängstigen will, möchte ich das Böse aber nicht verstehen. Das muss immer das Andere sein, das unerklärliche und absolute Böse bleiben, das man nie verstehen wird.

Es muss nicht schlimm sein, wenn ein Horrorfilm auch mal einen Genreübergriff wagt – wenn es originell ist und Sinn macht! Aber bei MARTYRS ist die Auflösung weder schrecklich noch besonders neu. Zudem wurden hohe Horrorerwartungen geweckt, durch PR, durch die Story, durch meine Phantasie – und dann die Enttäuschung…

Na ja. Ganz ehrlich? Ist nicht schlimm, weil Horrorfans daran gewöhnt sind. Schließlich steht das Genre unter extremen Druck. Es muss ja auch ganz schön viel leisten.
Ein kleiner Tipp von drei Horrorfreunden: Hätte man die Erklärung/Wendung (ACHTUNG – TÖDLICH FÜR DIESES GENRE!) weggelassen, die Szenen aber weiter so gedreht (gelungen: die Schlussszene, die an ROSEMARIES BABY erinnert), ein bisschen mehr drastischen Splatter eingebaut – (im letzten Drittel) – vielleicht wäre der Film gar nicht mal so uninteressant geworden. Am wichtigesten ist jedoch, nicht immer alles aufklären zu wollen. Aufklärung heißt verstehen und verstehen heißt keine Angst haben.