Fantasy Filmfest Nights

Statistik:

Meine Filme gesamt: 43

In Sektionen: Forum: 23, Generation: 9; Panorama: 6, Wettbewerb: 1, Special: 1, Retro: 1, Shorts: 1, Perspektive: 1

Längster Film: 278 Minuten

Kürzester Film: 8 Minuten

THE BEST:

1. Episch: LAS MALAS INTENCIONES (Kplus, Peru, 2011)

Der Film verknüpft peruanische Landesgeschichte (in den 80ern kämpfte die linksgerichtete Guerilla-Organisation Leuchtender Pfad gegen Regierung und Reiche) mit dem Portrait einer Oberschichtenfamilie aus Sicht der emotional vernachlässigten Cayetana. Als die Mutter schwanger wird, beginnt sie das noch Ungeborene zu hassen – ein komplexer Einblick in die von gesellschaftlichen und familiären Umbrüchen beeinflusste kindliche Psyche.

2. Formal: TOMBOY (Cross: Panorama/14plus, Frankreich, 2011 )

Dieser minimalistische, französische Film problematisiert die soziale Gender-Thematik. Die zehnjährige Laure, herausragend gespielt von Zoé Héran, will einfach nur ein Junge sein und täuscht dies nach einem Umzug in ein Neubaugebiet in der dortigen Kinderclique vor. Sie findet schnell Anerkennung, doch irgendwann muss dieses Gebäude aus kreativen Lügen einstürzen. Es fällt leise, ohne viel Dramatik, aber ohne das Thema zu verraten, in sich zusammen.

3. Experimentell: JESS + MOSS (14plus, USA, 2011)

Dieser Experimentalfilm erzählt retrospektiv und aus der Sicht des 12jährigen Moss, der sich an den Sommer mit seiner Kusine Jess erinnert. Die gewagte Ästhetik, die permanente Verletzung der unsichtbaren Schnittregeln, ist ein beeindruckendes Visualisierungskonzept für Erinnerungsmechanismen.

4. Dokumentarisch: CAVE OF FORGOTTEN DREAMS (SV, USA, 2010)

Durch die starke Betonung seiner subjektiven Sichtweise, schafft es Werner Herzog uns für über 30.000 Jahre alte Wandmalereien und Knochen in der Chauvet-Höhle zu begeistern und unser Blickfeld für existenzielle Fragestellungen zu erweitern. Außerdem erhält man eine Idee davon, was man mit 3-D, über die räumliche Darstellung vom Schlumpfdorf Pandora hinaus, noch alles anstellen kann.

THE WORST

Richtig schlechte Filme habe ich in diesem Jahr eigentlich nur einen einzigen gesehen:

1. LIFE IN A DAY (Panorama, GB, 2011)

Banale YouTube-Alltagsschnipsel, ertränkt im Pathos, streckenweise voyeuristisch. Zusätzlich will uns der Regisseur auch noch die Philosophie verkaufen, dass der Sinn des Lebens in den kleinen Alltagsdingen steckt.

Vier Schlusssätze

1. Enttäuschend war für mich in diesem Jahr das Forum. 2. Viel Gutes habe ich in der Generation gesehen. 3. Die deutschen Filme haben ihren Credit für lange Zeit bei mir verspielt, bis auf ein paar Ausnahme-Regisseure. 4. In der Retrospektive habe ich die Erkenntnis gewonnen, dass ich für Bergman erstmal einen Einsteigerkurs benötige.

Am Freitag, ich fühl mich irgendwie schlapp, dann SHORTS. Der 28minütige SCENES FROM THE SUBURBS von Arcade Fire und Spike Jones ist sozusagen der Film zum Album. Die Idee von der Kindheit in den Vorstädten wird zu einer Mischung aus Videoclip und Kurzfilm mit manchmal vordergründig, manchmal hintergründig eingespielten Songs und improvisierten Spielszenen.

Arcade Fire/Spike Jones: SCENES FROM THE SUBURBS

(Foto: Berlinale 2011)

Ich finde es ganz schön frech, dass der Begriff vom «Suburbian War» visuell einfach 1:1 umgesetzt wurde: Nach dem anfänglichen Rumgehänge in Cliquen werden die Suburbs immer mehr zur Zone, in der man sich irgendwann entweder auf die Loser-Seite schlagen muss, indem man sich in die Arbeitslosenschlange einreiht oder apathisch zu Hause rumhängt. Oder aber man geht zu den Machtausübenden, im Film tatsächlich so eine Art Polizei-Armee, die Terror und Gewalt ausübt. Der Freund des Protagonisten, letzterer hat eine starke Ähnlichkeit mit dem Keyboarder Richard Reed Parry, schlägt sich dann auf die Seite der Armee, was zum Auseinanderbrechen der Freundschaft führt. Das ist einerseits ganz schön simpel. Denkt man aber einen Schritt weiter, so impliziert das visuell einfach umgesetzte Konzept doch Komplexeres: Die Notwendigkeit aus den Suburbs fliehen zu müssen und die Hoffnung, dass die Stadt mehr Transparenz zwischen diesen beiden Dichotomien Loserseite und Gewinnerseite bietet. SCENES OF THE SUBURBS gleicht vielleicht darin ein bisschen dem Album: Auf den ersten Blick naiv, auf den zweiten tiefgründiger. Mal gucken, wie das nächste wird, vielleicht thematisieren sie darin ja die Großstadt. Zu hoffen bleibt, dass sie nach dem Grammy und dem Brit Award nicht zu sehr abspacen.

Vor den Arcaden stößt mich Gooree an. Er verbringt seine Zeit grad in der Stabi, statt in Kinosälen. Während wir uns eine Pizza teilen, fängt er an, von einer Radio-Filmkritik zu erzählen, um auch etwas zum Thema beitragen zu können. Den Titel hat er allerdings vergessen. «Also, ein Bauer geht in die Küche, macht sich eine Kartoffel…» – «Stop! The Turin Hourse» – «Ja, genau! Es sind aber ganz viele rausgegangen. Auch der Reporter. Er meinte, nach so vielen dramatischen Filmen, hält man so einen langsamen Film nicht mehr aus.» – Das kann ich verdammt gut nachvollziehen.

Später beobachte ich eine ganze Weile vor dem Counter, wie ein Mädchen erfolglos versucht, Karten für die 22.45-Uhr-MUSIC BOX mit Armin Mueller-Stahl zu verkaufen. Dann ist es Zeit für den mazedonischen MAJKI (MÜTTER). Zwiespältig!

Am Samstag dann Tageskassen-Freestyle. Wenn die Leute wüssten, wieviel Karten man da noch bekommt, würde sich wahrscheinlich kaum noch jemand am Vorverkauf stundenlang anstellen. Nach dem Lebensmittelverschwendungsfilm TASTE THE WASTE quetsche ich wegen schlechtem Gewissen endlich einen Bergman rein, um bestätigt zu bekommen – nicht mein Fall!

Dann folgt das traditionelle Meckern über die Berlinale im Café vom Delphi. Während Holger sich E-LOVE ansieht (über dessen Reaktion bin ich schon ziemlich gespannt, vor allem interessiert mich der im Programmheft beschriebene Zusammenhang mit der Nouvelle Vague, den ich nicht wirklich erkennen konnte), unterhalte ich mich mit Claudia über die vielen mißlungenen Filme, die wir in den letzten Jahren gesehen haben.

Bevor wir auseinandergehen, raten wir noch, welcher Film den Goldenen Bären bekommen wird: 1. JODAIYE NADER AZ SIMIN (Iran), 2. ODEM (Israel) 3. EL PRIMO über die argentinische Militärdiktatur. Ich tippe vor allem auf den letzteren, weil jetzt mal Argentinien an der Reihe ist – Claudia glaubt, dass es der iranische sein wird. Ich finde, Iran hatten wir in letzter Zeit genug.

19.2. Cubix 8 15.30h
20.2. H.d.K.d.W. 14.00h

Eine halbe Stunde, nachdem im Forum die Weltpremiere des Konzeptfilms TWENTY CIGARETTES durch ist, läuft in der Generation 14plus ein viel radikaleres Filmexperiment als das inzwischen schon hinlängst bekannte und risikolose von James Benning. Regisseur Clay Jeter verzichtet weitestgehend auf eine Storyline, es gibt nur einen Background. Moss erinnert sich in vielen aneinanderreihenden Szenen an die Sommerferien mit seiner Cousine Jess, die auch, wenn es zu Überlagerungen und Wiederholungen kommt, in keinem Zusammenhang stehen. Die Wirkung, die eine 84minütige permanente Verletzung des Unsichtbaren Schnittes hat, ist für mich das eigentlich Faszinierende.

Damit das Montageprinzip für den Zuschauer nicht wahrnehmbar ist und der Einstellungsflow möglichst ohne Brüche die Story des Film in den Vordergrund schiebt, gibt es ein paar Schnittregeln. Clay Jeter will mit JESS + MOSS genau das Gegenteil erreichen: Seine Szenen sind hereinbrechende Erinnerungsblitze, insofern benutzt er das Abgehackte, das mit dem Unsichtbaren Schnitt normalerweise auf ein Minimum beschränkt werden soll, als Grundprinzip seines Films. Orte und Zeiten wechseln willkürlich, genau wie die beiden Protagonisten von Einstellung zu Einstellung im Bild hin- und herspringen. Jede Szene jumpt pulsierend und wuchtig in den Film, der dadurch einen völlig ungewohnten Rhythmus erhält.

Es sind die Erinnerungen des 12jährigen Moss, der versucht, sich mit Hilfe eines Mega-Memory-Tapes an den Sommer im ländlichen West-Kentucky mit der 18jährigen Jess zu erinnern. Sie leben allein in einem heruntergekommenen und kaputtem Messie-Haus, vollgestopft mit Spielzeug, Pflanzengläsern, Klamotten, Kassettenrecordern, Tapes und Fotos. Jess hat gerade ihre Schule beendet und lebt allein mit ihrem Vater, ihre Mutter hat sie verlassen. Moss wohnt bei seinen Großeltern. Es gibt zwei grobkörnige parallele Einstellungen, die diesen Background ohne viel Wort zeigen. Die Gesichter der Erwachsenen verschwimmen – Moss will sich an sie nicht erinnern.

Moss´ Reise zurück, wird auch gleichzeitig zur Erinnerung an die Bewältigung eines Traumas. Seine Eltern kamen bei einem Unfall ums Leben, insofern brechen in die sommerlichen Bilder von kindlicher Unbeschwertheit inmitten staubig-rötlicher Tabakfelder und der Freiheit unter nächtlichem Sternenhimmel immer stärker alptraumhafte Erinnerungsfetzen herein. Jess muss immer wieder beschwören und trösten, aber auch sie hört sich immer wieder die letzten Worte ihrer Mutter auf dem Tape an. Er spielt es nun ab, dazu mischt sich ein nicht einordbares, schlagendes Geräusch, das nicht vom Band stammt. Später kommt die visuelle Erinnerung zurück: Moss beobachtet heimlich Jess, wie sie sich die Kassette anhört und dabei selbst schlägt. Ein Verhalten, das nun in den Bildern in Moss´ Gedächtnis immer häufiger auftaucht.

Der Kameramann Will Basanta verwendete eine Collage von über 25 Jahre altem Filmmaterial (70er-Jahre-Farben), grobkörnigem Filmmaterial, gestochen-scharfen HD-Bildern, überbelichteten, unterbelichteten, scharfen und unscharfen Aufnahmen. Ähnlich wurde mit den Einstellungsperspektiven verfahren, manchmal sieht man nur Füße oder eine Fliege, die über einen Leberfleck krabbelt, dann unvermittelt eine Landschaftstotale. Mit Musik wurde sparsam umgegangen, auch wenn der Trailer einen anderen Eindruck vermittelt.

19.2. CinemaxX 4 22.00h
20.2. Delphi 14.00h

Rauche eine Zigarette und ich sage Dir, wer Du bist! – Als «Experimentalkino» würde ich die Einstellungsfilme von Benning nicht mehr bezeichnen wollen, denn Experiment impliziert, dass man experimentiert. Jedes Mal das gleiche Prinzip mit anderen Objekten mag zwar in den Naturwissenschaften als Experiment gelten, aber nicht im Film.

James Bennings Markenzeichen ist die statische Einstellung und deren Länge. Nach Seen, Himmelsausschnitten und Güterzügen widmet er sich mit TWENTY CIGARETTES nun dem Menschen. Immerhin eine Steigerung zu immer komplexeren Objekten! Schon in RR (Railroad), lässt er die Einstellungen durch die Güterzüge begrenzen. Die Dauer der Durchfahrt am Kamerastandpunkt bestimmte die Länge. In TWENTY CIGARETTES ist es die Zigarettenlänge, die der Raucher oder die Raucherin selbst bestimmen. Da es nichts Komplexeres gibt als den Menschen – es sei denn, Benning holt Außerirdische vor die Kamera, ich bezweifle das stark – dürfte seine Serie damit beendet sein.

In TWENTY CIGARETTES rauchen zwanzig Menschen jeweils eine Zigarette und werden dabei gefilmt. Die Wirkung ist ein bisschen so ähnlich wie hinter der Scheibe eines Cafés zu sitzen und draußen die Leute zu beobachten. Man überlegt, was das da wohl für ein Typ ist. Man wird es nie erfahren – genauso wie in TWENTY CIGARETTES. Nur im Abspann werden die Namen und die Länder eingeblendet. Anders als im Café wissen die Leute in Bennings Film aber, dass sie von der Kamera und später von einem Publikum beobachtet werden.

In gewisser Weise ist es eine Provokation, Menschen vor der Kamera unentwegt quarzen zu lassen, nachdem die Zigarette aus dem Kino verbannt wurde. Aber sie ist nur sekundär, bestimmt lediglich die Begrenzung der Einstellung und lässt den Gefilmten selbst bestimmen, wie lange er sich diesem Voyeurismus aussetzen möchte. Im Vordergrund von TWENTY CIGARETTES steht das menschliche Portrait: Raucher zu beobachten und mich dabei zu beobachten, wie ich Menschen beurteile. Ich erschaffe mir meine narrative Struktur selbst.

Benning wählte die Nah-Einstellung, so dass Gesicht, Mimik, Ausschnitt der Oberbekleidung und eventueller Schmuck deutlich sichtbar sind. Hinzu kommt ein Ausschnitt des Hintergrunds, der Straße, des Wohnzimmers, der Garage und die Geräusche in der Umgebung.

In den ersten paar Sekunden, der Raucher ist gerade erst dabei, seine Zigarette anzuzünden, versuche ich seine Nationalität zu erraten. Der erste Raucher ist ein junger Asiate. Vielleicht ein Japaner. Seine allererste Zigarette kann noch nicht allzu lange hergewesen sein, er raucht unroutiniert. Grinst ab und zu vor sich hin, am Ende hüstelt er gar ein bisschen, weil er wohl ein bisschen zu hektisch Backe geraucht hat – er will die Schau so schnell wie möglich beenden. Nur einer, der für mich wie ein Brite aussieht, kommt auf die Idee, die Zigarette auf den Boden zu werfen und darauf herumzutreten.

Viele gucken um die Kamera herum, gucken mal nach links oben, mal nach rechts unten. Gucken Geräuschen hinterher: Hubschrauber, Schüssen, Autos. Eine ältere Frau mit Perlenohrring und -armband und einem feinem Wollpullöverchen, sie sieht aus wie eine Oberschichten-Lady aus einer Vorstadtvilla, starrt als einzige ziemliche frech und irgendwie arrogant in die Kamera. Ich will, dass sie ihre Zigarette möglichst schnell zu Ende raucht, damit ich sie nicht mehr sehen muss.

Eine andere Frau, ich halte sie für eine russische Arbeiterin einer Kolchose (ich weiß, gibts nicht mehr), ist mir sympathisch. Im Publikum bemerke ich plötzlich, dass unten jemand ungeniert mitfilmt. Was ist das denn? Als ich genauer hinsehe, bemerke ich, dass es Ulrich Gregor ist. Mag er auch die russische Kolchose-Bäuerin? Ja, denn während des Abspanns erfahre ich, dass es in Wirklichkeit Sharon Lockhart war.

Es wäre schön, wenn James Benning mal wieder einen Experimentalfilm machen würde. Vielleicht zur Berlinale 2012?

18.2. Cubix 9 14.30h OmE

Der Protagonist Dominik macht es einem absolut nicht leicht, ihn zu mögen. Er steht kurz vor dem Abschluss einer Eliteschule, wird von einem Chauffeur zwischen Haus, Schule und Training hin- und her kutschiert und gibt allen zu verstehen: Ich bin zu cool für diese Welt – das gelangweilte, arrogant-distanzierte Benehmen der Oberschicht mit einem Touch typischer Werther-Koketterie reicher Jugendlicher. Seine Eltern, zwar erfolgreich, aber eher obere Mittelschicht, erwarten von ihm einen Top-Abschluss.

Auf der ausgelassenen und feuchten Abifeier – die Prüfungen sind noch nicht ganz vorbei – werden lautstark Wetten abgeschlossen: Zwei Mädchen sollen sich knutschen. Dann sind zwei Jungs an der Reihe, Dominik und noch ein Typ, mit dem er zusammen trainiert. Die Umstehenden bejubeln das, halten es für YouTube fest – alle, die vier eingeschlossen, amüsieren sich prächtig. Beim Fighten im Karate-Training mit dem gleichen Typen kommt es zu einem ordentlichen Gekabbel, infolgedessen Dominik eine Ejakulation hat. Der Blick seines unläubig grinsenden Trainingspartners verheißt diesmal aber nichts Gutes mehr, die Peinlichkeitsgrenze ist überschritten. In der Tat denunziert ihn dieser dann kurz darauf im Netz, das schon mit reichlich schadenfreudigen Kommentaren, wie «Spermawrestling», bestückt ist, als Dominik sich einloggt. In seinem Zimmer, wo es niemand mitkriegt, flippt er total aus und weiß nicht mehr weiter. Für seine Eltern, die ihn weiter zu Empfängen mitschleppen, sieht es so aus, als ob sein provokantes Benehmen, eine Mischung aus lustvoll präsentierter pubertärer Selbstzerfleischung und Mal-sehen-wie-weit-ich-gehen-darf, nun entgültig den Zenit erreicht hat. Inzwischen ist es aber kein kokettes Spiel mehr. Durch Zufall hat Dominik einen dieser Selbstmordchatrooms entdeckt.

Der Stoff verfügt über sämtliche Fallen, die es braucht, um ein Klischee an das nächste zu reihen: die Selbstmord-Chats, reiche und gestreßte Eltern, die keine Zeit für ihren Sprößling haben, Zensuren-Druck von allen Seiten und Mobbing in der Schule. Regisseur Jan Komasa schafft es, sie alle zu umschiffen und keine eindeutigen Ursachen zu benennen oder gar vernichtende Urteile zu fällen. So zeigt er auf der einen Seite zwar, dass man sich im Chat auch gegenseitig aufheizen kann (auch das Gegenteil kann der Fall sein), dass aber anderseits die sozialen Strukturen schon vorher so brach liegen, dass das Web zur einzig verfügbaren Kommunikationsquelle in einer scheinbar auswegslosen Lage wird. Auch der Alltagsstress der Eltern ist nicht verantwortlich für die später immer krasser werdende Situation – vielmehr die fehlenden Kommunikationsstrukturen über einen viel längeren Zeitraum. Selbst wenn diese funktioniert hätten, wäre es fraglich gewesen, ob der Vertrauensbonus so groß gewesen wäre, dass Dominik ihnen die peinliche «Spermawrestling»-Geschichte erzählt hätte.

Das einzige Manko dieses Films ist die Visualisierung des Suicide-Chatrooms selbst. Er sieht wie ein billig produzierter Manga aus, der eine kitschige Selbstmordromantik und Todessehnsucht zur Schau stellt. In gewisser Weise widerspricht sich SUICIDE ROOM damit selbst, eindeutige Ursachen benennen zu wollen. Auch das Handy-Video in der allerletzten Szene (dessen Inhalt an dieser Stelle nicht genannt werden soll) verzichtet dann, gerade im Kontrast zu den Manga-Szenen, doch nicht ganz auf einen Schuss Didaktik.

… denke ich, als ich mir das Schaltwerk meines Rennrads genauer ansehe. Es ist Dienstag und ich bin gerade unterwegs zu den Potse Arcaden, als sich in der Swinemünder Straße ein herumfliegender Müllsack urplötzlich in meinem Hinterrad verfängt. Das Shimano-Ultegra-Schaltwerk ist glatt durchgebrochen. So was kann auch nur mir passieren! Ich schulter mein Rad und trage es zur Fahrradstation nach Mitte. Dort schauen sie fasziniert auf das Dillemma.

Sowas hätten sie noch nicht gesehen. Ich seufze schwermütig, setze dann noch eins drauf und erzähle ihnen die Geschichte vom gebrochenem Leerlaufkörper. Das beeindruckt sie aber nicht so, wie ich es mir erhofft hatte. Wenigstens bauen sie ein Schaltwerk aus einem nagelneuen Cube aus, so, dass ich nach 45 Minuten weiterfahren kann. Außerdem bekomme ich sogar noch meinen 20%igen Kurier-Rabatt. Ist die Sache wenigstens noch mal halbwegs glimpflich abgegangen.

Statt zum Vorverkauf fahre ich nun direkt ins Haus der Kulturen der Welt. Es ist ein trauriger Generation-Hungerfilm, der zeigt wie philippinische Straßenkinder in Manila Blumen verkaufen wollen, die aber keiner will. Wenigstens kriegen sie ab und zu Fastfood geschenkt. Da der 14-Uhr-Film an der Tageskasse ausverkauft ist, fahre ich danach zu den Arcaden und hole mir im Vorverkauf Karten für die kommenden Tage. Die Wartedauer beträgt eine knappe halbe Stunde und ich bekomme alles, was ich will.

Danach schiebe ich mir eine Banane ein und fahre zum Training in die HU. Auf dem Weg zum Weidendamm fällt mir ein, dass ich noch gar nichts von meinem Freund Jens Balzer gelesen habe. Ich hole mir schnell die Berliner; er hat aber nur einen kleinen satirisch-spekulativen Artikel über den Wettbewerbsgewinner geschrieben. Nach über zwei Stunden Spinning schiebe ich mir wieder eine Banane ein und fahre wieder zum H. d. K. d. W.

Neben mir sitzt eine Schickse, die sich feinfingerig mit ihrem Berlinaleheftchen Luft zu wedelt – die soll lieber in die Wagner-Oper gehen. Der Genre-Film ONE THE ICE wurde schon mal als Kurzfilm gezeigt, der Regisseur hätte es dabei belassen sollen. Bei meinem ersten Film am Mittwoch – wieder im H. d. K. d. W. – habe ich schon wieder Pech mit meinem Sitznachbarn. Neben mir ein Typ, der kommentiert und wie ein Idiot vor sich hin brabbelt. Ein Glück hab ich den Sitz zu meiner rechten mit dem Rucksack blockiert, so, dass, ich mich eins weiter setzen kann. Der düstere und spannungsgeladene, schwedische APFLICKORNA (SHE MONKEYS) zeigt ein weibliches Coming of Age, aufgeladen mit Sexualität und Machtspielchen. Mal eine einfallsreiche, neue Variante dieses Genres. Nicht schlecht! Das anschließende Q & A ist allerdings mal wieder zum Weglaufen. Die Regisseurin, die schlecht englisch spricht, beantwortet alle Fragen mit Gegenfragen. “Wie haben Sie sich das gedacht?” – “Was denken Sie, wie das gedacht ist?” So geht das die ganze Zeit – sorry, dafür brauch ich kein Q & A!

A PAS DE LOUP (AUF LEISEN PFOTEN): ein wirklich leiser Film.

Der darauffolgende belgisch-französische Kinderfilm A PAS DE LOUP (AUF LEISEN PFOTEN) ist herausragend. Die kleine, leise Cathy, wir hören die ganze Zeit ihre Gedanken im Voice-Over – im gesamten Film wird kaum gesprochen – erteilt ihren im Vollstress stehenden Eltern, die sie gar nicht beachten, eine ordentliche Lektion. Sie läuft davon und lebt erst zusammen mit ihrem Freund Fisch, der wirklich ein kleiner Fisch ist und später mit einem Biest, das aber in Wirklichkeit ein Mischlingshund ist, im Wald. Genauso leise und zart wie der gesamte Film, ist dann das positive Ende des Films. Wirklich ein sehr, sehr gelungener Kinderfilm! Empfohlen ab 7, ich würde ihn aber schon ab 4 bis 5 empfehlen. Es gibt eins, zwei gruselige Szenen, die sich dann aber als vollkommen harmlos herausstellen.

Nesvatbov (Matchmaking Mayor)
R: Erika Hníková
SK/CZ 2010
72 Min
20.2. CineStar 8, 22.00h

Diese zwei sehr unterschiedlichen Dokus thematisieren Widerstände einzelner Protagonisten gegen den ökonomisch bedingten Wandel auf dem Lande. In dem poetischen und äußerst gelungenen Schwarz-Weiß-Film AN ENGEL VAN DOEL soll ein Dorf wegen des Ausbaus des Antwerpener Hafens umgesiedelt werden – die 75jährige Protagonistin Emilienne und ein Priester kämpfen dagegen an. In der Slowakischen Republik sind ganze Regionen wegen Landflucht so dünn besiedelt, dass immer mehr Bewohner Single bleiben, weil ihnen die Auswahl fehlt. Der zwiespältige und konservative Bürgermeister aus NESVATBOV (MATCHMAKING MAYOR) hat sich die absurde Aufgabe gestellt, sie miteinander zu verkuppeln.

Sorgfältig ausgewählte, poetisch-metaphorische Schwarz-Weiß-Bilder prägen den Stil von AN ANGEL IN DOEL. Das Dorf Doel, ca. 25 km nördlich von Antwerpen, ist ein Geisterdorf mit dem dazugehörigen Geisterschiff, einem Frachter, der sich schemenhaft und riesig durch den Nebel am Hafen schiebt. Die kleinen menschenleeren Straßen und Gässchen sind von zahlreichen, herrenlosen Katzen okkupiert. Die meisten Wohnungen sind verlassen, überall klappern offene Fenster. An den Fassaden hängen Transparente, die Widerstand verkünden, aber es scheint kaum noch jemand da zu sein, der ihn ausüben könnte.

Es gibt zwei Orte, an denen sich die paar dagebliebenen Alten treffen: die Kirche, in der der alte und kranke Priester versucht, die immer weiter schrumpfende Gemeinschaft durch Glauben zu beschwören und Emiliennes Küchentisch. Meistens reden sie vom Tod: Wer es denn schon hinter sich hat und welche gesetzlichen Bestimmungen es für Grabsteine es gibt.

Der Regisseur Tom Fassaert hat über einen längeren Zeitraum an dieser Dokumentation gedreht, sich Zeit gelassen. Dabei lassen einen die sorgfältig inszenierten Bilder, die erstaunliche Nähe der Kamera zu seinen Protagonisten und der Spannungsbogen fast vergessen, dass es sich um eine Doku handelt. Als der alte und kranke Priester von Doel stirbt, flattern die ersten Räumungstermine ins Haus. Vielmehr hätte man von Emilliennes verrückter Freundin erwartet, dass sie sich zur Wehr setzt. Doch es ist Emillienne, die zum Bürgermeister fährt und später die Annahme der Räumungsbriefe verweigert. Zum Schluss erzählt sie – nun das erste Mal direkt in die Kamera – dass sie jetzt weiß, wie sie sterben möchte: Mit einer Zigarette, einem Glas Wein und in dem Moment, wenn die Abrissbagger zu ihrem Haus kommen. Trotz seines düsteren Themas bringt AN ANGEL IN DOEL das Kunststück fertig, nicht deprimierend zu wirken – die Protagonisten sind einfach zu lebendig.

Störrische Landeier vs. diktatorischer Bürgermeister

(Foto: Berlinale)

Ganz und gar andere Töne schlägt NESVATBOV (MATCHMAKING MAJOR) an. Der ruppige Bürgermeister eines slowakischen Dorfes hat rund um das Rathaus Lautsprecher anbringen lassen, aus denen er einen Feldzug gegen das Aussterben der Landbevölkerung verkündet. Er appelliert an jeden Single, sich zu besinnen, seine Pflicht wahrzunehmen und eine Familie zu gründen. Später organisiert er eine Single-Party mit Tombola und Band, die natürlich gründlich schief geht.

Der Regisseurin Erika Hníková gelingt es nicht, die Distanz zwischen Kamera und Einwohnern abzubauen. Die Singles, die sie ausgewählt hat, bleiben vor der Kamera kleinlaut und verschlossen. Der Bürgermeister gibt sich zwar sehr konservativ, aber offen und logisch argumentierend. Bei den Vorbereitungen zur Party grinst er häufig in die Kamera und beschreibt idealisierend und übertrieben sein eigenes Vorhaben. Man erhält den Eindruck, dass alles nur eine sehr spaßige Angelegenheit ist, die von den Initiatoren selbst nicht allzu ernst genommen wird.

Nur in zwei, kurzen Szenen entlarvt Hníková die ganze Stimmung als weniger harmlose Angelegenheit. Einmal als es gerade wieder aus den Lautsprechern kracht, beschwert sich ein auf der Parkbank sitzendes Pärchen über die Allüren des Dorfsherriffs. Er sei schlimmer als ein Diktator. Am Rande eines Fußballspiels läuft die Kamera heimlich mit. Der Chef des Dorfes und ein ambitionierter Single-Mann meckern dort ziemlich aggressiv über das vernichtende Ergebnis der Singleparty. Solch enormer Aufwand und hohe Kosten, ohne, dass die ins Bett zu kriegen gewesen wären. Mein Vorschlag: Vielleicht sollte man sie einfach zwangsverheiraten.

R: Richard Ayoade 
GB 2010
94 Minuten

15.2. CineStar8 19.15 h OmU
16.2. Arsenal 1 12.30h OmU
18.2. Cubix 9 20.00h OmU

Dieser englische Coming-Of-Age-Film, ein Debüt des Videoclip-Filmers Richard Ayoade, stammt von Warp Films. Das Label hat bereits schon mit dem Skinhead-Film THIS IS ENGLAND auf der Berlinale und in den deutschen Videotheken für Aufmerksamkeit gesorgt. SUBMARINE basiert auf dem gleichnamigen Roman von Joe Dunthorne, in dem der 15jährige Teenager Oliver Tate sehr komisch und äußerst amüsant über sich und seine Umgebung zu berichten weiß. Was der Film allerdings im FORUM zu suchen hat, ist mir schleierhaft – das ist eigentlich ein typischer Generation-14plus-Film.

Tate lebt in einer permanent grauen Küstenstadt in Wales. Am Anfang kreist sein Dasein hauptsächlich um das erste Mal und seine Jungfräulichkeit. Aber auch das Sexleben seiner Eltern, das er permanent überwacht, bereitet ihm große Sorgen. Der Dimmerschalter im Schlafzimmer steht seit Monaten nicht mehr auf halber Leuchtkraft. Als er endlich mit seiner neuen Freundin den Liebesakt vollzogen hat – im Buch ist die Sexszene sehr witzig beschrieben, im Film wurde sie gestrichen – ist es wie eine Katharsis, doch schon kommen neue Probleme auf ihn zu: Sein Vater, und mit ihm auch Oliver, verfallen in eine schwere Depression – fast schon ein obligatorisches Genremerkmal – und Oliver beginnt zu glauben, dass seine Mutter eine Affäre mit ihrem früheren Geliebten, einem predigenden Astro-Meditator, hat. Und dass die Ehe seiner Eltern bald auseinanderbrechen wird…

In gewisser Weise ähnelt Oliver Tate Holden Caulfield. Beide sind ausgezeichnete, fast reife Analytiker ihrer Umgebung, benehmen sich aber etwas skurril. Als die Mutter von Olivers neuer Freundin Jordana Krebs bekommt, bringt er ihren Hund mit Rattengift um: eine Art «Feuerprobe» für den Verlust eines geliebten Menschen. Oliver tut sehr sophisticated, verwendet mit Vorliebe griechische Fremdwörter wie «Parthenogenese» (Jungfrauengeburt) und «Triskaidekaphobie» (Angst vor der Zahl 13), und spricht sehr geschwollen. Eigentlich weiß er, dass er sich damit keine Freunde macht.

Richard Ayoade, der in Großbritannien auch als Drehbuchautor für TV-Komödien bekannt ist, tut gut daran, sich erzähltechnisch weit von Joe Dunthornes Roman zu entfernen. Der Witz des Buches beruht vor allem auf unzähligen komischen, weil aus dem Blickwinkel von Tate beschrieben, Anekdoten. Es ist wie bei Salinger vor allem die sehr eigene Sprache des Ich-Erzählers, die komisch ist. Ayode konzentriert sich auf nur wenige Szenen, die er streckenweise auch noch völlig umgeschrieben hat, um einen dramatischen Spannungsbogen aufzubauen. Er widmet sich ganz dem Charakter des Protagonisten, den er ausgezeichnet herausgearbeitet hat. So lässt er natürlich Oliver Tate (Craig Roberts) aus dem Off zitieren, zum anderen interpretiert er das ganze Sammelsurium der Nebenfiguren extrem nerdig. Damit übernimmt er die Sichtweise von Tate, der seine Umwelt für freakig hält, während er sich selbst als vollkommen normal betrachtet. In Wirklichkeit benimmt er sich aber bei seinen Versuchen, Probleme zu lösen, ebenfalls exzentrisch. Allein die Szene, wie er Jordana auf seine geschwollene, selbstbewusste Art, von der er glaubt, dass sie von Reife und Bildung zeuge, zum ersten Sex verführen will, ist zum Brüllen komisch.

Die Mutter wird von Sally Hawkins (HAPPY-GO-LUCKY) als völlig abgespacte Hippie-Mutter gemimt. Der Vater, mager und mit Vollbart, scheint in geistiger, depressiver Umnachtung gefangen zu sein. Im Film ist er, ganz anders als im Roman, ein Tiefseeforscher. Einerseits ist das natürlich ein schöner Kontrast zu dem Astral-Prediger (Paddy Considine), der ständig was von Licht und Glückseligkeit faselt, andererseits könnte es natürlich auch eine Reminiszenz an DIE TIEFSEETAUCHER (Wes Andersen) sein, in dem Noah Tayler den Vladimir Wolodarsky spielte.

Ein Glück läuft der Film nun ausschließlich mit deutschen UT. In der PV wurde er ohne gezeigt – ich fand ihn sehr schwer zu verstehen, da Olivers Voice Over extrem schnell und die Wörter schon sehr speziell sind.