Gesichtet in Prag. April 2010.

WARNUNG: Dies ist eine Analyse der Struktur und sie sollte von niemandem gelesen werden, der INCEPTION noch erstmalig sehen will.

Exposition: Extraction

INCEPTION mutet dem Zuschauer einiges zu: Er wird völlig orientierungslos in einen multiperspektivische Handlung, die zugleich auf mehreren Ebenen spielt, hineingeworfen und erfährt, dass es sich hierbei zunächst um den Traum eines gewissen Mr. Saito handelt und um die Arbeit eines Extractor-Teams. Es ist darauf spezialisiert, dem Träumenden ein Industrie-Geheimnis zu entlocken. Kaum glaubt der Rezipient sich einigermaßen zu Recht zu finden, mischen sich andere Perspektiven und Ebenen dazu: Eine mysteriöse Frau taucht auf, die nicht aus dem Traum von Mr. Saito zu stammen scheint. Eine Parallelmontage, in der das Extractor-Team und Mr. Saito schlafend und verkabelt in einem Zimmer liegen, suggeriert, dass es sich hierbei offenbar um die »reale« Film-Ebene handelt. Doch der Teppich auf den Mr. Saito – nun aus dem Traum erwachend – gestoßen wird, fühlt sich in seinen Augen nicht so an, als wäre es
s e i n Teppich: »Ich habe einen Wollteppich. Doch der hier ist aus Polyester. Ich träume also immer noch«. Doch selbst das stimmt nicht ganz: »Das ist mein Traum«, meldet sich eine Stimme aus dem Hintergrund.

Diese Mission, aufgetragen durch Cobol Engineering, ist gescheitert. Die Extractor-Diebe erwachen in einem Zug und machen sich schnell aus dem Staub, bevor Saito erwacht. Dieser spürt sie auf. Es geht ihm aber nicht um Rache, sondern um einen besonderen Auftrag: Inception. Es soll nicht etwas extrahiert, sondern eingepflanzt werden. Ein »simpler Gedanke«! Doch die beiden Extractor kontern: »Das ist unmöglich!« und »Doch, es ist zwar möglich. Aber kein Gedanke ist simpel, wenn er eingepflanzt werden soll.« Schließlich lässt sich der Kopf, Cobb (diCaprio), doch dazu überreden, diesen Auftrag durchzuführen. Im Gegenzug will Saito dafür sorgen, dass Cobb zu seiner Familie zurückkehren darf. Selbstverständlich neben der obligatorischen Bezahlung.

Die Regeln und das Inception-Team

Cobb und Arthur wissen zwar zunächst nichts über die Einzelheiten des Auftrags, gehen aber schon an die Planung und Zusammenstellung des Teams. Alle Gesetzmäßigkeiten, die in der Exposition noch verwirrend waren, werden nun erklärt und ähneln der Planung eines komplizierten Bankraubs.

1. Der Raum: Der Architekt und die Traumlabyrinthe

Beim Eindringen in einen Traum, also in das Unterbewusstsein, soll das Opfer manipuliert und geführt werden. Da jeder Gedanke und jedes Gefühl im Traum visualisiert ist, bedarf es eines Traumarchitekten, der die Orte entwirft.
Hinter jeder Extraction, hier speziell einer Inception, steht immer eine Strategie. Folglich sind die Räume, Hotellobby, Straße, Krankenhaus dieser inhaltlich unterzuordnen.
Jeder Traum besteht aus mehreren Orten, die wiederum zu einem anderen Level gehören. Umso tiefer der Traum, umso mehr darf die Architektur vom Gewohnten abweichen.
Da die größte Gefahr darin besteht, dass das Opfer die Fremdartigkeit, die Extraction/Inception, gleich zu Beginn spürt, muss sich der Ort zunächst »echt« und »real« anfühlen. Sonst beginnt es sich zu wehren. Ein Architektenfehler war es z. B. dass der oben erwähnte Teppich, der einem »realen« nachkonstruiert wurde, aus Polyester statt aus Wolle bestand. Ein weiterer Architektenfehler: das Paradoxon. Ein Traumraum kann nicht als unendlicher geschaffen werden – also so, wie sich die reale Welt anfühlt – sonst würde der Architekt ewig daran basteln. Also besteht die Gefahr, dass das Opfer auf ein Ende stoßen könnte. Deshalb muss ein Labyrinth entworfen werden, wie z. B. die Penrose-Stufen. (Bezieht sich auf den realen Mathematiker und Physiker Roger Penrose. Dieser schuf z. B. das Penrose-Dreieck.)

2. Die Protagonisten: Der Fälscher und die Figuren

Um Personen nachzubilden, die das Opfer kennt, gilt es, die »realen« zu studieren. Die Gewohnheiten, die Körpersprache, die Eigenheiten. Dies kann dann im Traum geschauspielert werden und das Opfer schöpft, wenn das gut gemacht wird, keinen Verdacht und offenbart sich der Kopie. Es gibt viele Statisten. Die Projektionen. Die Projektionen stammen in der Regel aus dem Unterbewusstsein des Opfers. Der Fälscher hat damit erstmal nicht viel zu tun.

3. Die Zeit: Der Chemiker und das Traumsharing

Ursprünglich stammt das Traumsharing – wie kann es anders sein – vom Militär. Soldaten sollten lernen, sich selbst zu töten. Da Träume nur kurz andauern und eine Mission ihre Zeit braucht, müssen die Teilnehmer, in einen künstlichen Traumzustand versetzt werden – mit einem Sedativum. Der Chemiker muss also ein Beruhigungsmittel zusammenmixen, das möglichst viel Traumzeit ermöglicht. Cobb findet für sein Team einen, der es schafft, vier Stunden »reale« Zeit träumen zu lassen. Das entspricht im ersten Traumlevel einer Zeit von 40 Stunden. Das Sedativum entscheidet aber auch über die Tiefe des Traumes, also die entsprechenden Traumlevel. Eine Woche im ersten Traumlevel entspricht im zweiten Traumlevel einer Zeit von sechs Monaten. Im dritten Traumlevel entspricht dies zehn Jahren.

4. Die Bewegung: Sedativ und Kick

Die Traumlevel haben unterschiedliche Qualitäten.
Umso tiefer man ins Unterbewußtsein eindringt, um stärker dehnt sich also die Zeit für alle Beteiligten.
Man gelangt systematisch von Traumlevel 1 zu Level 2 immer tiefer.
Da alle vom Sedativum betäubt sind, ist es nicht so einfach zu erwachen, insbesondere dann nicht, wenn man tief träumt. Deshalb benötigt man einen »gut koordinierten Kick« durch alle Level hindurch.

Auf die Frage was ein »Kick« genau sei, antwortet ein Extractor: »Das ist das Fallen, dass sie manchmal kurz vor dem Aufwachen spüren.« Ein Kick muss auf jedem Level gesetzt werden, d.h. es muss immer einer zurückbleiben. In der »realen« Welt wird das Signal dazu gegeben: Alle hören das Lied: »Non, je ne rigrette rion«, dann fallen sie und erwachen im nächst höheren Level bis sie in der »realen« Welt angelangt sind. Umso tiefer, um so stärker das Fallen: In der »Realität« stößt jemand einfach nur einen Stuhl um, auf dem der Schlafende sitzt. Im ersten Traumlevel stürzt schon ein Bus einen Abhang runter usw. Um aber tiefer in den Traum hineinzugelangen, muss man wieder ein Sedativ im Traum setzen.

Der neue Auftrag: Inception

Nachdem das Team vollständig ist, erfahren alle mehr über den Auftrag. Auf den ersten Blick erscheint er tatsächlich simpel: Der Inhaber eines großen Energie-Imperiums liegt im Sterben und sein Sohn, Robert Fischer, soll es erben. Saito will, dass er das Monopol auflöst, weil er ansonsten den gesamten Markt kontrolliert. Das ist die Inception, die eingepflanzt werden soll.

Die Strategie

Da in INCEPTION nichts simpel gestrickt ist, ist auch dieser Gedanke nicht einfach. Der Fälscher kennt das Umfeld und weiß, dass die Vater-Sohn-Beziehung angespannt ist. Er weiß auch von einem Vertrauten, Peter Browning, der zwischen beiden steht. Viel mehr ist nicht bekannt. In einer ersten Ideenphase, die nach Marketing-Gesetzen abläuft, äußert der Fälscher, folgende Verknüpfung: Spannung zwischen Vater und Sohn verstärken –> Sohn wendet sich vom Erbe ab –> Neuanfang –> Auflösung des Imperiums. An dieser Stelle greift Cobb ein: »Gedanken entstehen aus Inspiration. Es sind nie negative Gefühle, die echte Inspiration bewirken, sondern positive. Alle sehnen sich danach.« Also muss das Positive zwischen Vater und Sohn gefunden, geweckt, erinnert werden, um damit einen Neuanfang, die Auflösung des Energiekonzern, beim Sohn zu bewirken. Das alles klingt logisch, wie eine aalglatte, überaus gutdurchdachte Strategie, aber…

Die Antagonisten

1. Cobbs Ehefrau

Schon in der Exposition taucht eine mysteriöse Frau auf. Nach und nach enthüllt sie sich als die wahre Achillesferse von Cobb, als eine Schuld-Projektion seines Unterbewusstseins, als ein wütender Schatten, der nicht nur ihm folgt, sondern allen, denen er in Träume folgt. Sie versucht jede Mission zu vereiteln.

2. Mr. Zufall

Jede kleine Recherche-Schlampigkeit rächt sich bitter. In der Cobol-Engineering-Mission war es der Stoff eines Teppichs, der nicht stimmte. Das Opfer schöpfte sofort Mißtrauen. Als das Team in den Traum von Robert Fisher einsteigt, wird es sofort bekämpft. Der Fälscher hatten übersehen, dass Fischer, Sohn eines Industriellen, sich gegen Extractors hatte schulen lassen. Sein Unterbewusstsein erkennt die Eindringlinge schneller als andere. Sein Traum ist sozusagen ein härteres Einstiegslevel.

3. Der Körper und seine Immunreaktion

Die Projektionen des Opfers sind dem eindringendem Team generell feindlich gesonnen und bekämpfen es, sobald sie Fremdartigkeit verspüren. Vergleichbar mit der Immunreaktion des menschlichen Körpers auf Fremdstoffe.

4. Der Tod

Wird jemand im Traum so schwer verletzt, dass er sterben muss, erwacht er und stirbt auch in der Realität. Mit einer Ausnahme. War das Sedativum sehr stark, um in tiefe Traumschichten zu gelangen, kann der Sterbende nicht erwachen. Er fällt in einen noch tieferen, leeren Raum. Den Limbus. Laut der theologischen Bedeutung, bezeichnet der lateinische Begriff limbus, den Vorraum zur Hölle. Verletzungen bleiben ohne Folgen.

Eine Games-Dramaturgie

Die dramaturgische Struktur von INCEPTION erinnert an ein Spiel. Die Teammitglieder sind keine Charaktere im filmischen Sinne. Sie haben wie die Figuren eines Spiels spezielle Aufgaben und Rollen zu erfüllen, um eine erfolgreiche Mission durchzuführen. Abgesehen von Cobb erfahren wir nichts über sie. Und auch der »Cobb-Strang«, die Geschichte um seine Familie, scheint nur eine Art Zusatzlevel zu sein. Wir erfahren Andeutungen über die Vater-Sohn-Beziehung der Fischers, aber sie dienen lediglich der Mission, sind Ausgangspunkt für die Platzierung der Inception und werden dabei auch nicht weiter vertieft.

Die Mission besteht aus mehreren Leveln, um so tiefer man gelangt, um so höher gelangt man auch, und umso stärker nähert man sich dem Ziel. INCEPTION ist ein Spiel im Multiplayer-Modus, eine Mischung aus Rollenspiel und Multishooter. Mehrere Spieler spielen auf unterschiedlichen Leveln zugleich und dabei doch zeitversetzt. Wird man zu stark verletzt, fliegt man aus dem Spiel. Entweder man landet bewegungsunfähig im leeren Limbus oder man stirbt.

INCEPTION benutzt die Avatar-Ansicht statt Ego-Shooter-Perspektive und entwirft einen Kosmos aus eigenständigen, strengen Regeln. Gewonnen hat das Team, wenn die Mission erfüllt wurde.

Linksammlung (wird noch vervollständigt):
Inception-Wiki

Preisgewaltig: Ticketpreis

Der Ticketpreis ist mit 9 € im Gegensatz zum Vorjahr um einen ganzen Euro teurer geworden. Für mich eigentlich nicht mehr erschwinglich. Klar ist ein Filmfestival extrem teuer, noch dazu ein Genrefestival. Aber hätte man nicht lieber noch zusätzliche Sponsoren werben können? Die Sponsorenanzahl scheint gleichgeblieben zu sein. Statt 2k Games sind CinePostproduction und TV Spielfilm hinzugekommen. Ob die Sponsorengelder ingesamt gleichgeblieben sind, kann ich natürlich nicht sagen. Vielleicht haben die Kinos auch die Mieten erhöht. Prinzipiell haben die Veranstalter schon mehrfach darauf hingewiesen, dass das Festival mit
8 € Eintrittspreis eigentlich nicht finanzierbar sei. Andererseits: Welche Filme finanzieren sich schon über Eintrittsgelder – eine Handvoll Top-Blockbuster vielleicht. Ich glaube Festivals müssen sich einfach über Sponsoren finanzieren. 9 € sind absolut grenzwertig. Zumal das Zielpublikum nicht aus hyperbezahlten Managern besteht.

Medienpräsenz

Was dazu passt: Die Referenzen in den Berliner Medien sind nicht gerade toll. Im tip und in der Zitty jeweils eine Seite. Die obligatorische, langweilige, oberflächliche Aufzählung einiger Filme. Auf Radio Eins lief nicht mal ein Beitrag bei Elstermanns Filmmagazin am Samstag. Während ich hier schreibe, wird ein Interview mit dem Veranstalter angekündigt, im Mittagsmagazin zwischen Einweckrezepten und Vormittagsdödelei. Ich will zwar nicht unken, aber…: In Foren war von einem Film die Rede (A SERBIAN MOVIE), der (auch) aus Gründen der Beschlagnahmungsgefahr in Berlin, nicht ins Programm genommen wurde (Schnittberichte). Vielleicht hätte dies dem FFF aber mal ganz gut getan. Jedes Festival braucht seine Skandale. Möglicherweise gefällt es einigen Nerds, dass das Festival keinen Mainstream-Charakter hat – die Kehrseite: horrende Preise. Ich persönlich ziehe den Mittelweg zwischen Berlinale und Nerd-Festival vor. 8 € waren o.k. 9 € sind es nicht mehr. Zumindest für Berliner nicht, für Münchener mag das ein Klacks sein.

Was könnte sich trotzdem lohnen?

Es laufen die üblichen Genrefilme, falls man dafür 9 € bezahlen will. Sinnvoller ist es wohl, hier auf den DVD-Start zu warten. Wenn man Pech hat, bekommt man Filme überhaupt nicht vor Gesicht – aber vielleicht finden die dann auch aus gutem Grund keinen Verleih. Generell interessanter sind wohl eher die experimentelleren/ungewöhnlichen Filme wie z. B. ENTER THE VOID (nur in Berlin und Hamburg) von Caspar Noé, der allerdings nächste Woche auch regulär im Kino startet.

Bildgewaltig: ENTER THE VOID (Berlin & Hamburg)

In diesem 155-Minüter verfilmte Noé (IRRÉVERSIBLE) einen Todestrip aus der Perspektive des Protagonisten. In einem Interview sagte der Regisseur, dass es ihm thematisch um Todeserfahrung/Wiedergeburt ging: »Obwohl ich mich nie zu einem religiösen Glauben hingezogen fühlte, entwickelte ich ein Interesse an Büchern über Wiedergeburt. Und ich fing an, mir verrückte Gedanken darüber zu machen, was mit mir passieren wird, wenn ich sterbe.« Noé trug die Idee jahrelang mit sich herum. Schließlich realisierte er sie, wobei er den Todes-Trip mit viel technischer Spielerei drehte: »In Büchern findet man Geschichten von Menschen, die im Moment ihres Todes, durch den Ausstoß von DMT im Gehirn, extreme Halluzinationen hatten. Dieses Molekül ist eine Substanz, die als Quelle unserer Träume gilt.« Visuell und ästhetisch soll ENTER THE VOID, Daft-Punk-Mastermind Thomas Bangalter schuf den Soundtrack dazu, einmalig sein. Fragt sich nur, ob das Movie sich nicht allzu sehr darin erschöpft.

THE KILLER INSIDE ME ist sehenswert, lief allerdings schon auf der Berlinale. Der Regisseur Winterbottom bleibt darin der literarischen 50er Vorlage von Jim Thompson (zu deutsch: Der Mörder in mir) treu. Casey Affleck spielt darin genauso einen verschlagenen Kerl wie in DIE ERMORDUNG DES JESSE JAMES DURCH DEN FEIGLING ROBERT FORD. Ein früher American Psycho, irgendwo zwischen kaltem Killerinstikt und determinierter Psychopathie.

Spannend klingt auch die französisch-belgische Coproduktion AMER, die – laut Programmheft – eine Ciallo-Ästhetik entfalte. Sie begleitet die Hauptfigur Amer über »drei Phasen ihres Lebens, Kindheit, Jugend, Erwachsensein. Ein »verstörender Albtraum der Erweckung.« Ebenfalls ungewöhnlich liest sich die Beschreibung zu SYMBOL, ein »Film zum Rätseln«, »der sämtliche Regeln des Filmemachens auf den Kopf« stelle. Allerdings hört sich die Mischung schon wieder komisch beliebig und typisch japanisch durchgeknallt an, die eher an »Takeshis Castle« erinnert als an ein Filmerlebnis der besonderen Art.

Gewalttätig: Gummireifen Robert aus RUBBER

Ein Geheimtipp könnte das französische Roadmovie RUBBER sein, das schon in Cannes und bei anderen Fantasy-Filmfestivals gelaufen ist. Der Protagonist ist ein Autoreifen, der über den Highway rollt und Dinge explodieren lassen kann. RUBBER soll eine »Parabel«, ein Frontalangriff auf die »Ödnis des Massengeschmacks sein«.

Gesamtblick
Es laufen diesmal extrem viele britische Produktionen (12), ein Anime (»REDLINE«), eine europäische Animation (»METROPIA«) und ein paar Exoten: CLASH aus Vietnam, EVIL – IN THE TIME OF HEROES aus Griechenland, REYKJAVIK WHALE WATCHING MASSACRE aus Island und THE SILENT HOUSE aus Uruguay. Die üblichen Horrorfilme (CAGED, CORRIDOR, DETOUR, THE HUMAN CENTIPEDE, THE LAST EXORCISM, THE LOVED ONES, THE REEF, TWO EYES STARING) sind zahlenmäßig überschaubar. Ein paar bekannte Namen wie der schon erwähnte Gaspar Noé sind zwar mit Hideo Nakata (RING), vertreten mit CHATROOM, Gregg Araki (NOWHERE) mit KABOOM und Takeshi Kitano mit OUTRAGE dabei, aber irgendwie scheinen die großen Knaller wie im letzten Jahr MOON oder THIRST zu fehlen. Vielleicht ist ja wieder eine Überraschung dabei wie DISTRICT 9.

Links:
Home mit Programm
Fanseite

Kurz vorm WM-Start zeigt das Arsenal vom 4.6. – 9.6. (außer 7.6.) um 21 Uhr d e n Antifilm des Profifußballs. Der Ersatzspieler Vikash Dhorasoo soll mit einer Super-8-Kamera die WM 2006 festhalten – der Film gerät immer mehr zu einem Dokument der Enttäuschung. Ein Antithese zur Euphorie und Fangejubel. THE SUBSTITUTE (Berlinalekritik 2006) lief vor vier Jahren im Forum und LE MONDE schrieb über den Film: »Trotz unscharfer Bilder mit zum Teil eigenwilligen Bildausschnitten und nicht synchron laufendem Ton ist SUBSTITUTE von einer nicht zu leugnenden melancholischen Schönheit.«

Den Auftakt bilden München und Stuttgart (13.3./14.3.), gefolgt von Berlin und Hamburg (20.3./21.3.), Nürnberg (26.3./28.3.), Köln (26.3./27.3.) und Frankfurt (27.3./28.3.). Die zehn Häppchen bilden einen netten Querschnitt des modernen Genrefilms von der Anime, in der sich ein Hacker der Identität eines fremden Internet-Avatars bemächtigt und damit die Weltherrschaft an sich reißt, über SciFi-Horror, in dem Vampire die Welt regieren und Menschen als Nahrungsqelle halten bis hin zu biogenetischen Tier-Mensch-Hyprid-Experimenten, Zombies in Vorortplattenbauten und J-Horror in 3D. Die Filme kommen aus Japan, Frankreich, Spanien, Großbritannien und den USA. Ein Blick auf die nationalen Filmschmieden des Genrefilms.

Horror-»Realismus«, made in Spain….

Zunächst sei da der spanische [REC]2 genannt, der in Deutschland nun endlich mal zu sehen ist. Beim FFF 09 war ich enttäuscht, dass das Sequel nicht im Programm war. Im Herbst gab es ein Kuddelmuddel mit dem offiziellen Kinostart (erst angekündigt, dann gestrichen), ein Kuddelmuddel mit dem offiziellen DVD-Start (gleiches Prozedere) … Inzwischen hat man schon einiges über den [REC]-Nachfolger gehört, nämlich nichts Gutes. Als ich dann in einem Interview mit den Regisseuren las (ich glaube, in deadline), dass sie selbst so ein bisschen mit ihrem Sequel hadern und dass sie definitiv keine Fortsetzung planen, hatte ich mit [REC] 2 schon abgeschlossen. Man lese und staune: Im Fantasy-Filmfest-Mini-Katalog (Pdf) ist nun zu lesen, dass ein Prequel sowie ein weiteres Sequel (Ausbruch der Apokalypse) geplant ist…

Für Uneingeweihte ein Rückblick auf das Original: Ein spanisches Boulevard-Doku-TV-Team à la Vox (»Schneller als die Polizei erlaubt«) »soapt« eine Feuerwehreinheit bei der täglichen Arbeit. Die quirlig-nervige, penetrante TV-Moderation Angela und ihr Kamera-Boy müssen nicht lange warten: Die Einheit rückt aus, um eine hilflos-schreiende Alte in einem uralten Mietshaus zu beruhigen. Es handelt sich jedoch nicht um eine demenzkranke, irre Señora, sondern um einen Zombie. Bald befinden sich die Akteure in Qarantäne (so auch der Titel des US-Remakes). Das Besondere: [REC] verwendet zwar die seit THE BLAIR WITCH PROJECT zum Standard erkorene Realismus-Ästhetik des Wackel-Camcorders, bindet sie aber an eine Story, die diesen inflatiornären Stil, den die quotenhungrigen TV-Dokus dankbar aufgegriffen haben, auf einer höheren Ebene kritisiert. Auch sonst zeigt dieser absolut gruselige Genre-Film ein exzellentes Gespür für zeitgenössische Zivilisationskrankheiten: Der »alltägliche Rassismus« krassiert unter den Mietern ebenso wie der Kontrollwahn im hypernervösen Polizeistaat: Nicht zuletzt wird auch das in [REC] heiß diskutiert: Die Eingeschlossenen wissen zunächst nämlich nicht, weshalb sie unter Quarantäne stehen. Es ist schwer, diese gelungene Story noch zu übertreffen. Man darf davon ausgehen, dass [REC]2 nur ein müdes Sequel ist, das im Schatten seines erfolgreichen Vorgängers steht.

…or in France

Seit längerer Zeit gelten die Franzosen als Geheimtipp in Sachen Horror. Ob sie diesen Ruf nun einem Pascal Laugier (MARTYRS, 2008) oder einem Alexandre Aja (HAUTE TENSION, 2003; THE HILLS HAVE EYES, 2006) zu verdanken haben – ist mir nicht ganz klar. Fakt ist: Sie gehören neben den Spaniern und den Japanern, zu den Filmnationen, die ihren ganz eigenen cinematographischen Style pflegen und hegen. Und die französischen Filme sprechen ihre eigene Sprache. Während man aber bei den Spaniern vielleicht von einer Ästhetik des unterschwellig Bedrohlichen sprechen kann, die während des Franco-Regimes als Methapher für eine verordnete Sprachlosigkeit entwickelt wurde (Carlos Saura wird häufig als Vorbild genannt oder Victor Erices EL ESPIRITU DE LA COLOMENA, DER GEIST DES BIENENSTOCKS, 1973) und während die Japaner die literarische Tradition der unterdrückten weiblichen Rache aus dem Jenseits immer wieder aufbereiten, haben die Franzosen keine Horror-Tradition in diesem Sinne. Sie sind echte Autorenfilmer, die Horrorelemente für ihren ganz eigenen Stil transformieren, wie LEMMING (Dominik Moll, 2005) und VINYAN (Fabrice Du Welz, 2008). Die Story von LA HORDE von Yannick Dahan erinnert allerdings eher ein bisschen an Romeros DAWN OF THE DEAD. In einem heruntergekommenen Vorort-Plattenbau jagen rachsüchtige Cops Verbrecher. Doch dann toben plötzlich massenhaft Zombies durch die Platte und beide Parteien sitzen auf dem Dach fest. By the Way: Der Zombie-Papa ist mit SURVIVAL OF THE DEAD (Kinostart: 8.4.) ebenfalls vertreten. Ich muss zugeben, dass ich sein DIARY OF THE DEAD nicht gesehen habe. Es soll aber belanglos sein. Angeblich wurde Romero bei SURVIVAL OF THE DEAD von William Wylers Western WEITES LAND beeinflusst.

3-D-Horror-X-Treme aus Japan

3-D hat sich nun spätestens mit AVATAR etabliert, obwohl schon seit längerer Zeit, Versuche im Gange waren, diese Technik, gerade im Horror-Bereich, breiteren Zuschauermassen schmackhaft zu machen. Generell ist dagegen natürlich nichts zu sagen: Irgendwas muss sich die Branche ja einfallen lassen, um die HDV-verwöhnten Potatoes von ihrer Couch wegzulocken. Außerdem galten die Multiplexe, die einzigen, die sich diese teure Technik leisten können, lange Zeit als gebeutelte Verlierer. Cameron ist es gelungen, das Ruder noch mal rumzureißen. Der Mastermind dessen 3-D-Werk THE SHOCK LABYRINTH (Kinostart: 22.4.) auf den FFF-Nights hoffentlich zum Davon-Laufen ist (im positiven Sinne): Takashi Shimizu.

Spontan fällt mir dazu sein JU-ON (2002) und das US-Remake THE GRUDGE (gleicher Regisseur, USA 2004) ein. JU-ON ist ein sehr gelungenes Stück J-Horror, welches an das Masterpiece RINGU (1998) heranreicht. (Nachtrag 16.4.: Ich hab mir JU-ON letzte Woche noch mal angesehen und hatte wohl eine falsche Erinnerung. JU-ON ist storytechnisch ziemlicher Schrott, eine Aneinanderreihung von Schock-Effekten, welche sich irgendwann auch erschöpfen. Es gibt eins, zwei nette innovative Effekte, der Rest ist einfallslos.) Allerdings wars das auch schon. Da ich den Begriff »J-Horror« verwende, möchte ich damit betonen, dass ich den Begriffsschöpfern beipflichte, dass es sich beim so genannten »Japan-Horror« um ein vollkommen eigenes Genre handelt, das von anderen Horrorfilmen, insbesondere den Remakes, abzugrenzen ist: J-Horror erreicht mit minimalen ästhetischen Mitteln, z. B. einer einzige Kameraeinstellung, die nicht in die Gesamtchoreographie passt, ein äußerst unangenehmes Gefühl. Das Remake arbeitet weniger mit einzelnen Disharmonien. Es benötigt einen gesamten Szenenaufbau, arbeitet brachialer, weicht letztendlich immer mehr auf Sound-Effekte aus. Das US-Remake von RINGU, THE RING (2002) füllt die Lücken, die das japanische Original hinterlässt, mit Erklärungen und Motiven. Der J-Horror reicht weit zurück auf die literarische, traditionelle Geistergeschichte, die keinerlei logischer Motive, was das Wirken Toter betrifft, bedarf. Die Story von THE SHOCK LABYRINTH ist – nun ja – traditionell: Eine tote Freundin, die während eines heimlichen Besuchs in einem Gruselkabinett (wahrscheinlich die japanische Variante der Geisterbahn) zu Tode kam (was für ein Blödsinn!) lässt wieder von sich hören. Schuldig sind natürlich die jugendlichen Protagonisten, die nach dem Zehn-Kleine-äh-Männlein-Prinzip dezimiert werden. Und natürlich ist so ein Grusellabyrinth besonders geeignet, in 3 D dargestellt zu werden. Hoffentlich ist THE SHOCK LABYRINTH wirklich J-Horror und nicht krachiges 3-D-Kino à la AVATAR.

Der Anime SUMMER WARS lief schon auf der Berlinale. Hier mal ein Perlentaucher-Text.

Starbesetzte us-amerikanische Standardcoproduktionen

DAYBREAKERS wird in Deutschland nur auf DVD vermarktet (ab 16.7.) und ist mit lauter Stars besetzt: Willam Dafoe, Ethan Hawke, Isabel Lucas, Sam Neill. Mir ein bisschen zu fett. Story in Schlagworten: Zukunft, Vampirherrschaft, Menschen pflanzen sich zu langsam fort, Vampir-Panik, fieberhafte Suche nach Ersatzstoff, Widerstand unter den Menschen. Mmmh.

Sieht nach actionreichem, uninteressantem US-Standardkino aus

Eine Nummer kleiner (Adrien Brody & Sarah Polley), ambitionierter und vermutlich mit B-Movie-Einschlägen ist SPLICE. Dieser läuft später im Kino (3.6.). Die Story stammt aus der Feder des CUBE-Schöpfers Vincenzo Natali, der auch Regie führte. Jungen Eheleuten, erfolgreiche Biogenetik-Forscher, die Tiere miteinander kreuzen, sprich Hybride fabrizieren, geht das Geld aus. Um die Schließung ihres Labors zu verhindern, lassen sie sich dazu überreden eine Mensch-Tier-Kreuzung herzustellen, die zunächst wie ein glipschiges Huhn, später wie ein außerirdisches Baby und schließlich wie Sinhead O Connor aussieht (na ja, vielleicht nicht ganz so hübsch).

Die »Geburt« eines menschlichen Hühnchens. Satire auf Alien 2

British Special

Die Briten sind mit zwei Filmen vertreten. RED RIDING: 1974 basiert auf dem ersten Teil einer Bestseller-Trilogie von David Peace. Die Story ist klassisch. In Yorkshire jagt der karrierehungrige Reporter Scoop (Andrew Garfield) einen Serienkiller, der Schulmädchen abmurkst. Bald wird er aber der Gejagde, da es korrupte Bullen gibt, die nicht wollen, dass Scoop herumschnüffelt. Laut Katalog soll der 70th-Style beeindruckend authentisch sein: Klamotten, Autos, Tapete, Haartrachten. Der Film wurde auf 16mm gedreht und dann auf 35mm aufgeblasen, um einen 70er Jahre-Neo-Noir-Thriller-Eindruck zu erwecken. Klingt ganz gut.

Der zweite Film HEARTLESS spielt in der klaustrophobischen und anarchischen Atmossphäre des Londoner East Ends der Gegenwart. Eine maskierte Gang kontrolliert das Viertel – in Wirklichkeit sind es aber keine Homies, sondern böse Höllenwesen. Der Protagonist (Jim Sturgess – hat für HEARTLESS auch drei Songs performt) geht einen Teufels-Pakt ein, damit er besser aussieht – er hat nämlich ein scheußliches Muttermal im Geschicht. Dafür muss er allerdings töten.

Filmlängen:

THE SHOCK LABYRINTH, 89 Min.
SPLICE, 107 Min.
SUMMER WARS, 114 Min.
SURVIVAL OF THE DEAD, 90 Min.
THE COLLECTOR, 88 Min.
DAYBREAKERS, 98 Min.
HEARTLESS, 110 Min.
LA HORDE, 90 Min.
[REC] 2, 85 Min.
RED RINDING: 1974, 102 Min.

22.2., 20.00 Uhr, KYOTO STORY (Kyoto Uzumasa monogatari), OmE, 90 Min.
23.2., 20.00 Uhr, NÉNETTE, OmE, 70 Min.
24.2., 19.00 Uhr, SONA, THE OTHER MYSELF (Sona, mo hitori no watashi), OmE, 82 Min.
24.2., 21.00 Uhr, PUTTY HILL, OmU, 89 Min.
25.2., 19.00 Uhr, THE OATH, OmE, 96 Min.
25.2., 21.00 Uhr, IMANI, OmU, 82 Min.

Filmstatistik

Gesehene Filme: 26

Sektionsverteilung: Forum: 13, Wettbewerb: 5, Panorama: 3, Generation: 4, Berlinale Special: 1

Längster Film: IM ANGESICHTS DES VERBRECHENS (240 Minuten)

Kürzester Film: Trailer mit dem tanzenden Typen, der den echten Berlinaletrailer nachtanzt (49 Sekunden)

Geschwänzte Filme: 2

Abgebrochene Filme: 1 (siehe auch nervigstes Erlebnis)

Längste Einstellung: ca. 45 Minuten (DOUBLE TIDE)

Filmranking

Best of: Bill DOUGLAS-TRILOGIE (Forum), I’M IN TROUBLE (Forum), DER RÄUBER (Wettbewerb), WINTER’S BONE (Forum)

Großer Mist: BRAN NUE DAE (Generation): Entschädigung: Hat großen Spaß gemacht, die Story aufzuschreiben. Liest sich zwar trashig, wird aber total klamottig gespielt.

Charaktere

Schrägster Charakter: 16jährige Emma in LES NUITS DE SISTER WELSH (Generation): schafft sich Parallelwelt, in der sich ihre Mutter (Männerhasserin) und eine Schwester Welsh (hoffnungslose Romantikerin) in einem mittelalterlichen Burgverlies rumstreiten

Interessantester Charakter: Johann Rettenberger (DER RÄUBER)

Toughester Charakter: Lee (WINTER’S BONE)

Drumherum

Geht gar nicht: Esserei an der Potse: teuer & schlecht (z.B. Asiate in den Arcarden: 6 € für Tofu, Kokosnusssoße, Reis & angeblichem Gemüse (das sieht nämlich so aus, als ob es ausversehen hineingefallen wäre: 4 Blättchen Petersilie, eine Zuckererbsenschote)

Erstaunlichstes Erlebnis: subjektiv-empfundene Zeit bei Experimentalfilm (DOUBLE TIDE) mit zwei Einstellungen (Gesamtlänge = 99 Minuten) dehnt sich nicht, sondern verkürzt sich (gefühlte Zeit: ca. 50 Min, reale Zeit: 99 Min.)

Nervigstes Erlebnis: ZONA SUR im Cinemaxx: Overbooked! Leute saßen zu dritt auf einer Treppenstufe. Nach 20 Minuten war die Luft so heiß und stickig, dass ich mit meinen Fahrradklamotten komplett nass war. Musste Vorstellung abbrechen und brauchte von der allerletzten Reihe eine ganze Weile, ehe ich mich zum Ausgang gekämpft hatte. (Dazu ein Film, der vorgibt, das alltägliche Gelaber von Boliviens Oberschicht nachzuempfinden und einem die englischen Untertitel mit belanglosem Inhalt im Stakkato nur so reinknallte, war das absolut Nervigste auf dieser Berlinale.)

Zweites nervigstes Erlebnis: Ich schreib andauernd »Die Räuber«… also falls es noch irgendwo falsch stehen sollte, Schiller ist dran schuld.

Warum immer wieder Berlinale? nach wie vor – viele unterschiedliche Filme nacheinander sehen

Event Kino

(Perlentaucher beschreibt eine Szene, die bei der Pressevorführung von Roehlers JUD SÜß – FILM OHNE GEWISSEN »Pfui«-Rufe auslöste.)

Der ungefähre Bildausschnitt von DOUBLE TIDE (Foto: Berlinale 2010)

Als ich mir die Karte für diese Vorstellung holte, meinte Holger: »Du weißt schon auf was du dich da einlässt? Du musst einer Muschelsammlerin 99 Minuten bei der Arbeit zu sehen.« – »Kein Problem – ich liebe Muschelnsammeln!«

Ich wusste allerdings nicht, dass dieser 99-Minuten-Film aus nur zwei Einstellungen besteht, die sich nur zeitlich, nicht aber örtlich unterscheiden. DOUBLE TIDE zeigt den gleichen Bildausschnitt (siehe oben): einmal morgens, einmal abends. Dann geht nämlich die Muschelsammlerin für jeweils 45 Minuten ins Watt, wühlt im Schlamm und sammelt die Muscheln in ein Eimerchen.

Die Schwarz-Weiß-Einstellung im 4:3-HD-Format beginnt im Morgennebel. Die Muschelsammlerin kommt ins Bild und zieht eine Art Mini-Boot hinter sich her. Dann bückt sie sich, greift ca. mit dem halben Unterarm in den Schlamm, erfasst eine Muschel – wir bekommen nicht eine vor Gesicht (wie auch, dafür wäre ein Schnitt erforderlich) – rüttelt, damit sich der Sandschlamm etwas lockert und sie die Muschel herausziehen kann, packt sie in das Eimerchen. Dabei entfernt sie sich von ihrem Miniboot und der Kamera immer weiter, bis sie nur noch als entfernter Punkt erkennbar ist. Das ist die Handlung.

Da ich nicht weiß, dass DOUBLE TIDE aus nur zwei Einstellungen besteht, sage ich mir: Mal sehen, wie lange diese Einstellung noch dauert. Irgendwann muss sie ja mal aus dem Bild laufen. Der Wald links ist schemenhaft zu erkennen. Man sieht das Watt im Vordergrund und die Muschelsammlerin – alles andere versinkt im Nebel.

Nach einer gefühlten Zeit von zehn Minuten verläßt der erste Zuschauer den Saal. Das geht dann ungefähr 20-30 Minuten so weiter – dann ist erst mal Ruhe. Inzwischen denke ich mir: Der Schnitt kommt bestimmt doch nicht so schnell. Ich komme mir albern vor, dass ich mir das angucke. Dann freue ich mich, dass ich einen Experimentalfilm erwischt habe. Vielleicht kann ich Holgers James Benning mit seinen zehn Einstellungen auf 100 Minuten mit DOUBLE TIDE übertreffen.

Inzwischen schweife ich ab, überlege wie teuer wohl ein BVG-Ticket für drei Tage sein mag oder ob ich die letzten Berlinale-Tage doch mit dem Fahrrad fahren sollte. Andererseits sind meine Augen immer noch vereitert – wie sich heute herausstellte – ich müsste sie eigentlich windtechnisch schonen…

Auf dem Screen vor mir hat sich nicht viel verändert. Die Muschelsammlerin ist fleißig bei der Arbeit, während ich faul im Kinosessel lümmle. Vögel sind zu hören, alle paar Minuten nervt ein Nebelhorn. Neben mir wird getuschelt und gekichert. Ich muss auch grinsen: Wenn DOUBLE TIDE ein Bildschirmschoner wäre, würde ich ihm einen Preis verleihen. Tatsächlich ist nämlich kein Bild (= 23,98tel Sekunde) wie das andere.

Plötzlich erkenne ich, dass der Film gar nicht Schwarz-Weiß ist, sondern in Farbe. Der Nebel, der sich nun zu lichten scheint, lässt am linken Waldrand erste Farbflecken durchschimmern. Und jetzt kommt Action in die Szene: Der Nebel lichtet sich tatsächlich! Er gibt den Blick immer mehr frei. Am Horizont haben inzwischen Punkte meine Aufmerksamkeit geweckt. Sind das Menschen? Bewegen die sich? Ich starre konzentriert auf den Screen. Tatsächlich, die bewegen sich. Sie vollführen die gleiche Bewegung wie unsere Muschelsammlerin. Andere Muschelsammler.

Inzwischen hat sich der Nebel gänzlich verzogen. Flugzeuglärm ist zu hören. Die Muschelsammlerin ist inzwischen nur noch ein Punkt, weit entfernt. Und dann…Cut! Schwarzer Screen! Wow! Ein Raunen geht durch die Zuschauerreihen, als wäre der Schnitt soeben erfunden worden.

Dann: gleiche Einstellung. Vom Licht her nun offenbar Abend. Es ist wieder dämmrig, aber irgendwie anders. Es schwirren mehr Insekten vor der Kamera herum.

Gefühlte Zeit: ca. 30 Minuten. Ich schweife wieder ab. Denke an die noch kommenden Filme und, dass es gar nicht mehr so viele sind. Inzwischen bewegen sich die Zuschauer umgekehrt – es kommen ein paar Leute von draußen rein und setzen sich in den Saal. Jetzt grinsen die vor mir. Und ich grinse, weil ich mir Folgendes vorstelle: Wenn jemand Bekanntes neben mir sitzen würde, würde ich jetzt aufs Klo gehen und ihm vorher zu flüstern: »Erzähl mir dann was passiert ist!«

Die Muschelsammlerin sammelt und sammelt fleißig. Die Sonne geht unter und es wird langsam Abend. Wieder entfernt sie sich immer weiter von der Kamera. Plötzlich sehe ich einen Vogel rechts. Er steht da ewig rum. Dann schweife ich wieder ab und als ich mich erneut auf den Vogel konzentriere, merke ich, dass er inzwischen weiter nach links gewandert ist. Die Muschelsammlerin ist wieder nur ein Punkt, kommt dann aber zu ihrem Miniboot, säubert alles. Dann: Cut und Abspann! Verblüffung! Gefühlte Zeit: ca. 50 Min. Real vergangene Zeit: 99 Min. Yes: Zwei Einstellungen! Yes: Ich habe Holger um acht Einstellungen weniger übertroffen! Yes: Ich habe endlich einen richtigen Experimentalfilm gesehen!

Als im Abspann »Editor: May Rigler« auftaucht: Gelächter. Das ist der vierte Film von Sharon Lockhart zum Thema Arbeit.