Den Auftakt bilden München und Stuttgart (13.3./14.3.), gefolgt von Berlin und Hamburg (20.3./21.3.), Nürnberg (26.3./28.3.), Köln (26.3./27.3.) und Frankfurt (27.3./28.3.). Die zehn Häppchen bilden einen netten Querschnitt des modernen Genrefilms von der Anime, in der sich ein Hacker der Identität eines fremden Internet-Avatars bemächtigt und damit die Weltherrschaft an sich reißt, über SciFi-Horror, in dem Vampire die Welt regieren und Menschen als Nahrungsqelle halten bis hin zu biogenetischen Tier-Mensch-Hyprid-Experimenten, Zombies in Vorortplattenbauten und J-Horror in 3D. Die Filme kommen aus Japan, Frankreich, Spanien, Großbritannien und den USA. Ein Blick auf die nationalen Filmschmieden des Genrefilms.

Horror-»Realismus«, made in Spain….

Zunächst sei da der spanische [REC]2 genannt, der in Deutschland nun endlich mal zu sehen ist. Beim FFF 09 war ich enttäuscht, dass das Sequel nicht im Programm war. Im Herbst gab es ein Kuddelmuddel mit dem offiziellen Kinostart (erst angekündigt, dann gestrichen), ein Kuddelmuddel mit dem offiziellen DVD-Start (gleiches Prozedere) … Inzwischen hat man schon einiges über den [REC]-Nachfolger gehört, nämlich nichts Gutes. Als ich dann in einem Interview mit den Regisseuren las (ich glaube, in deadline), dass sie selbst so ein bisschen mit ihrem Sequel hadern und dass sie definitiv keine Fortsetzung planen, hatte ich mit [REC] 2 schon abgeschlossen. Man lese und staune: Im Fantasy-Filmfest-Mini-Katalog (Pdf) ist nun zu lesen, dass ein Prequel sowie ein weiteres Sequel (Ausbruch der Apokalypse) geplant ist…

Für Uneingeweihte ein Rückblick auf das Original: Ein spanisches Boulevard-Doku-TV-Team à la Vox (»Schneller als die Polizei erlaubt«) »soapt« eine Feuerwehreinheit bei der täglichen Arbeit. Die quirlig-nervige, penetrante TV-Moderation Angela und ihr Kamera-Boy müssen nicht lange warten: Die Einheit rückt aus, um eine hilflos-schreiende Alte in einem uralten Mietshaus zu beruhigen. Es handelt sich jedoch nicht um eine demenzkranke, irre Señora, sondern um einen Zombie. Bald befinden sich die Akteure in Qarantäne (so auch der Titel des US-Remakes). Das Besondere: [REC] verwendet zwar die seit THE BLAIR WITCH PROJECT zum Standard erkorene Realismus-Ästhetik des Wackel-Camcorders, bindet sie aber an eine Story, die diesen inflatiornären Stil, den die quotenhungrigen TV-Dokus dankbar aufgegriffen haben, auf einer höheren Ebene kritisiert. Auch sonst zeigt dieser absolut gruselige Genre-Film ein exzellentes Gespür für zeitgenössische Zivilisationskrankheiten: Der »alltägliche Rassismus« krassiert unter den Mietern ebenso wie der Kontrollwahn im hypernervösen Polizeistaat: Nicht zuletzt wird auch das in [REC] heiß diskutiert: Die Eingeschlossenen wissen zunächst nämlich nicht, weshalb sie unter Quarantäne stehen. Es ist schwer, diese gelungene Story noch zu übertreffen. Man darf davon ausgehen, dass [REC]2 nur ein müdes Sequel ist, das im Schatten seines erfolgreichen Vorgängers steht.

…or in France

Seit längerer Zeit gelten die Franzosen als Geheimtipp in Sachen Horror. Ob sie diesen Ruf nun einem Pascal Laugier (MARTYRS, 2008) oder einem Alexandre Aja (HAUTE TENSION, 2003; THE HILLS HAVE EYES, 2006) zu verdanken haben – ist mir nicht ganz klar. Fakt ist: Sie gehören neben den Spaniern und den Japanern, zu den Filmnationen, die ihren ganz eigenen cinematographischen Style pflegen und hegen. Und die französischen Filme sprechen ihre eigene Sprache. Während man aber bei den Spaniern vielleicht von einer Ästhetik des unterschwellig Bedrohlichen sprechen kann, die während des Franco-Regimes als Methapher für eine verordnete Sprachlosigkeit entwickelt wurde (Carlos Saura wird häufig als Vorbild genannt oder Victor Erices EL ESPIRITU DE LA COLOMENA, DER GEIST DES BIENENSTOCKS, 1973) und während die Japaner die literarische Tradition der unterdrückten weiblichen Rache aus dem Jenseits immer wieder aufbereiten, haben die Franzosen keine Horror-Tradition in diesem Sinne. Sie sind echte Autorenfilmer, die Horrorelemente für ihren ganz eigenen Stil transformieren, wie LEMMING (Dominik Moll, 2005) und VINYAN (Fabrice Du Welz, 2008). Die Story von LA HORDE von Yannick Dahan erinnert allerdings eher ein bisschen an Romeros DAWN OF THE DEAD. In einem heruntergekommenen Vorort-Plattenbau jagen rachsüchtige Cops Verbrecher. Doch dann toben plötzlich massenhaft Zombies durch die Platte und beide Parteien sitzen auf dem Dach fest. By the Way: Der Zombie-Papa ist mit SURVIVAL OF THE DEAD (Kinostart: 8.4.) ebenfalls vertreten. Ich muss zugeben, dass ich sein DIARY OF THE DEAD nicht gesehen habe. Es soll aber belanglos sein. Angeblich wurde Romero bei SURVIVAL OF THE DEAD von William Wylers Western WEITES LAND beeinflusst.

3-D-Horror-X-Treme aus Japan

3-D hat sich nun spätestens mit AVATAR etabliert, obwohl schon seit längerer Zeit, Versuche im Gange waren, diese Technik, gerade im Horror-Bereich, breiteren Zuschauermassen schmackhaft zu machen. Generell ist dagegen natürlich nichts zu sagen: Irgendwas muss sich die Branche ja einfallen lassen, um die HDV-verwöhnten Potatoes von ihrer Couch wegzulocken. Außerdem galten die Multiplexe, die einzigen, die sich diese teure Technik leisten können, lange Zeit als gebeutelte Verlierer. Cameron ist es gelungen, das Ruder noch mal rumzureißen. Der Mastermind dessen 3-D-Werk THE SHOCK LABYRINTH (Kinostart: 22.4.) auf den FFF-Nights hoffentlich zum Davon-Laufen ist (im positiven Sinne): Takashi Shimizu.

Spontan fällt mir dazu sein JU-ON (2002) und das US-Remake THE GRUDGE (gleicher Regisseur, USA 2004) ein. JU-ON ist ein sehr gelungenes Stück J-Horror, welches an das Masterpiece RINGU (1998) heranreicht. Da ich den Begriff »J-Horror« verwende, möchte ich damit betonen, dass ich den Begriffsschöpfern beipflichte, dass es sich beim so genannten »Japan-Horror« um ein vollkommen eigenes Genre handelt, das von anderen Horrorfilmen, insbesondere den Remakes, abzugrenzen ist: J-Horror erreicht mit minimalen ästhetischen Mitteln, z. B. einer einzige Kameraeinstellung, die nicht in die Gesamtchoreographie passt, ein äußerst unangenehmes Gefühl. Das Remake arbeitet weniger mit einzelnen Disharmonien. Es benötigt einen gesamten Szenenaufbau, arbeitet brachialer, weicht letztendlich immer mehr auf Sound-Effekte aus. Das US-Remake von RINGU, THE RING (2002) füllt die Lücken, die das japanische Original hinterlässt, mit Erklärungen und Motiven. Der J-Horror reicht weit zurück auf die literarische, traditionelle Geistergeschichte, die keinerlei logischer Motive, was das Wirken Toter betrifft, bedarf. Die Story von THE SHOCK LABYRINTH ist – nun ja – traditionell: Eine tote Freundin, die während eines heimlichen Besuchs in einem Gruselkabinett (wahrscheinlich die japanische Variante der Geisterbahn) zu Tode kam (was für ein Blödsinn!) lässt wieder von sich hören. Schuldig sind natürlich die jugendlichen Protagonisten, die nach dem Zehn-Kleine-äh-Männlein-Prinzip dezimiert werden. Und natürlich ist so ein Grusellabyrinth besonders geeignet, in 3 D dargestellt zu werden. Hoffentlich ist THE SHOCK LABYRINTH wirklich J-Horror und nicht krachiges 3-D-Kino à la AVATAR.

Der Anime SUMMER WARS lief schon auf der Berlinale. Hier mal ein Perlentaucher-Text.

Starbesetzte us-amerikanische Standardcoproduktionen

DAYBREAKERS wird in Deutschland nur auf DVD vermarktet (ab 16.7.) und ist mit lauter Stars besetzt: Willam Dafoe, Ethan Hawke, Isabel Lucas, Sam Neill. Mir ein bisschen zu fett. Story in Schlagworten: Zukunft, Vampirherrschaft, Menschen pflanzen sich zu langsam fort, Vampir-Panik, fieberhafte Suche nach Ersatzstoff, Widerstand unter den Menschen. Mmmh.

Sieht nach actionreichem, uninteressantem US-Standardkino aus

Eine Nummer kleiner (Adrien Brody & Sarah Polley), ambitionierter und vermutlich mit B-Movie-Einschlägen ist SPLICE. Dieser läuft später im Kino (3.6.). Die Story stammt aus der Feder des CUBE-Schöpfers Vincenzo Natali, der auch Regie führte. Jungen Eheleuten, erfolgreiche Biogenetik-Forscher, die Tiere miteinander kreuzen, sprich Hybride fabrizieren, geht das Geld aus. Um die Schließung ihres Labors zu verhindern, lassen sie sich dazu überreden eine Mensch-Tier-Kreuzung herzustellen, die zunächst wie ein glipschiges Huhn, später wie ein außerirdisches Baby und schließlich wie Sinhead O Connor aussieht (na ja, vielleicht nicht ganz so hübsch).

Die »Geburt« eines menschlichen Hühnchens. Satire auf Alien 2

British Special

Die Briten sind mit zwei Filmen vertreten. RED RIDING: 1974 basiert auf dem ersten Teil einer Bestseller-Trilogie von David Peace. Die Story ist klassisch. In Yorkshire jagt der karrierehungrige Reporter Scoop (Andrew Garfield) einen Serienkiller, der Schulmädchen abmurkst. Bald wird er aber der Gejagde, da es korrupte Bullen gibt, die nicht wollen, dass Scoop herumschnüffelt. Laut Katalog soll der 70th-Style beeindruckend authentisch sein: Klamotten, Autos, Tapete, Haartrachten. Der Film wurde auf 16mm gedreht und dann auf 35mm aufgeblasen, um einen 70er Jahre-Neo-Noir-Thriller-Eindruck zu erwecken. Klingt ganz gut.

Der zweite Film HEARTLESS spielt in der klaustrophobischen und anarchischen Atmossphäre des Londoner East Ends der Gegenwart. Eine maskierte Gang kontrolliert das Viertel – in Wirklichkeit sind es aber keine Homies, sondern böse Höllenwesen. Der Protagonist (Jim Sturgess – hat für HEARTLESS auch drei Songs performt) geht einen Teufels-Pakt ein, damit er besser aussieht – er hat nämlich ein scheußliches Muttermal im Geschicht. Dafür muss er allerdings töten.

Filmlängen:

THE SHOCK LABYRINTH, 89 Min.
SPLICE, 107 Min.
SUMMER WARS, 114 Min.
SURVIVAL OF THE DEAD, 90 Min.
THE COLLECTOR, 88 Min.
DAYBREAKERS, 98 Min.
HEARTLESS, 110 Min.
LA HORDE, 90 Min.
[REC] 2, 85 Min.
RED RINDING: 1974, 102 Min.

22.2., 20.00 Uhr, KYOTO STORY (Kyoto Uzumasa monogatari), OmE, 90 Min.
23.2., 20.00 Uhr, NÉNETTE, OmE, 70 Min.
24.2., 19.00 Uhr, SONA, THE OTHER MYSELF (Sona, mo hitori no watashi), OmE, 82 Min.
24.2., 21.00 Uhr, PUTTY HILL, OmU, 89 Min.
25.2., 19.00 Uhr, THE OATH, OmE, 96 Min.
25.2., 21.00 Uhr, IMANI, OmU, 82 Min.

Filmstatistik

Gesehene Filme: 26

Sektionsverteilung: Forum: 13, Wettbewerb: 5, Panorama: 3, Generation: 4, Berlinale Special: 1

Längster Film: IM ANGESICHTS DES VERBRECHENS (240 Minuten)

Kürzester Film: Trailer mit dem tanzenden Typen, der den echten Berlinaletrailer nachtanzt (49 Sekunden)

Geschwänzte Filme: 2

Abgebrochene Filme: 1 (siehe auch nervigstes Erlebnis)

Längste Einstellung: ca. 45 Minuten (DOUBLE TIDE)

Filmranking

Best of: Bill DOUGLAS-TRILOGIE (Forum), I’M IN TROUBLE (Forum), DER RÄUBER (Wettbewerb), WINTER’S BONE (Forum)

Großer Mist: BRAN NUE DAE (Generation): Entschädigung: Hat großen Spaß gemacht, die Story aufzuschreiben. Liest sich zwar trashig, wird aber total klamottig gespielt.

Charaktere

Schrägster Charakter: 16jährige Emma in LES NUITS DE SISTER WELSH (Generation): schafft sich Parallelwelt, in der sich ihre Mutter (Männerhasserin) und eine Schwester Welsh (hoffnungslose Romantikerin) in einem mittelalterlichen Burgverlies rumstreiten

Interessantester Charakter: Johann Rettenberger (DER RÄUBER)

Toughester Charakter: Lee (WINTER’S BONE)

Drumherum

Geht gar nicht: Esserei an der Potse: teuer & schlecht (z.B. Asiate in den Arcarden: 6 € für Tofu, Kokosnusssoße, Reis & angeblichem Gemüse (das sieht nämlich so aus, als ob es ausversehen hineingefallen wäre: 4 Blättchen Petersilie, eine Zuckererbsenschote)

Erstaunlichstes Erlebnis: subjektiv-empfundene Zeit bei Experimentalfilm (DOUBLE TIDE) mit zwei Einstellungen (Gesamtlänge = 99 Minuten) dehnt sich nicht, sondern verkürzt sich (gefühlte Zeit: ca. 50 Min, reale Zeit: 99 Min.)

Nervigstes Erlebnis: ZONA SUR im Cinemaxx: Overbooked! Leute saßen zu dritt auf einer Treppenstufe. Nach 20 Minuten war die Luft so heiß und stickig, dass ich mit meinen Fahrradklamotten komplett nass war. Musste Vorstellung abbrechen und brauchte von der allerletzten Reihe eine ganze Weile, ehe ich mich zum Ausgang gekämpft hatte. (Dazu ein Film, der vorgibt, das alltägliche Gelaber von Boliviens Oberschicht nachzuempfinden und einem die englischen Untertitel mit belanglosem Inhalt im Stakkato nur so reinknallte, war das absolut Nervigste auf dieser Berlinale.)

Zweites nervigstes Erlebnis: Ich schreib andauernd »Die Räuber«… also falls es noch irgendwo falsch stehen sollte, Schiller ist dran schuld.

Warum immer wieder Berlinale? nach wie vor – viele unterschiedliche Filme nacheinander sehen

Event Kino

(Perlentaucher beschreibt eine Szene, die bei der Pressevorführung von Roehlers JUD SÜß – FILM OHNE GEWISSEN »Pfui«-Rufe auslöste.)

Der ungefähre Bildausschnitt von DOUBLE TIDE (Foto: Berlinale 2010)

Als ich mir die Karte für diese Vorstellung holte, meinte Holger: »Du weißt schon auf was du dich da einlässt? Du musst einer Muschelsammlerin 99 Minuten bei der Arbeit zu sehen.« – »Kein Problem – ich liebe Muschelnsammeln!«

Ich wusste allerdings nicht, dass dieser 99-Minuten-Film aus nur zwei Einstellungen besteht, die sich nur zeitlich, nicht aber örtlich unterscheiden. DOUBLE TIDE zeigt den gleichen Bildausschnitt (siehe oben): einmal morgens, einmal abends. Dann geht nämlich die Muschelsammlerin für jeweils 45 Minuten ins Watt, wühlt im Schlamm und sammelt die Muscheln in ein Eimerchen.

Die Schwarz-Weiß-Einstellung im 4:3-HD-Format beginnt im Morgennebel. Die Muschelsammlerin kommt ins Bild und zieht eine Art Mini-Boot hinter sich her. Dann bückt sie sich, greift ca. mit dem halben Unterarm in den Schlamm, erfasst eine Muschel – wir bekommen nicht eine vor Gesicht (wie auch, dafür wäre ein Schnitt erforderlich) – rüttelt, damit sich der Sandschlamm etwas lockert und sie die Muschel herausziehen kann, packt sie in das Eimerchen. Dabei entfernt sie sich von ihrem Miniboot und der Kamera immer weiter, bis sie nur noch als entfernter Punkt erkennbar ist. Das ist die Handlung.

Da ich nicht weiß, dass DOUBLE TIDE aus nur zwei Einstellungen besteht, sage ich mir: Mal sehen, wie lange diese Einstellung noch dauert. Irgendwann muss sie ja mal aus dem Bild laufen. Der Wald links ist schemenhaft zu erkennen. Man sieht das Watt im Vordergrund und die Muschelsammlerin – alles andere versinkt im Nebel.

Nach einer gefühlten Zeit von zehn Minuten verläßt der erste Zuschauer den Saal. Das geht dann ungefähr 20-30 Minuten so weiter – dann ist erst mal Ruhe. Inzwischen denke ich mir: Der Schnitt kommt bestimmt doch nicht so schnell. Ich komme mir albern vor, dass ich mir das angucke. Dann freue ich mich, dass ich einen Experimentalfilm erwischt habe. Vielleicht kann ich Holgers James Benning mit seinen zehn Einstellungen auf 100 Minuten mit DOUBLE TIDE übertreffen.

Inzwischen schweife ich ab, überlege wie teuer wohl ein BVG-Ticket für drei Tage sein mag oder ob ich die letzten Berlinale-Tage doch mit dem Fahrrad fahren sollte. Andererseits sind meine Augen immer noch vereitert – wie sich heute herausstellte – ich müsste sie eigentlich windtechnisch schonen…

Auf dem Screen vor mir hat sich nicht viel verändert. Die Muschelsammlerin ist fleißig bei der Arbeit, während ich faul im Kinosessel lümmle. Vögel sind zu hören, alle paar Minuten nervt ein Nebelhorn. Neben mir wird getuschelt und gekichert. Ich muss auch grinsen: Wenn DOUBLE TIDE ein Bildschirmschoner wäre, würde ich ihm einen Preis verleihen. Tatsächlich ist nämlich kein Bild (= 23,98tel Sekunde) wie das andere.

Plötzlich erkenne ich, dass der Film gar nicht Schwarz-Weiß ist, sondern in Farbe. Der Nebel, der sich nun zu lichten scheint, lässt am linken Waldrand erste Farbflecken durchschimmern. Und jetzt kommt Action in die Szene: Der Nebel lichtet sich tatsächlich! Er gibt den Blick immer mehr frei. Am Horizont haben inzwischen Punkte meine Aufmerksamkeit geweckt. Sind das Menschen? Bewegen die sich? Ich starre konzentriert auf den Screen. Tatsächlich, die bewegen sich. Sie vollführen die gleiche Bewegung wie unsere Muschelsammlerin. Andere Muschelsammler.

Inzwischen hat sich der Nebel gänzlich verzogen. Flugzeuglärm ist zu hören. Die Muschelsammlerin ist inzwischen nur noch ein Punkt, weit entfernt. Und dann…Cut! Schwarzer Screen! Wow! Ein Raunen geht durch die Zuschauerreihen, als wäre der Schnitt soeben erfunden worden.

Dann: gleiche Einstellung. Vom Licht her nun offenbar Abend. Es ist wieder dämmrig, aber irgendwie anders. Es schwirren mehr Insekten vor der Kamera herum.

Gefühlte Zeit: ca. 30 Minuten. Ich schweife wieder ab. Denke an die noch kommenden Filme und, dass es gar nicht mehr so viele sind. Inzwischen bewegen sich die Zuschauer umgekehrt – es kommen ein paar Leute von draußen rein und setzen sich in den Saal. Jetzt grinsen die vor mir. Und ich grinse, weil ich mir Folgendes vorstelle: Wenn jemand Bekanntes neben mir sitzen würde, würde ich jetzt aufs Klo gehen und ihm vorher zu flüstern: »Erzähl mir dann was passiert ist!«

Die Muschelsammlerin sammelt und sammelt fleißig. Die Sonne geht unter und es wird langsam Abend. Wieder entfernt sie sich immer weiter von der Kamera. Plötzlich sehe ich einen Vogel rechts. Er steht da ewig rum. Dann schweife ich wieder ab und als ich mich erneut auf den Vogel konzentriere, merke ich, dass er inzwischen weiter nach links gewandert ist. Die Muschelsammlerin ist wieder nur ein Punkt, kommt dann aber zu ihrem Miniboot, säubert alles. Dann: Cut und Abspann! Verblüffung! Gefühlte Zeit: ca. 50 Min. Real vergangene Zeit: 99 Min. Yes: Zwei Einstellungen! Yes: Ich habe Holger um acht Einstellungen weniger übertroffen! Yes: Ich habe endlich einen richtigen Experimentalfilm gesehen!

Als im Abspann »Editor: May Rigler« auftaucht: Gelächter. Das ist der vierte Film von Sharon Lockhart zum Thema Arbeit.

Die beiden koreanischen Produktionen I’m in Trouble (Na-neun gon-kyeung-e cheo-haet-da!) von So Sang-min und Our Fantastic 21st. Century (Neo-wa na-eui i-shib-il-seki) von Ryu Hyung-ki sowie der taiwanisische Film Au Revoir Taipeh (Yi ye Tai bei) des in Kalifornien aufgewachsenen Taiwanesen Arvin Chen sind drei Langfilmdebüts, die – ohne völlig mit den alten Erzählmustern zu brechen – neue filmische Wege beschreiten.

Allzu leicht macht es Sun-woo, die Hauptfigur von I’m in Trouble! dem Zuschauer nicht, ihn zu mögen, wie auch den anderen Protagonisten des Films. Das größte Talent des planlos in den Tag hineinlebenden Müßiggängers Sun-woos besteht darin, seine Freunde immer wieder vor den Kopf zu stoßen und selbst das harmonischste Miteinander in kürzester Zeit in eine Katastrophe zu verwandeln. Als Beruf gibt der moderne Taugenichts Dichter an, weil er irgendwann einmal in der Schule einen Dichterpreis gewonnen hat. Dichten sieht man ihn allerdings nie, dafür ist er meistens betrunken, vor allem wenn er eigentlich mit seiner Freundin Juna verabredet war. Die macht denn auch folgerichtig mit dem labilen Durchhänger Schluß, obwohl der sie auf Knien um Entschuldigung bittet. Nicht zum ersten Mal.

Auch sonst weiß Sun-woo immer wieder seine Umgebung zu schockieren, sei es, weil er nackt und betrunken durch den Ruhebereich eines Schwimmbades torkelt oder einem vorbeifahrenden Taxifahrer eine Macke ins Auto tritt und dafür die Nacht auf der Polizeistation verbringen muss. Was ein derartiges Gammlerleben in der koreanischen Leistungsgesellschaft bedeutet, kann man an den Reaktionen der Umwelt erkennen. “In Europa kannst du als Dichter leben, hier musst du dir einen anständigen Job suchen”, sagt einer seiner Freunde einmal. Ähnlich wie die klassischen Verweigerfiguren von Truffaut oder Godard ist aber auch Sun-woo durchaus liebenswert, weshalb Juna ihm dann doch immer wieder eine weitere Chance gibt. Am Ende des Films raufen sich die beiden wieder einmal zusammen. Wer weiß, für wie lange.

Anders als der labile und hochaggressive Sun-woo weiß die junge Lagerarbeiterin Soo-young in Our Fantastic 21st. Century genau, was sie will – sie will Modedesignerin werden. Dafür muss die schlanke Frau in der koreanischen Gesellschaft aber erst noch weiter abmagern. Eine Körperfettabsaugung kostet auf der anderen Seite aber viel Geld. Geld, das sie eigentlich nicht hat, mit kleinen Betrügereien gegenüber dem Supermarkt, in dem sie arbeitet, aber bekommt. Nur um dann von ihrem eigenen Freund bestohlen zu werden. Natürlich kommt ihr die Firma auf die Schliche, weshalb sie dann zu einem Finanzhai geht, um sich wegen der Schulden Geld zu leihen. Jeder Versuch, sich irgendwie zu retten, führt nur noch tiefer ins Schlamassel, bis am Ende ein glücklicher Zufall doch noch alles zum Guten wendet.

Schon der Titel Our Fantastic 21st. Century zeigt, dass die Story für Regisseur Ryu Hyung-ki mehr ist als nur eine nette kleine Filmgeschichte – hier will einer etwas zur Lage im neuen Jahrhundert sagen. Soo-young steht stellvertretend für “junge Leute zwischen 20 und 30″, sagt der Regisseur, die sogenannte 800000-Won-Generation in Südkorea (ca. 1000 €). Our Fantastic 21st. Century zeichnet ein deprimierendes Bild der jungen Geringverdiener, Hauptfigur Soo-young sieht man im ganzen Film nicht ein einziges Mal lächeln, selbst als sie sich ihren großen Traum endlich doch noch erfüllen kann. Vermutlich ahnt sie da schon, dass nach der Wunscherfüllung im globalisierten Neoliberalismus nur die nächste Enttäuschung wartet.

Arven Chen aus Taiwan gibt im anschließenden Q&A unumwunden zu, dass seine filmischen Vorbilder die Filme der Nouvelle Vague sind. Schon der Filmtitel Au Revoir Taipeh lässt sich so durchaus auch als ästhetisches Statement lesen. Auch die verzweifelten Versuche der Hauptfigur Kai zu Beginn des Films, sich in einer Buchhandlung mit einem Französisch-Lehrbuch die Sprache selbst anzueignen, weil er seiner Freundin nach Paris nachreisen will, kann ebenfalls als versteckter Hinweis des Regisseurs verstanden werden. Taipeh, die Hauptstadt Taiwans, wie Paris, die Stadt schlechthin, aussehen zu lassen, sei sein Ziel gewesen, sagt Chen weiter im Q&A. Das gelingt allerdings nicht ganz, wie er selbst zugibt. Dafür ist Taipeh mit seinen vielen grellbunten Neonlichtern einfach zu asiatisch geprägt.

Au Revoir Taipeh spielt fast ausschließlich in der Nacht und ist doch alles andere als ein düsterer Film geworden. Mit viel Humor erzählt Chen rund um die beiden Hauptfiguren Kai und Susi eine bonbonbunte Screwball-Comedy, in der Kais ebenso großer wie verfressener Freund Gao, der verliebte Immobilien-Hai Bao, der sich zur Ruhe setzen will und eine Bande Möchtegern-Gangster in quietsch-orangen Anzügen, mit denen sie selbst ein halbblinder Polizist in einem ausverkauften Fußball-Stadion sofort wiederfinden würde, die aberwitzige Handlung voran treiben, die letzten Endes natürlich nur dem Ziel dient, Kai und Susi endlich zusammen zu bringen.

In Europa markierte die Nouvelle Vague den Übergang von der Nachkriegsgesellschaft, die den wirtschaftlichen Aufbau vollzog, hin zur modernen Wohlstandsgesellschaft. Die Müßiggänger der französischen Filme der 60′er Jahre wiesen dabei schon voraus auf den Gammler der späteren 68′er. Dass junge asiatische Filmemacher gerade jetzt an diese Traditionen anknüpfen, sagt viel über die wirtschaftliche Stagnation der sogenannten Tigerstaaten. Die Protagonisten der Filme sind Arbeitslose oder Geringverdiener, die keinen Zugang mehr in die Leistungsgesellschaft Südkoreas bzw. Taiwans finden, auch wenn ihre Überlebensstrategien verschieden sind: Rebellion (Sun-woo), Kriminalität (Soo-young) bzw. Flucht (Kai).

»Niemand hätte dem unauffälligen und nur in seiner Eigenschaft als guter Sportler bekannten Rettenberger jene ungeheure Serie an Straftaten zugetraut.« (Zeitungszitat, in: Der Räuber, Martin Prinz)

»Die Figur ist in meinen Augen sehr konsistent und eigentlich nicht schwer zu fassen.« (Benjamin Heisenberg, cargo 4/2009)

Ende der 80er beging der in der österreichischen Presse als »Pumpgun-Ronnie« titulierte Marathonläufer Johann Kastenberger (Wiki-Link) – er trug eine Reagan-Maske – eine Serie von Banküberfällen und einige Morde. Und wie üblich wunderte man sich öffentlich, wie das »Gute« zum »Bösen« passt. Und wie üblich war dieser scheinbare Widerspruch genau der Knackpunkt, an dem sich die Medien und andere Gemüter erhitzten. Kastenberger lieferte mit seiner spektakulären Art und Weise, wie er die Überfälle beging, allerdings auch genügend Futter für die Presse.

Martin Prinz, selbst Läufer, veröffentliche 2002 einen Roman, der auf der realen Figur des Johann Kastenberger basiert. Prinz’ Roman ist eine subtile und interessante Herangehensweise an den Mörder und Bankräuber Kastenberger (im Roman: Rettenberger).

Anders als in Heisenbergs Filmadaption erzählt Prinz nicht chronologisch. Der Roman beginnt mit den letzten vier Tagen: Rettenbergers Flucht aus dem Gefängnis und dem abschließenden Selbstmord. Dieser Erzählstrang wird durch Rückblenden und Zeitungsnotizen durchbrochen. Die Einfühlung in die Figur ist äußerst zurückhaltend, auf den ersten Blick nüchtern und an Fakten orientiert. Da aber Kastenberger ein Marathonläufer war, ebenso wie Prinz, versucht der Autor über diese Ebene des Gemeinsamen eine Annäherung.

»Er braucht einen Weg, muß ihn fest unter seinem Tritt spüren, ihn im schwachen Mondlicht glänzen sehen, um in der Finsternis nicht zu verzweifeln. Und der Räuber läuft schneller, ihm ist, als müsse er fliegen. Jede Steigerung der Trittfrequenz im steileren Gelände erzeugt den Eindruck eines Abhebens, eines kurzen Schwebens.«

Rückblende: »Und mehr noch als die Befriedigung über die zurückgelegten Meter war es vermutlich die Müdigkeit, die ihn das Übrige wieder ertragen ließ. Darin konnte er zurück in den Alltag, in das Einkaufen, das Kochen, das Warten auf die Freundin und die Nähe des gemeinsamen Abende.«

Prinz ist weit davon entfernt, zu psychologisieren, Erklärungen dafür liefern zu wollen, wie Räuber und Läufer zusammenpassen. Das ist auch unnötig: Dass diese beiden Obsessionen – das Räubern ist für Rettenberger auch eine – miteinander harmonieren, dass sie keinen Widerspruch bilden, wie es die Medien suggerierten, ist eigentlich offensichtlich.

Der Roman von Martin Prinz ist zu großen Teilen ein Läuferbuch, hypnotisch, konzentriert, der über das Körperliche den Gemütszustand Rettenbergers ergründet, und manchmal auch – aber sehr vorsichtig – etwas darüber hinausgeht geht. Offensichtlich lag hier genau der Reiz für Benjamin Heisenberg, denn das konnte er nicht 1:1 umsetzen. Er musste über viele Szenen genau wie Prinz äußerlich bleiben, beschreiben und andere Mittel als der Roman finden, um subtile Andeutungen zur Figur Rettenberger zu gewinnen. Eine interessante Herausforderung.

Zunächst änderte er die Struktur. Er chronologisierte die Story weitestgehend. Lange Laufbeschreibungen waren für ihn nicht brauchbar. Das obsessive Laufen/Räubern als Flucht vor dem Alltag löst Heisenberg zum einen szenisch auf, zum anderen musste Andreas Lust als Johann Rettenberger dieses Getriebensein verkörpern. Lust spielt den Rettenberger als vollkommen undurchdringlichen Menschen, der fast schon autistisch ist. Seine Gesichtszüge sind star, maskenhaft. Nur in sehr wenigen Momenten, mit seiner Freundin, kann er diesen Graben kurzzeitig überwinden und aus sich herausgehen.

Es gibt keine Szene in der Rettenberger lächelt – außer einer einzigen: da sieht er sich einen Gangsterfilm im Kino an . Nicht mal als er seine Läufe gewinnt, scheint er zufrieden. Den Sport betreibt er exakt so wie er auch Banken überfällt: risikoreich. Als sei es ihm vollkommen egal, ob er aus Erschöpfung stirbt und ob er geschnappt wird.

Johann Rettenberger (Andreas Lust): der Undurchdringliche, Foto (Berlinale 2010)

Der Weg ist für ihn das Ziel, die Obsession, das Laufen an sich, das Räubern an sich. Es ist der Moment der Befreiung – Heisenberg verwendet hier Opernklänge, während Rettenberger durch zauberhafte Landschaften über Pässe läuft. Die Verknüpfung zu den Banküberfällen muss der Rezipient – wie bei Prinz’ Roman – selbst herstellen, selbstständig herstellen wollen. Der Regisseur deutet, wie der Autor, nur an.

DER RÄUBER ist geprägt durch ruhige, statische Einstellungen. Heisenberg dramatisiert wenig, hauptsächlich, wenn er die Flucht, das Gejagtwerden, Rettenbergers skizziert. Als er – kurzentschlossen – nach einem geglückten Überfall gleich noch eine zweite Bank ausräubert, ist ihm die Polizei dicht auf den Fersen. Sein Run in den Wald ist von Trommelschlägen begleitet.

Die letzte Szene ist die bewegenste: Anders als im Roman erschießt sich Rettenberger nicht. Nach einer spektakulären Verfolgungsjagd bei der er durch Raffinesse und Glück entkommen konnte, fährt er schwer verletzt in einem erbeuteten Auto auf der Autobahn. Er weiß, dass er gleich verbluten wird und nicht mehr lange fahren kann. Er fährt langsam blinkend auf den Standstreifen – genauso wie er nach einem Marathonlauf total erschöpft in die Ziellinie einläuft – mit allerletzter Kraft – und wählt die Nummer seiner Freundin, weil er nicht einsam sterben möchte.

Im Schatten
Regie: Thomas Arslan
Deutschland 2010
85 Min.

Trojan (Misel Maticevic), der Profi (Foto: Berlinale 2010)

Es bietet sich an, an dieser Stelle einen Film zu besprechen, der ebenfalls eine Räubergeschichte beschreibt. Anders als DER RÄUBER ist IM SCHATTEN noch viel mehr Genrefilm. Beide sind dahingehend vergleichbar, dass sie beide nur minimal mit dramatisierenden Mitteln arbeiten.

Thomas Arslan gehört zur so genannten Berliner Schule, die genau dies tut: Entdramatisierung, statische Takes, ein Minimum an Off-Musik (wenn überhaupt), kostengünstiges Arbeiten – kurz: Produktion minimalistischer Filme mit äußerster Nüchternheit. Ich bin ein großer Freund von Minimalismus, aber mit Filmen der Berliner Schule konnte ich nie etwas anfangen. Sie haben nichts zu erzählen und sie sind nervtötend langweilig. Allein eine ästhetische Doktrin zum Maßstab zu erklären, vollkommen egal welcher Thematik ich mich annähere – halte ich einfach für zu formalistisch.

An IM SCHATTEN interessierte mich die Verbindung zwischen Genrethematik und Berliner-Schule-Ästhetik.

Arslan erzählt die Geschichte um Trojan, der aus dem Gefängnis entlassen wird und sich wieder neue kriminelle Jobs sucht. Er sucht alte Verbindungen auf. Einige angeleierte Jobs lässt er platzen, da sie ihm zu risikoreich sind. Dann trifft er sich mit einer Pflichtverteidigerin (Karoline Eichhorn), die durch Zufall einen Geldtransporteur kennengelernt hat, der einen Transporter überfallen will. Über ihn kommt Arslan an Informationen und zieht den Überfall schließlich mit einem Typen durch, den er für professionell hält und der sich eigentlich schon zur Ruhe gesetzt hatte. Inzwischen sind ihm aber schon ein korrupter Bulle und andere Leute auf den Fersen…usw.

IM SCHATTEN ist genau das, was ich vermutet hatte, ein Genrefilm mit Berliner-Schule-Ästhetik und damit ein interessantes Studienobjekt für den Genrefilm.

Anders als DER RÄUBER bezieht der Film die Spannung – ja, sie ist tatsächlich da – nicht aus einem Charakter, sondern aus der Thematik. Hier ist es die Figurenkonstellation, die den Suspense ausmacht. Aslan führt – für einen minimalistischen Film – sehr viele Figuren mit ganz unterschiedlichen Nuancen ein. Sie sind alle hervorragend gespielt, alle trocken (bis auf einen Trunkenbold) und trotzdem so verschieden. Jeder mißtraut jedem und jeder möchten einen Anteil. Wer ist also am Schluss derjenige, der das Geld davontragen wird. Der Profi, der Brutalo, die blonde Frau, der Seriöse….?

Die Berliner-Schule-Ästhetik hat durchaus aus dem Genre noch etwas herauskitzeln können: Dieses Geplante, diese extreme Spannung unter der die Akteure stehen, dieses Mißtrauen – diese knallharte Atmossphäre des Unbehagens. Sowas kann in gewöhnlichen Mainstreamfilmen gar nicht zum Tragen kommen, weil es durch Action für gewöhnlich plattgewalzt wird. Die Strenge der Form erzeugt also durchaus – in diesem Genre (!) ganz neue Qualitäten.

»Ich hab grad angerufen. Eis wird noch weggemacht, Steine weggefegt. Und dann werden wir’s uns noch hübsch gemütlich machen auf die letzten drei Tage.«

(Dieter Kosslick auf Radio Eins)

Im breiten Österreichisch: »Bei der Tötung eines Beamten ist die Polizei etwas… energischer.«

(Beim Verhör von Rettenbergers Freundin, DIE RÄUBER, Text dazu in Kürze)