Nesvatbov (Matchmaking Mayor)
R: Erika Hníková
SK/CZ 2010
72 Min
20.2. CineStar 8, 22.00h

Diese zwei sehr unterschiedlichen Dokus thematisieren Widerstände einzelner Protagonisten gegen den ökonomisch bedingten Wandel auf dem Lande. In dem poetischen und äußerst gelungenen Schwarz-Weiß-Film AN ENGEL VAN DOEL soll ein Dorf wegen des Ausbaus des Antwerpener Hafens umgesiedelt werden – die 75jährige Protagonistin Emilienne und ein Priester kämpfen dagegen an. In der Slowakischen Republik sind ganze Regionen wegen Landflucht so dünn besiedelt, dass immer mehr Bewohner Single bleiben, weil ihnen die Auswahl fehlt. Der zwiespältige und konservative Bürgermeister aus NESVATBOV (MATCHMAKING MAYOR) hat sich die absurde Aufgabe gestellt, sie miteinander zu verkuppeln.

Sorgfältig ausgewählte, poetisch-metaphorische Schwarz-Weiß-Bilder prägen den Stil von AN ANGEL IN DOEL. Das Dorf Doel, ca. 25 km nördlich von Antwerpen, ist ein Geisterdorf mit dem dazugehörigen Geisterschiff, einem Frachter, der sich schemenhaft und riesig durch den Nebel am Hafen schiebt. Die kleinen menschenleeren Straßen und Gässchen sind von zahlreichen, herrenlosen Katzen okkupiert. Die meisten Wohnungen sind verlassen, überall klappern offene Fenster. An den Fassaden hängen Transparente, die Widerstand verkünden, aber es scheint kaum noch jemand da zu sein, der ihn ausüben könnte.

Es gibt zwei Orte, an denen sich die paar dagebliebenen Alten treffen: die Kirche, in der der alte und kranke Priester versucht, die immer weiter schrumpfende Gemeinschaft durch Glauben zu beschwören und Emiliennes Küchentisch. Meistens reden sie vom Tod: Wer es denn schon hinter sich hat und welche gesetzlichen Bestimmungen es für Grabsteine es gibt.

Der Regisseur Tom Fassaert hat über einen längeren Zeitraum an dieser Dokumentation gedreht, sich Zeit gelassen. Dabei lassen einen die sorgfältig inszenierten Bilder, die erstaunliche Nähe der Kamera zu seinen Protagonisten und der Spannungsbogen fast vergessen, dass es sich um eine Doku handelt. Als der alte und kranke Priester von Doel stirbt, flattern die ersten Räumungstermine ins Haus. Vielmehr hätte man von Emilliennes verrückter Freundin erwartet, dass sie sich zur Wehr setzt. Doch es ist Emillienne, die zum Bürgermeister fährt und später die Annahme der Räumungsbriefe verweigert. Zum Schluss erzählt sie – nun das erste Mal direkt in die Kamera – dass sie jetzt weiß, wie sie sterben möchte: Mit einer Zigarette, einem Glas Wein und in dem Moment, wenn die Abrissbagger zu ihrem Haus kommen. Trotz seines düsteren Themas bringt AN ANGEL IN DOEL das Kunststück fertig, nicht deprimierend zu wirken – die Protagonisten sind einfach zu lebendig.

Störrische Landeier vs. diktatorischer Bürgermeister

(Foto: Berlinale)

Ganz und gar andere Töne schlägt NESVATBOV (MATCHMAKING MAJOR) an. Der ruppige Bürgermeister eines slowakischen Dorfes hat rund um das Rathaus Lautsprecher anbringen lassen, aus denen er einen Feldzug gegen das Aussterben der Landbevölkerung verkündet. Er appelliert an jeden Single, sich zu besinnen, seine Pflicht wahrzunehmen und eine Familie zu gründen. Später organisiert er eine Single-Party mit Tombola und Band, die natürlich gründlich schief geht.

Der Regisseurin Erika Hníková gelingt es nicht, die Distanz zwischen Kamera und Einwohnern abzubauen. Die Singles, die sie ausgewählt hat, bleiben vor der Kamera kleinlaut und verschlossen. Der Bürgermeister gibt sich zwar sehr konservativ, aber offen und logisch argumentierend. Bei den Vorbereitungen zur Party grinst er häufig in die Kamera und beschreibt idealisierend und übertrieben sein eigenes Vorhaben. Man erhält den Eindruck, dass alles nur eine sehr spaßige Angelegenheit ist, die von den Initiatoren selbst nicht allzu ernst genommen wird.

Nur in zwei, kurzen Szenen entlarvt Hníková die ganze Stimmung als weniger harmlose Angelegenheit. Einmal als es gerade wieder aus den Lautsprechern kracht, beschwert sich ein auf der Parkbank sitzendes Pärchen über die Allüren des Dorfsherriffs. Er sei schlimmer als ein Diktator. Am Rande eines Fußballspiels läuft die Kamera heimlich mit. Der Chef des Dorfes und ein ambitionierter Single-Mann meckern dort ziemlich aggressiv über das vernichtende Ergebnis der Singleparty. Solch enormer Aufwand und hohe Kosten, ohne, dass die ins Bett zu kriegen gewesen wären. Mein Vorschlag: Vielleicht sollte man sie einfach zwangsverheiraten.

Haben wir nur Angst vor dem Irrationalen?

(Foto: Berlinale)

17.2. CineStar 8 19.15h
19.2. Arsenal 1 17.30h
20.2. Cubix 9 20.00h

Ein Film über Kernenergie kommt genau zur richtigen Zeit. Wer aber eine Anti-Atomkraft-Doku erwartet, wird von UNTER KONTROLLE enttäuscht sein. Wer wissenschaftliche Aufklärung erwartet, ebenfalls. Der Dokumentarist Volker Sattel betrachtet das Thema eher etymologisch und mit großer Distanz. Seine These: Die Zeit der Atomenergie ist vorbei. Auf der einen Seite stehen die Wissenschaftler, auf der anderen die unbändige Angst vor dem Gau und dem Atommüll. Eine streitbare Doku.

Die Chronologie: Zuerst werden noch in Betrieb stehende Kernkraftwerke in Deutschland und Österreich gezeigt. Es folgen Behörden der Atomindustrie (IAEA, Institut für Risikoforschung Wien), dann ein Zwischenlager und das Endlager Morsleben. Zum Schluss sehen wir stillgelegte Atomkraftwerke und solche, die nie in Betrieb genommen wurden.

Die Doku gelangt zu der m. E. streitbaren These, der Traum für die einen oder der Alptraum für anderen, ist beendet. Ich halte dies für sehr gewagt, jetzt nachdem Obama verkündet hat, eine neue Generation von «sicheren und sauberen» Kernkraftwerken bauen zu wollen. Nachdem Asiens Industrien wie Pilze aus dem Boden schießen, nach mehr Energie schreien und dafür auch die Seelen ihrer Großmütter verkaufen würden. Nach der Laufzeitverlängerung bei uns. Ist es nicht etwas verfrüht, diese Energiegewinnung zu den geschlossenen Akten zu legen?

Ein visueller Gewinn für den Film ist es, dass Sattel aus diesem Blickwinkel heraus, das Thema mit ruhiger Distanz betrachten kann, anstatt langweilige Talking Heads zu liefern. Wir sehen abgespacte Räume mit lauter Technikkram, ein Industriebetrieb, der eher einem Hollywood-SciFi-Blockbuster ähnelt. Wir hören kryptische Dialoge der morgendlichen Crew-Sitzungen, die sich mit Zahlen- und Buchstabenkollonnen beschäftigen. Sattel filmt den merkwürdigen Kontrast zwischen Kühltürmen und Naturidylle. Science Fiction, hier und jetzt, aber doch veraltet. – »Tschernobyl hat uns das Genick gebrochen«, so der Verwalter eines stillgelegten Kraftwerks.

UNTER KONTROLLE spürt den brennenden Fragen zwar nach, bohrt aber nicht tiefer. Angesichts der vielen Kubikmeter radioaktiven Abfalls, die im ERAM Morsleben gezeigt werden, erscheint Obamas Forderung utopisch. Ob es theoretisch jemals gelingen könnte, Kernenergie ohne Abfall zu produzieren, hinterfragt Sattel nicht. Auch die Sicherheit wird beleuchtet, doch auch hier gewinnt die Doku keine Klarheit. Ja, ja, sie seien sicher, so die Inspektoren. Wenn ich Sicherheitsinspektor wäre, würde ich das auch sagen. Atomkraftwerke sind Hochsicherheitstrakts, auf der anderen Seite aber steht der Mensch mit seinen Fehlern und Irrtümern. Die AKWs seien so konstruiert, dass Bedienfehler ausgeschlossen wären, so die Inspektoren. Die Katastrophe von Tschernobyl belegt das Gegenteil. Ist es nicht auch ein Paradox, dass einerseits der Faktor Mensch während des Betriebs ausgeschlossen wird, der ganze Mechanismus aber andererseits vom Menschen konstruiert wurde? In der Luftfahrt gibt es die Schweizer-Käsescheiben-Theorie: Jedes Loch stellt eine Sicherheitslücke dar. Legt man viele Käsescheiben übereinander, werden die Löcher geschlossen. Treffen durch Zufall aber viele Löcher an derselben Stellen aufeinander, kommt es zur Katastrophe wie 1986.

Der Dokumentarist findet keine Antworten, sucht aber auch nicht danach. Gezeigt wird lediglich der Kontrast zwischen Technikern und Wissenschaftlern mit ihrem kryptischen Gerede einerseits und den recht unbehaglichen Bilder der AKWs andererseits. Faszinierende, flierende, unheimliche Momentaufnahmen von unverständlichen Schalttafeln, der in Kühlflüssigkeit lagernden Reaktoren und riesigen Sicherheitskomplexe. Die Schleusen und Kammern, in die die Mitarbeiter müssen, die mit der Strahlung in Berührung kamen. Der Wissenschaftler erscheint als ein in Hybris gefangenes Wesen, das einem Roman des beginnenden 20. Jahrhunderts entstiegen ist. Er beschwört eine Art Monster, von dem er behauptet, es kontrollieren zu können. Wenn man noch keine Horrorvision von Atomkraftwerken hatte, so bekommt man sie jetzt. Der Zuschauer kann sich dem Sog schwer entziehen.

Die emotional stark aufgeladenen Bilder spiegeln das Unvorstellbare dieses gefährlichen, aber an sich rationalen Prozesses wider und die niemals restlos geklärte Sicherheitsfrage. Dagegen stehen die Wissenschaftler mit ihrer Rationalität. Das hat Volker Sattel überzeugend umgesetzt. Was fehlt ist sein Standpunkt – man sieht das, was man ohnehin schon weiß.

Irdisches Vergnügen, statt Energie der Zukunft: Wunderland Kalkar

(Foto: Berlinale)

Epilog: Am Ende ein allegorisches Bild: das Wunderland Kalkar, ein Vergnügungspark, in dem ein schneller Brüter steht, der nie in Betrieb ging. Aus den Kühltürmen swingt ein vertikales Kettenkarussell. Die Menschen wollen lieber einfaches mechanisches und irdisches Vergnügen leben, als in einer Zukunftsvision mit unbegrenzten, aber gefährlich gewonnenen, Energien.

L’Encirclement
CA 2008, Richard Brouillette, 160 Min.

The Shock Doctrine (Foto: Berlinale 09) und L’Encirclement verhandeln den antikapitalistischen Diskurs in Zeiten der Finanzkrise und zeigen zwei ganz verschiedene Wege auf, die der Dokumentarfilm nehmen könnte.

Über alle Filme, die derzeit erscheinen und irgendwie mit Wirtschaft zu tun haben, heißt es, sie kämen genau zur richtigen Zeit. Das mag sein – berücksichtigt man aber, wie lange ein Film von der Idee bis zur Postproduktion braucht, dürfte jedem klar sein, dass Michael Winterbottom und Mat Whitecross ebenso wie der französischsprachige Kanadier Richard Brouillette einfach Glück gehabt haben. 12 Jahre lang hat Brouillette an seinem Film angeblich gearbeitet, genauso gut hätten es vermutlich zehn oder 20 Jahre werden können, dann wäre der Film halt zur Unzeit gekommen.

The Shock Doctrine heißt ein Buch von Naomi Klein. Es ist ein Weltbestseller und gilt als Bibel der Globalisierungskritiker. In dem Buch schildert Klein, wie im Gefolge von Katastrophen oder Kriegen neoliberale Wirtschaftskonzepte durchgesetzt werden. Davon erfährt der Zuschauer im Film The Shock Doctrine von Michael Winterbottom und Mat Whitecross leider nur sehr wenig. Die beiden Regisseure trauen ganz offensichtlich nicht dem gesprochenen Wort und ersetzen Theorie oder auch nur Information durch einen entfesselten antikapitalistischen Bildersturm. Atemlos lösen sich da Pinochet, Thatcher, Bush Senior und Bush Junior ab, inmitten einer bunten Flut aus fallenden Bomben, toten Kindern und gefolterten Opfern.

Montage des Greuels: The Shock Doctrine (Foto Berlinale 09).

Dass es bei The Shock Doctrine um Wirtschaft geht, merkt man nur an den häufigeren Einblendungen von Milton Friedman. So entfaltet der Film seine stärksten Momente, wenn er kurz innehält und einfach nur eine Rede Naomi Kleins zeigt.

Nun ist man von Winterbottom gewohnt, dass er nicht wie sein Vorbild Godard mit dem argumentativen Florett fechtet, sondern lieber die Streitaxt nimmt. Mit The Shock Doctrine haben Winterbottom und Whitecross in ihrer sturen Fixiertheit auf bekannte politische Gegner aber ein großes Thema verschenkt.
So kann man dem Film zu Recht vorwerfen, dass er mit propagandistischen Kurzschlüssen, bei denen dann z.B. kurz hintereinander erst fallende Bomben auf den Irak, dann Bush, dann Leichen gezeigt werden, auf billigen Applaus schielt, schließlich sind inzwischen selbst die Republikaner gegen den Irakkrieg.

Schlimmer aber ist, dass sich die Filmemacher in ihrem eigenen Konzept verheddern und Kleins Thesen immer mehr aus den Augen verlieren. Geht es bei Klein noch um die Wirtschaftsreformen im Gefolge von Katastrophen, so montiert der Film The Shock Doctrine die Kriegs- und Greuelbilder so gekonnt hintereinander, dass man am Ende glaubt, Milton Friedman habe als Mastermind und Reinkarnation von Dr. Mabuse alle diese Kriege beschlossen, um seine Wirtschaftskonzepte weltweit durchzusetzen. Dieser reine Propagandafilm verrät leider kaum etwas von der Schocktheorie Naomi Kleins.

Wie wenig Interesse die Filmemacher an einer ernsthaften Auseinandersetzung mit den wirtschaftspolitischen Implikationen hatten und wie sehr sie auf die alten Gegner Thatcher, Pinochet und Bush eingeschworen waren, kann man an den Auslassungen erkennen. Zwei der wichtigsten Beispiele, die Naomi Klein nennt, Südafrika nach der Übernahme durch den ANC und Sri Lanka nach dem Tsunami, werden im Film weggelassen – den Tsunami konnten Winterbottom/Whitecross beim besten Willen nicht Bush in die Schuhe schieben.

Eisernes Talking-Head-Pic und dennochThriller: L’Encirclement: hier Noam Chomsky

Wie man es ganz anders und dabei viel besser macht, zeigt der Kanadier Richard Brouillette mit seinem Film L’Encirclement (Encirclement). L’Encirclement ist ein Monstrum von Film in fast jeder Hinsicht. Gedreht in harten SW-Bildern nähert sich dieser Film der Kritik des Kapitalismus in einer völlig unzeitgemäßen formalen Strenge und asketischen Brillanz. Richard Brouillette traut den Bildern nicht und zeigt deshalb nur redende Menschen. Nur minimal wird Archivmaterial genutzt, und wenn, dann meist nur als Foto. Ansonsten sehen wir mit unbeweglicher Kamera einen Theoretiker, der uns seine Wirtschaftstheorie erläutert, darunter bekannte Kapitalismuskritiker wie Noam Chomsky, aber auch neoliberale Vordenker. Der Gedankengang der Wissenschaftler wird  nicht durch Fragen unterbrochen, so kann man sich beim Zuhören ganz auf die Entwicklung der Argumentation konzentrieren. Richard Brouillette arbeitet als Filmemacher vor allem im Nachhinein, das Material ordnend, der Film wird säuberlich in zwei Teile und beide Teile wieder in fünf Kapitel eingeteilt. Jedes Kapitel wird mit einem Zwischentitel angekündigt und beinhaltet Redebeiträge von ein bis drei Denkern.

Brouillettes Konzept geht auf, die Konzentration auf das gesprochene Wort, die Ideen, machen aus dem scheinbar langweiligen Thema Wirtschaftstheorie einen intellektuellen Thriller, der einen 160 Minuten lang gebannt zuhören lässt. Erst die filmische Beschränkung der Mittel macht diese Spannung möglich. Während Michael Winterbottom und Mat Whitecross Naomi Kleins Thesen in einer Flut aus Bildern ertränken, gelingt es Richard Brouillette mit einfachsten Mitteln uns die Freude daran zurück zu geben, Menschen beim Denken zusehen zu können.

L’Encirclement ist ein filmisches Experiment und Wagnis, das auch den Caligari-Filmpreis hätte gewinnen können. Ob damit die schleichende Michael-Moorisierung des politischen Dokumentarfilms aufgehalten werden kann, muss aber bezweifelt werden. Den Panorama-Publikumspreis hat The Yes-Men fix the World gewonnen.

Zehn Minuten nach Filmbeginn sag ich mir in einem ersten übermüdeten Impuls: Nee, das hältst du nicht durch: Die Regisseurin lässt Teenager über sich erzählen – der Erzählstream bestimmt die Visualität. Ungewohnt! Als plötzlich der Abspann über die Leinwand flimmert, schaue ich verwundert auf die Uhr: Was schon zu Ende?

13 Teenager oder junge Erwachsene erzählen über ihre Gedanken, ihr Leben, über das, was sie grad am meisten beschäftigt – Sexualität, Rollenverhalten, Drogen, Eltern, Anekdoten, Arbeit, Freunde – mit einer Wahrhaftigkeit und Offenheit, die einen erstaunt. Und die Protagonisten sind nicht alle extrovertiert – es sind auch solche dabei, die Schwierigkeiten haben, sich auszudrücken, die ein bisschen kryptisch und metaphorisch reden. Und es sind auch welche, die die Gesellschaft als problematisch einstufen würde. Wie der übergewichtige Dieter, der auf Drogen vor die Kamera tritt, und erzählt, dass er jetzt schon fast 40 Stunden wach ist. Er spricht über sein ADS-Syndrom und wie sie ihn mit Psychopharmaka vollstopft haben. Er wirkt depressiv. Ein anderer bekam die gleiche Diagnose – und hat einfach gelassen gesagt: »Lasst mich doch so sein wie ich bin. Ich komme gut damit zurecht. Bin eben ein bisschen lebhaft.«

TEENAGE RESPONSE ist ein Kaleidoskop völlig unterschiedlicher Persönlichkeiten. Der Film ist kein Interviewfilm: Man hört keine Fragen aus dem Off, er kommentiert und wertet nicht. Er lässt die Jugendlichen einfach reden, und sie erzählen so, wie man in ein Tagebuch schreibt, und das gleicht eher einem Monolog als einem Dialog. Das 160-minütige Projekt ist nicht voyeuristisch, sondern expressiv.

Man sieht sie sprechen oder wie sie sich das Gesprochene noch einmal anhören und mit ihrer Mimik schweigend kommentieren. Bis zu drei Drehtagen haben sie jeweils vor der Kamera gestanden und die Regisseurin hat das Substantielle gefiltert. Dazu wurden Räume mit unterschiedlichem Licht entworfen – je nach Stimmungslage des Teenagers. In diesen Räumen, die eher an eine Kunsthalle erinnern, als an Interviewsituationen – befinden sich Installationen: ein Auto, an dem ein Technikfreak rumbastelt und es besprayt, während er spricht, um es dann am Ende zu zerstören. Oder ein Plattenspieler, der eine Droge symbolisiert, die ein Performance-Künstler umtanzt. Damit zeigt er die Up and Downs einer Drogenkarriere.

TEENAGE-RESPONSE ist einer der ungewöhnlichen Filme, die man nur auf Festivals zu sehen bekommt, da er auch Kunst- und Experimentalfilm ist. Er sprengt die Grenzen des Gewohnten: Statt Interviews sehen wir Teenage-Monologe, statt kommentierendes und visualisierendes Dokumentarmaterial sehen wir Raum-Lichtinstallationen als Echo des Selbstbildes.

Auf der Berlinale nicht mehr zu sehen.

H:R LANDSHÖVDING (Mr. Governor); Schweden 2008, 81′
Regie: Måns Månsson

So ganz hat man dem schwedischen SPD-Paradies ja noch nie getraut. Zwei völlig unterschiedliche Filme zeigen jetzt aus ungewöhnlichen Perspektiven Abgründe des skandinavischen Kleinbürgertums.

Ein kleiner Junge beobachtet in Man tänker sitt das Leben in der schwedischen Kleinbürgersiedlung am Waldrand. Das Leben ist beherrscht von Langeweile und kleinen Kränkungen und Demütigungen, mit denen sich die Nachbarn das Leben schwer machen.

Zweite Hauptfigur neben dem Jungen Sebastian ist Jimmy, ein alleinerziehender arbeitsloser junger Mann, der immer noch bei seinen Eltern leben muss und keinen Schlüssel für das Haus bekommt. Die zahlreichen Demütigungen eskalieren schließlich in einem Schlag mit der Schaufel auf den Hinterkopf eines Nachbarn, danach flüchtet er mit seinem Jungen in den Wald. Auch Sebastian drängt es immer wieder in den Wald und ins Wasser. Ausdruck dieser Sehnsuch nach der Natur geben die beiden jungen Filmemacher durch ein dem Film vorangestelltes Zitat aus Thoreaus Walden, der Bibel aller Aussteiger. Der Film krankt leider an der falschen Konstellation, dass der 11-jährige Sebastian einerseits als allwissender Erzähler mit philosphischem Tiefgang, andererseits aber auch als ganz normaler Bengel dargestellt wird. Die beiden gegensätzlichen Rollen fügen sich nicht zusammen und lassen den Zuschauer etwas ratlos zurück.

Filmstill: H:r Landshövding

Måns Månsson nähert sich den schwedischen Abgründen mittels eines Dokumentarfilms über den Gouverneur von Uppsala, den ehemaligen schwedischen Außenminister Anders Björck. Dieser Landshövding ist eine 400 Jahre alte schwedische Institution. Die Gouverneure werden nicht gewählt, sondern vom König ernannt. Ihre Aufgaben sind rein repräsentativer Natur, sie müssen Essen geben, Denkmäler einweihen, bei Festbanketten des schwedischen Königshauses anwesend sein. Wir sehen Björck beim Planen, bei Einweihungen, beim Telefonieren und Zeitung lesen.

Regisseur Månsson hat H:r Landshövding als moderne Cinéma vérité Doku angelegt und wie die großen Vorbilder Leacock, Maysles und Wiseman auf körnigem 16 mm SW-Filmmaterial gedreht. In der stärksten Szene des Films sehen wir in einer grandiosen Hommage an die legendäre Szene in Primary von Robert Drew, in der John F. Kennedy von der Kamera verfolgt einen endlos langen Gang entlang geht, um am Ende beim jubelnden Wahlpublikum anzukommen, wie Anders Björk einen endlos langen Gang entlang geht. Aber auf Björk wartet am Ende keine jubelnde Menschenmenge, Björks Weg führt ins Nichts.

MAN TÄNKER SITT 10.02. 22.30, CineStar 8
ZUSATZVORSTELLUNG: 11.2., 15.30, Arsenal 2
H:R LANDSHÖVDING 15.02. 14:30, CineStar 8

Foto: FFF

Drei Soldaten liegen nackt im Meer vor Beirut. Sie erheben sich, gehen langsam ans Ufer, ziehen sich an und gehen in die zerstörte Stadt. Die Szene ist die einzige Erinnerung, die der israelische Dokumentarfilmer Ari Folman an seine Zeit in der israelischen Besatzungsarmee im Libanon Anfang der 80er Jahre, auf dem Höhepunkt des libanesischen Bürgerkrieges noch hat. Wahrscheinlich hat es die Szene niemals gegeben. Sie existiert nur in der Erinnerung von Ari Folman.

Als ihm ein Freund von seinen nächtlichen Alpträumen erzählt, in denen er von den 26 Hunden gejagt wird, die er im Krieg erschießen musste, nimmt Ari dies zum Anlass seine eigene Zeit, an die er sich nicht mehr erinnern kann, aufzuarbeiten. Er spricht mit seinen damaligen Kameraden und mit Psychologen auf der Suche nach seiner privaten Kriegsgeschichte. Aus den Erzählungen und Interviews macht er anschließend einen Dokumentarfilm, der zugleich ein Dokumentarfilm über eines der schlimmsten Massaker der jüngeren Kriegsgeschichte wird.

Das Gemetzel, das die mit Israel verbündeten christlichen Phalange-Milizen vom 16.-18. September 1982 in den palästinensischen Flüchtlingslagern Sabra und Schatila anrichten, steht paradigmatisch als erstes Kriegsverbrechen, das direkt vor den Augen einer untätigen Schutzarmee begangen wird. Die Opferzahlen sind noch nicht so hoch wie bei den späteren Massakern in Srebrenica oder Ruanda, sie schwanken zwischen den 460 Toten, die die libanesiche Polizei zählte und einigen Tausend, die Beobachter schätzten. Rund 800 vermutet die israelische Armee. Inwieweit der damalige israelische Verteidigungsminister Ariel Scharon von den Vorgängen wusste bzw. diese in Kauf genommen hat, ist bis heute umstritten. Auch dieses Massaker ist niemals wirklich aufgearbeitet worden.

Bild: Fantasy Film Fest

WALTZ WITH BASHIR ist aber weit mehr als nur ein sehr persönlicher Dokumentarfilm über ein Kriegsverbrechen. Dokumentarfilmer Ari Folman hat gleich ein ganz neues Filmgenre erfunden: Den Zeichentrick-Dokumentarfilm. Damit umschifft Folman nicht nur elegant das Problem, dass für die meisten Interview-Aussagen kein Archivmaterial zur Verfügung stand, sondern schafft der Distanziertheit und Unsicherheit der Erinnerung auch bildgestalterisch Ausdruck. Großes Lob gebührt dabei dem Zeichentrick-Team um Yoni Goodman, das mit 2300 Illustrationen einen Trickfilm auf technisch sehr hohem Niveau geschaffen hat.

Zum Sinnbild der Sinnlosigkeit des gesamten Krieges und des Feldzuges in den Libanon wird dabei die Erzählung eines Freundes, der, als sie von Hochhäusern aus beschossen werden, mit dem Maschinengewehr in der Hand aus der Deckung mitten auf die Straße rennt und, wild um sich schießend, einen Tanz aufführt, im Hintergrund ist ein riesiges Plakat des gerade eben ermordeten libanesischen Präsidenten Bashir Gemayel zu sehen. Dieser Bashir, der da im Hintergrund mittanzt, ist für die christlichen Milizen des Libanon eine vererhrte Lichtgestalt wie Kennedy es in der westlichen Welt war.

Seine Ermordung (wahrscheinlich durch den syrischen Geheimdienst) ist der Auftakt des Kriegsverbrechens, auf den der Film von Beginn an hinsteuert. Folgerichtig kippt der Film dann ganz am Ende doch aus den gezeichneten Erinnerungen in zeitgenössische Filmbilder. Es sind die Bilder der zerstörten Flüchtlingslager, überall liegen Schutt und Leichen herum, dazwischen laut klagende und schreiende Frauen. Es sind Originalaufnahmen, die unmittelbar nach Beendigung des Massakers aufgenommen wurden und die nun die ästhetische Distanz des Zuschauers urplötzlich aufbrechen. Aber auch für die Trickfigur Ari Folman sind die Archivaufnahmen am Ende eine Erlösung. Er hat seine Erinnerung wiedergewonnen.

In Cannes wurde der Film angeblich ähnlich bejubelt wie letztes Jahr Persepolis.

Kein alltäglicher Präsident: der intellektuelle Schriftsteller Václav Havel

»Wenn man ein Jahr lang im Schneideraum mit einem Menschen verbringt, dann ist es, als hätte man ihn unter dem Mikroskop untersucht. Das ist wie eine tägliche Dosis von der man beinahe abhängig wird.« (Miroslav Janek, Quelle: Forumskatalog)

11.2., 19.30 Uhr, CineStar 8, OmE
12.2., 16.30 Uhr, Delphi, OmU
14.2., 20.00 Uhr, Colosseum 1, OmE

Die Geschichte über die Entstehung des Films muss man zu Beginn erzählen:

Als der Dokumentarfilmer Pavel Kouteký 1989 erfuhr, dass Havel vielleicht Präsident wird, dachte er sofort, dass man darüber einen Film drehen müsse. Er lag gerade in einem englischen Krankenhaus und sah zu, dass er so schnell wie möglich nach Prag kam. Dort angekommen, drehte er einen ironischen Zehnminüter über den Tag als Havel Präsident der Tschechoslowakei wurde. Da der Sekretär von Havel diesen Kurzfilm mochte, erlaubte Havel Kouteký, dass das Filmteam ihn begleiten darf, unter der Bedingung, dass der Film auch die gesellschaftspolitischen Ereignisse des Landes festhalten soll. Und so beginnt der Film OBCAN HAVEL mit der zweiten Präsidentschaftskandidatur Havels nach der Teilung des Landes.

Das Filmteam wird zum gelegentlichen Begleiter des Präsidenten – bis zu jenem tragischen Tag im Jahre 2006. Kouteký stürzte während Dreharbeiten von einem Prager Hochhaus und starb an den Komplikationen. Daraufhin führte Miroslav Janek, hauptberuflich Cutter, das Projekt weiter. Er schloss sich mit seiner Frau, auch Cutterin, zehn Tage zu Hause ein und sah sich 40 dreistündige VHS-Kassetten mit dem ungeschnittenen Material an. Sie hatten Mühe, den Fernseher abends auszuschalten, so interessant fanden sie das Rohmaterial. Irgendwann gingen sie in den Schneiderraum und schnitten aus 120 Stunden 120 Minuten.

Der Film ist ungewöhnlich. Es passiert nicht alle Tage, dass ein Dramatiker Präsident wird, dass zudem das politische System wechselt und dass dies auch noch von einem Bekannten gefilmt wird. Der Schriftsteller Václav Havel, dessen Stücke in der Tradition des absurden Theaters stehen, ist als Oppositioneller zur Politik gekommen. Nach der Niederschlagung des Prager Frühlings war er dreimal im Gefängnis. Insgesamt fünf Jahre. Er war einer der Hauptinitiatoren der Charta 77, einer tschechischen Bürgerrechtsbewegung, und Anführer der so genannten Samtenen Revolution, die im November 1989 den Systemwechsel einleutete.

Als Kouteký 1992/93 mit dem Dreh beginnt, bereiten Havels Leute gerade eine Wahlkampagne vor. Die Trennung des Landes war soeben erfolgt und Havel, der kurz vorher abgewählt worden war, weil er die Teilung verhindern wollte, kandidiert erneut. Diesmal für Tschechien. Das Material, das Janek vorlag, reichte von 1992 bis 2005 und der Cutter sah schnell, dass der Regisseur, Havel ungewöhnlich nahe gekommen war.

Havel war auch ein dankbarer Protagonist. Er verhielt sich natürlich vor der Kamera, inszenierte sich nicht wie andere Politiker. Zu Beginn, während der Wahlkampagne und seiner Ernennung zum Präsidenten, wirkt Havel wie ein distanzierter Intellektueller, der der Inszenierung eines komischen Theaterstücks beiwohnt. Er scheint fast belustigt über die Inszenierung auf der politischen »Bühne«. Nur wenn es um die Fussel auf seinen Klamotten geht, da versteht er keinen Spaß mehr.

Der Regisseur beobachtet wie Havel in sein Amt hineinwächst, hält die Höhepunkte aber auch die Tiefschläge fest. Den Dokumentarfilmer interessieren weniger die gesellschaftspolitischen Veränderungen des Landes, sie sind nur der Background für Havel, der mehr Bürger als Präsident ist. Er schafft es mit kleinen subtilen Gesten, die innere Stimmung von Havel in Szene zu setzen: Äußerlich mag er bei einem öffentlichen Empfang ruhig wirken, doch ein Zoom auf Havels zappelnde Hände, die er hinter dem Rücken verbirgt, zeigen, wie er wirklich drauf ist. Diese Einstellungen verraten, dass Havel gerne den distanzierten Intellektuellen herauskehren möchte, der er ja auch irgendwie ist, aber so ganz ohne Herrscherlampenfieber läuft es eben doch nicht. Besonders angespannt wirkt er, wenn es um offizielle Empfänge von Halbgöttern wie den Rolling Stones oder Präsident Clinton geht. Oder aber wenn er in den USA eine Rede auf Englisch halten muss.

Kouteký interessiert aber auch das Private – das Private was wiederum auch öffentlich wird, wenn man Präsident ist. Die Szene, die das am eindrucksvollsten widerpiegelt, ist die als seine Frau Olga stirbt, mit der Havel 36 Jahre verheiratet war: Sein Gesicht vor der Kamera verbergend, blickt er hinter einer Gardine versteckt, hinaus auf die lange Schlange von Kondolenzbesuchern. Eine Einstellung, voll mit Einsamkeit und doch von tausend Leuten umgeben.

In einer langen Szene diskutiert Havel mit jemanden, wie er sich gegenüber den Oppositionsführern zu verhalten hat. Havel ist der Ansicht, dass er sie über ein Treffen zuerst informieren muss, bevor das an die Medien weitergegeben wird. Doch der andere hält das für unnötig: »Du bist der Präsident. Du musst nicht vorher um Erlaubnis fragen.« Havel schweigt. Die Chefrolle bereitet ihm äußerstes Unbehagen und die Diskussion dauert noch lange. Sehr viel später sehen wir eine Szene, in der Havel, plötzlich laut und bestimmt wird. Fast polternd.

Vielleicht ist er doch irgendwann ein bisschen Präsident geworden, zumindest ahnt er, was es heißt, Präsident zu sein: Ziemlich viel Gepose, eine gute Figur machen, viel Party. Hartes Verhandeln, aber auch mal einstecken. Man steht ständig im Rampenlicht, auch wenn man nicht will. Fehler? In der Öffentlichkeit: So was gibt es nicht. Den Gegner fragt man nicht, sondern man diktiert. Und wenn man das alles beherrscht, darf man auch mal ein bisschen Mensch sein und zusammen mit Bill Clinton ganz locker Musik machen. Wenn man sich vor lauter Steifheit noch irgendwie bewegen kann.

Regie: Li Ying
Japan/China 2007
123 min.

Am 60. Jahrestag der Beendigung des zweiten Weltkriegs in Asien beobachtet der Regisseur das Aufeinandertreffen von Kriegsveteranen und Politikern am Yasukuni-Schrein. Wie ein Heiligtum steht der Schrein im Zentrum der Verehrung des japanischen Militarismus. Soldaten und Kriegsverbrecher werden dort als Helden und Märtyrer der Nation gefeiert, während Kritikern der Mund verboten wird.

11.02., 17:15, Arsenal 1 (OmU)
12.02., 12:45, CineStar 8 (OmE)
14.02., 20:00, Cubix 9 (OmU)

Kriegsveteranen, umringt von Touristen, marschieren mit Japans Militärflagge auf, alte Frauen diskutieren über den Schrein-Besuch des damaligen Premierministers Koizumi und verstehen die Kritik des Auslands nicht. Eine Gedenkfeier singt die Nationalhymne und ein Redner bezeichnet den 2. Weltkrieg als einen Verteidigungskrieg Japans. Zwei junge Männer, die gegen die Veranstaltung protestieren, werden schließlich mit Rufen wie„Geh zurück nach China, du Idiot“ – über den Platz gedrängt, einer von ihnen dann mit blutendem Gesicht in ein Polizeiauto verfrachtet. Ein US-Amerikaner im weißen Hemd erklärt sich solidarisch mit Koizumi. Doch weil er eine amerikanische Flagge schwängt, fühlen sich die Schreinbesucher provoziert und beschimpfen ihn wüst. Schließlich wird er vom Platz verwiesen.

Skurriler könnte die Situation kaum sein. Die Überlebenden des 2. Weltkrieges, etwa in China, warten bis heute noch auf eine offizielle Entschuldigung Japans. Das Massaker von Nanking im Dezember 1937 forderte Hunderttausenden chinesischen Zivilisten das Leben. Doch am Yasukuni-Schrein wird das Massaker als Lüge bezeichnet. Neben der Kritik an dieser Erinnerungskultur verlangen Hinterbliebene taiwanesischer und koreanischer Kolonialsoldaten, welche namentlich im Yasukuni-Schrein erwähnt werden, die Löschung der Namen. Die Shintō-Religion, für die der Schrein ebenfalls steht, ist für sie ein Teil japanischer Kolonialgeschichte. Die ehemalige Besatzungsmacht beantwortete die koreanische Unabhängigkeitsbewegung mit Repression, strich die koreanische Sprache 1938 aus den Lehrplänen und zwang alle Koreaner einen japanischen Namen anzunehmen. Millionen wurden schließlich zum Kriegsdienst gezwungen, einige von ihnen werden heute im Schrein verehrt, neben ihren Namen die von Kriegsverbrechern.

Li kommentiert erst am Ende das Geschehen. Er zeigt Photografien und alte Filmaufnahmen von Kriegsverbrechen, die er mit einer Trauermusik unterlegt. Damit stellt er der Heldenverehrung die Trauer entgegen. Stellvertretend für die fehlende Auseinandersetzung steht ein Schmied, der letzte der Yasukuni-Schwerter herstellen kann. Als er nach seinen Erinnerungen befragt wird, schweigt er lange in die Kamera.

Li Ying kommentiert seinen Film so: „Ich wollte die Erinnerungen der Menschen auf einer großen Bühne zusammenbringen. Unterschiedliche Nationen haben unterschiedliche Erinnerungen. Yasukuni handelt von der Erinnerung, aber auch vom Vergessen. Ich benutze Ausschnitte aus Kriegsfilmen, um japanische Zuschauer mit diesen Erinnerungen zu konfrontieren. Der Schwertschmied verkörpert das Vergessen.“

Die Bühne das sind die Nationalisten, die die Toten als Helden verehren. Das sind die Vergessenden wie der Schmied. Aber das sind auch die vielen Kritiker, denen am Schrein, der Mund verboten wird. Sie wollen trauern, doch die Heldenverehrung verhindert das. Li verleiht ihnen eine Stimme.

Bewertung:»Trotz unscharfer Bilder mit zum Teil eigenwilligen Bildausschnitten und nicht synchron laufendem Ton ist SUBSTITUTE von einer nicht zu leugnenden melancholischen Schönheit. Der Film ist der persönliche Bericht über eine Enttäuschung.« (Le Monde)

Durch Zufall las der Fußballspieler Vikash Dhorasoo einen Artikel über sich, geschrieben vom Sportjournalisten Fred Poulet. Sie lernten sich kennen und Poulet gab Dhorasoo eine Super-8-Kamera, damit er seine persönlichen WM-Erlebnisse filmt. Damit beginnt der Film: Poulet erklärt Dhorasoo die Super-8-Kamera, die ohne Ton filmt und bei der keine Aufnahme länger als drei Minuten dauert. Wer schon einmal Super 8 gefilmt hat, weiß, was das bedeutet: Die Kamera ist extrem laut und im Vergleich zu den kleinen Digicams ein umständliches Riesenungetüm. Das Filmmaterial ist empfindlich und schwer zu handhaben. Aufnahmen nebenbei und Schnappschüsse kann man vergessen. Man muss sich ganz konzentrieren. Genau das war der Hintergedanke Poulets: Dhorasoo sollte nicht wahllos 100 digitale Bänder mit unüberlegtem Zeugs vollfilmen, sondern er sollte wenige konzentrierte Aufnahmen machen. Herausgekommen ist ein einzigartiges Dokument eines gescheiterten Sportlers auf der Ersatzbank. Ein Antifilm des Profifußballs.
Die Aufnahmen sind alles andere als professionell: Verwackelte, unscharfe, unterbelichtete Bilder – doch sie haben eine ungeheure Aussagekraft. Immer wieder tauchen die leeren, einsamen Gänge der Hotels, vier weiße Wände und Dhorasoos hoffnungsloses Gesicht auf. Was auffällt: Die Abwesenheit von Menschen, seinen Mitspielern, dem Team.

Da die Super-8-Kamera keinen Ton hat, benutzt Dhorasoo ein Tonbandgerät, das er anfangs wenig, später immer häufiger einbezieht. Deshalb hat Poulet zu Beginn des Films viele Telefongespräche mit ihm hineingeschnitten. Von Spiel zu Spiel hofft er dort auf einen lohnenden Einsatz – letztendlich stand er während der gesamten WM nur sechzehn Minuten auf dem Rasen. Über seinen Ziehvater Domenech, der für die Auswahl der Spieler verantwortlich war, sagt er: »Ich war sein Sohn, und er lässt den Sohn des Nachbarn spielen!« Wenn er mal auf dem Feld ist, übergibt er irgendjemandem die Kamera. Davon gibt es nur ganz wenige Aufnahmen und wer ihn dort sieht, weiß genau, dieser Mann hat sich längst aufgegeben. Er läuft ganz gerade und stocksteif. Nach dem Sieg gegen Brasilien im Viertelfinale taucht er auf einmal zwischen den feiernden Teammitgliedern auf, doch dann dreht er sich ganz plötzlich um und geht vom Feld. Als ob ihm im Überschwang ein Ausrutscher passiert wäre.
Im Laufe der WM gewöhnt sich der Spieler des früheren Erstligisten Paris St. Germain an das technische Equipment. Er stellt sich vor den Spiegel in seinem Hotelzimmer, legt sich aufs Bett, spricht ins Tonbandgerät und versucht sich zu rechtfertigen: Auch wenn er jetzt der Außenseiter sei, könne er später zumindest nicht sagen, er wäre dabei gewesen? Wenn er in diesen tragischen Momenten plötzlich in den Postkartenjargon überwechselt, »ich habe gut gegessen, vermisse aber meinen Schokoladenkuchen«, ändert sich die Tonlage ins Komisch-Banale. Absolute Sitcom ist auch ein Opa in irgendeinem deutschen Kaff, der die muckende Super-8-Kamera reparieren soll. Das wird noch von Poulets Kamera gefilmt, der ihn zu Beginn begleitet. Jedenfalls will der Opa – absolut berechtigt – herausfinden, warum zum Teufel heute im Zeitalter der Digitalisierung jemand auf Super 8 filmt. Er macht das sehr dezent, aber der Zuschauer weiß genau, worauf er hinaus will, da er genauso denkt. Diese Szene ist witzig. Doch die tragische Qualität des Ersatzspielers liegt so hoch, dass die wenigen deutschen Provinzszenen dem Ganzen nur einen genialen Hauch des Tragikkomischen geben können. Ein paar mehr davon und dieser Film wäre vielleicht ein Publikumsrenner. Natürlich bekommt eine tragische Figur immer den Publikumsbonus und weckt mehr Sympathien als die erfolgreiche. Das liegt offenbar in der Natur des Menschen. Man erinnere sich nur an das Ausscheiden der deutschen Nationalmannschaft beim Italienspiel. Doch reicht dieser Umstand aus, um zu erklären, warum ein, nach Publikumsquote gemessen, erfolgreicher deutscher Kinofilm, der die WM aus einer anderen Perspektive schildert und der von professioneller Digi-Hand gefilmt wurde, um so vieles schlechter ist als ein verwackelter Super-8-Film eines Amateurs?

Kurz nachdem Poulet Dhorasoo die Super-8-Kamera gezeigt hat, sieht der Zuschauer ein paar Jungs, die mit einer lockeren Behendigkeit kicken, als wäre es ihnen angeboren. Nichts davon steckt mehr in Dhorasoos Bewegungen. Doch er spielt in der Nationalmannschaft und war mal ein Erstligist. Er ist zwar oben angekommen, doch eigentlich ist er ein Nobody unter den Stars. Aber zu gut, um in der Ligue Fédérale du Football Amateurs zu spielen. Wenn man im Profisport ganz unten steht, ist man schlimmer dran als ein Amateur in irgendeiner Liga. In diesem Film verbirgt sich eine kritische Sprengkraft bezüglich des Profisports. Was dieser anrichtet und auf welcher Ebene dort verhandelt wird, bassiert auf Erfahrungen, die nur Insider kennen. Kein Wunder, dass der französische Fußballverband über »Substitute« nicht gerade begeistert war. Dhorasoo wurde aus seinem Verein ausgeschlossen.