Regie: John Hillcoat

USA 2009
111 Minuten
Kinostart Deutschland: 7.10.2010

Der apokalyptische Film stellt die Frage nach dem »Menschen an sich« und arbeitet dabei, nach einem Bestseller von Cormac McCarthy, mit realistischen Mitteln. Die zentrale Frage beantwortet Hillcoat religiös. Obwohl sich der Regisseur eng an die Vorlage hält, ist der Film doch vollkommen anders. Eine Kritik.

Ein Vater wandert mit seinem Sohn durch düstere Wälder. Bis auf wenige Insekten lebt kein einziges Tier mehr. Kalt ist es, nass und teilweise liegt Schneepulver auf den Wiesen. Nie scheint die Sonne. Ein immerwährender Herbst an der Grenze zum Winter, vielleicht eine Naturkatastrophe. Zahlreiche Autowracks und vermoderte Leichen zeugen auch vom Untergang des Menschen, denn die Übriggebliebenen sind entweder Kannibalen oder deren Opfer. Dazwischen gibt es nichts, außer Vater und Sohn.

Der Vater lebt dem Sohn – er ist ein Hineingeborener und kennt die Zivilisation nicht – das Menschlichsein vor: Sie essen nur die paar Insekten, die sie finden können, vielleicht Wurzeln und Konserven aus leeren Häusern. Leiden lieber Hunger, als einen anderen zu töten. Den Vater treibt nur der Beschützerinstinkt an, eine Reduzierung auf einen einzigen Lebensinhalt, den die Mutter nicht aushielt.

Wozu ist der Mensch im Äußersten fähig? Vater und Sohn gelangen in ein scheinbar verlassenes Haus mitten im Wald. Innen finden sie eine Bodentürverriegelung, die vielleicht in einen Keller mit Vorräten führt. Sie tasten sich mit nur einer Kerze in das dunkle Gewölbe hinein. Gang für Gang. Im hintersten Raum finden sie schließlich etwas Schreckliches: vollkommen abgemagerte Kreaturen, teilweise verstümmelt – Konserven, die mal Menschen waren, lebendig und damit frisch gehalten. Als sie fliehen wollen, kommen die Schlächter zurück.
So reiht sich ein grauenvolles Erlebnis an das nächste.

Hillcoats gruselige Bilder: Kannibalen auf der Suche nach Nahrung.

Sie aber gehören zu den »Guten«, versichert der Vater dem immer wieder fragenden Sohn, also zu denen, die andere nicht abschlachten. Er klingt dabei selbst nicht ganz überzeugt. Schließlich finden sie eine Vorratskammer voller Konserven. Der Himmel auf Erden in einem dunklen Erdloch. Doch das bedeutet natürlich auch wieder Gefahr, denn die anderen sind ebenfalls auf der Jagd nach Nahrung. Ausgerüstet mit Büchsennahrung, ziehen sie weiter und angesichts dieses Schatzes, wird bald deutlich, dass der Vater den behaupteten Grundsatz vom guten und menschlichen Handeln in einer bösen Welt nicht konsequent zu Ende gehen kann. Er will Schwächeren und Hungernden nichts abgeben, das brauchen sie schließlich selbst. Sein Sohn hingegen empfindet Mitleid gegenüber noch Schwächeren. Etwas später holt der Vater nicht nur Hab und Gut, das ein Dieb ihnen kurz zuvor gestohlen hatte, mit Gewalt zurück, sondern er bestraft den Dieb, indem er ihn seiner Kleidung beraubt. Angesichts der Temperaturen: ein sicherer Tod. In dem Sohn regt sich Widerstand gegen seinen Beschützer.

THE ROAD nähert sich universell und auf realistische Weise an die Postapokalypse an. Es geht dabei um die Frage, was wäre, wenn du der letzte Mensch auf Erden wärst? Würdest du Mensch bleiben? Thematisch unterscheidet sich THE ROAD damit deutlich von Genre-Filmen wie z. B. 28 DAYS LATER. Zwar geht es auch in Zombiefilmen um Fragen des humanen Handelns angesichts der Katastrophe, aber anders als dort, wird diese Entscheidung nicht abgeschwächt. In den Zombiefilmen hat der Mensch keine Wahl: Er muss Infizierte töten oder er wird selbst Menschenfresser. In Hillcoats Apokalypse gibt es immer noch eine Lücke, die diese Entscheidung trotz absoluter Hoffnungslosigkeit nicht abnimmt. Der Vater antwortet auf die Frage: »Was wäre, wenn Sie der letzte Mensch wären?«, nur müde: »Vermutlich würde ich es gar nicht wissen.« Was macht menschliches Handeln noch für einen Sinn, wenn man nicht weiß, ob man der Letzte ist? Würden die Opfer, denen man hilft, nicht vielleicht auch Kannibalen sein, wenn sie könnten? Mit dieser Ungewissheit muss man leben. Ein hohes Risiko, ein hoher Preis, nur um menschlich zu sein. Einerseits realistisch und existenziell.

Überlebenstrieb vs. Menschlichkeit

Anderseits: Die Dualität zwischen Vater und Sohn, die sich immer weiter zuspitzt und an der das Thema Menschlichsein abgehandelt wird, befriedigt letztendlich nicht. Der Sohn, mehrfach auch als »Gott« bezeichnet, erscheint wie ein Mensch aus dem Nichts. Als wäre couragiertes Handeln mit Empathie naturgegebenen und keine sozial erlernte Eigenschaft. Der Vater hat zwar dem Sohn gelehrt, andere nicht zu töten, aber Mitleid gegenüber Fremden in einer extrem aggressiven Umwelt von Täter und Opfer erscheint fast schon übernatürlich und übermenschlich. Und obwohl THE ROAD bis auf ein Buntglaskirchenfenster auf religiöse Symbolik verzichtet, beantwortet der Film die zentrale Frage dahingehend.

Das zweite störende Element: Die Zuspitzung zwischen Gut und Böse in einem doch eher realistischen Film wirkt irgendwie platt. Diese Dichotomie, also »Nur-Gut«, »Nur-Böse«, »Nur-Opfer« (der Vater bildet hierbei eine Ausnahme) ist man von schlechtem Hollywoodkino und Genre-Filmen gewohnt, nicht aber von Filmen, die sich eindeutigen Storymustern verweigern.

Viel mehr: Die Parabel von McCarthy.

In Cormac McCarthys Bestseller, der 2007 mit dem Pulitzerpreis ausgezeichnet wurde, funktioniert die Story – obwohl sich Hillcoat relativ eng an den Roman hält – vollkommen anders.

Zunächst erweckt der Roman den Eindruck, dass McCarthy die Story als Parabel benutzt. So ist immer nur die Rede von “einem Vater” und “einem Jungen”. Nie erfahren wir ihre Namen. Keine Beschreibung ihres Aussehens, ihres Charakters. Sie reden nicht spezifisch, wie Figuren es tun. Alles ist extrem minimalistisch gehalten. Abgesehen davon, dass dies zur apokalyptischen Stimmung sehr gut passt, wirkt alles wie ein Sinnbild, das für etwas anderes steht.

Die Apokalypse ist eine Parabel auf das Leben selbst, in dem alles an Bedeutung verloren hat, außer die Liebe zum eigenen Kind. Doch auch diese steht auf dem Prüfstand und man ist dem Tod und dem Nichts schon recht nahe. Es ist, als ob einer im Sterben liegt. McCarthy, so scheint es, hat alles Bedeutungslose aus dem Leben verbannt, wobei er versucht, die Bedeutung des Lebens selbst, zu erfassen:

Er (der Vater) hatte dieses Gefühl, das über die Benommenheit und dumpfe Verzweiflung hinausging, schon einmal gehabt. Dass die Welt auf einen rohen Kern nicht weiter zerlegbarer Begriffe zusammenschrumpfte. Dass die Namen der Dinge langsam den Dingen selbst in die Vergessenheit folgten. Farben. Die Namen von Vögeln. Dinge, die man essen konnte. Schließlich die Namen von Dingen, die man für wahr hielt. Zerbrechlicher, als er gedacht hätte. Wie viel war schon verschwunden?

Diesen Kampf verliert letztendlich der Vater, nicht aber der Erzähler (teilweise identisch. Siehe unten.)

Diese Bedeutungsebene, und das ist die wichtigste im Roman, kann im Medium Film nicht funktionieren. Hier werden die Bilder und Figuren durch die Visualität konkret. Hillcoat hat THE ROAD dramatisiert. Um Spannung zu erzeugen, wird die Außenwelt, die extreme Witterung, die Jagd nach dem Essen, das Verstecken vor Kannibalen zum antagonistischen Prinzip, das wiederum zur Entfremdung zwischen Vater und Sohn beiträgt. Der Regisseur hat diese Szenen keinesfalls erfunden, sie sind alle bei McCarthy enthalten, stehen aber dort in dem größeren Kontext der Parabel. McCarthys Roman ist wenig dramatisch, vielmehr wandern Vater und Sohn unaufhörlich. McCarthy verwendet viel Zeit dafür, die Umgebung, die Witterung und die äußere und innere Verwüstung (im Kopf des Vaters) zu beschreiben. Das ist alles in wenigen Sekunden mit der Kamera erzählt.

Zu den Raffinessen McCarthys gehört es ebenfalls, plötzlich, an wenigen Stellen, die Erzählperspektive zu brechen und mit “ich” weiterzuschreiben – als wäre der Erzähler plötzlich der Vater und könne den Abstand zu dieser Figur nicht mehr wahren. Hier Auszug einer Szene, wo der Junge auf einen anderen kleinen Jungen und einen Hund trifft, und Angst um beide Geschöpfe hat, vor allem aber um den Hund.

Er (der Vater) hielt den Jungen in den Armen, und nach einer Weile hörte der Junge zu zittern auf und schlief etwas später ein. Der Hund, an den er sich erinnert hatte, folgte uns zwei Tage lang. Ich versuchte erfolglos, ihn anzulocken. Ich machte eine Drahtschlinge, um ihn zu fangen. Im Revolver waren drei Patronen. Keine zu erübrigen. Sie (?) entfernte sich die Straße hinunter. Der Junge schaute ihr nach, dann schaute er mich an und dann den Hund, und dann begann er zu weinen und um das Leben des Hundes zu bitten, und ich versprach, dem Hund nichts zu tun.

Es ist vielfach behauptet worden, dass der Film im Gegensatz zum Roman eindeutig positiv ende – doch das Buch endet ebenfalls positiv (vom Standpunkt des allwissenden Erzählers) und negativ (vom Standpunkt des Ichs). Hier die letzte Szene am Ende – der Vater ist gestorben und der Junge trifft auf andere.

Als die Frau ihn sah, schlang sie die Arme um ihn und hielt ihn fest. Ich freue mich so, dich zu sehen, sagte sie. Manchmal sprach sie mit ihm über Gott. Er versuchte, mit Gott zu reden, aber am besten war es, mit seinem Vater zu reden, und er redete tatsächlich mit ihm und vergaß nichts. Die Frau sagte, das sei schon in Ordnung. Der Atem Gottes, sagte sie, sei sein Atem und werde doch durch alle Zeiten von Mensch zu Mensch weitergegeben.

Der Bruch in der Erzählperspektive – an nur wenigen Stellen des Buches – bekommt nun einen Sinn. Was nutzt es dem Einzelnen, dass alles von Mensch zu Mensch weitergegeben wird? Der konkrete Mensch ist aus dem Spiel und darf sich im Sterben damit rumplagen, ob er dem Leben den richtigen Sinn gegeben hat oder aber, ob er es vergeudet hat. Außerdem muss er sich von der Welt lösen. Vom universellen Standpunkt aber aus betrachtet, ist der Tod notwendig und positiv. Das ist schwer einzusehen und das symbolisiert auch der Perspektivenbruch.

Die Frage, die sich hier wieder mal stellt, ist, warum sich Regisseure an Stoffen versuchen, die ihre Stärken aus rein literarischen Mitteln ziehen. Gerade, wenn ein Roman vor allem eine Parabel ist, muss die konkrete Visualität des Kinos, und Hillcoat versucht auch keine neuartigen, experimentellen Mittel, daran scheitern.

Event Kino

Der amerikanische Regisseur Brad Anderson (DER MASCHINIST, SP, 2004) schafft mit seinem neuen Film Transsiberian eine Mischung aus Suspense-Thriller und Railmovie in der Transsibirischen Eisenbahn. Der mittelmäßig spannende Film besticht vor allem durch imposante Kamerafahrten durch verschneite russische Landschaften, fantastisch fotografierte Bilder, originale Schauplätze und favorisierte Schauspieler.

Dass die Fahrt mit der Transsibirischen Eisenbahn keine harmlose Abenteuerreise wird, weiß man bereits von Anfang an. Sibirische Züge wecken Assoziationen von Mord und Verbrechen, Schuld und Sühne.

So passiert es dann auch: In der Anfangsszene ermittelt der russische Polizist Grinko (Ben Kingsley) in einem Mordfall. Dabei geht es um Drogen. Ungefähr zur gleichen Zeit macht sich das amerikanische Paar Jessie (Emily Mortimer) und Ray (Woody Harrelson), nach einem kirchlich-humanitären Einsatz in China, via transsibirische Eisenbahn auf den Weg in die Heimat. Im Zug befreunden sich die beiden mit einem anderen jungen Paar, den Rucksacktouristen Abby (Kate Mara) und Carlos (Eduardo Noriega). Wer hat wohl die Drogen?

Da Jessie und Ray eine kleine Beziehungskrise haben, kommt es zu einer heiklen Begegnung zwischen Jessie und Carlos. Nach einem kurzen Halt auf einem Bahnhof irgendwo im tiefsten Russland, wo Ray und Carlos gemeinsam die Umgebung erkunden, ist Ray plötzlich verschwunden. Und genau jetzt, wo es eigentlich so richtig spannend werden sollte, werden die Schwachstellen des Films offensichtlich: Auch wenn wir den zweifelhaften Carlos wiederholt in einer Einstellung mit einer Eisenstange gesehen haben, denken wir nicht, was wir denken sollen – nämlich, dass Carlos den ahnungslosen Ray für ein Liebesabenteuer mit Jessie kaltblütig ermordet hat. Zu eindeutig und zu klischeehaft wird hier mit der Erwartung des Zuschauers gespielt.

Hinzu kommen weitere bekannte Schablonen für eine konventionelle Thriller-Dramaturgie und einige Übertreibungen. Beispielsweise sind die Guten ja nicht immer so unschuldig, wie sie aussehen. Im Film können wir diesen Grundsatz bei der Figur der Jessie beobachten. Für den Zuschauer findet hier allerdings keine klare Wendung statt, sodass sich seine Sympathien auch nicht entscheidend verändern. Obwohl sich Jessie schuldig macht, sowohl in sexueller als auch in krimineller Hinsicht, bleibt eine positive Einstellung beim Zuschauer bestehen, da ihre Handlungen schicksalhaft und fast notwendig erscheinen (vielleicht auch übertrieben hysterisch).

Respektable Schauspieler trösten nicht über die stereotypen Charaktere hinweg. Ray ist der typische Philanthrop, ein Argloser im Ausland, der sich auch mit den russischen Reisenden versteht, Wodka trinkt und feiert. Im Gegensatz dazu ist Carlos der undurchsichtige südländische Frauenvernaschertyp mit krimineller Energie. Seine Freundin Abby, ist eine melancholische Avril Lavigne, die sich eigentlich nach einem Haus auf dem Land sehnt. Der russische Polizist Grinko ist natürlich korrupt und selber im Netz der russischen Drogenmafia verstrickt und so weiter. Da hilft es auch nicht, dass sich der Film seiner eigenen Klischees von Russland durchaus bewusst ist. Wer am Ende die ganze Kohle kriegt, wissen wir übrigens spätestens seit Bang Boom Bang.

FFF Berlin (15.8., CINEMAXX 7, 19.15 h); FFF Hamburg (16.8., CINEMAXX 3, 19.00 h)
FFF Dortmund (22.8., CINESTAR 9, 19.15 h); FFF Köln (27.8., CINEDOM 9, 19.15 h)
FFF Frankfurt (28.8., METROPOLIS 6, 19.15 h); FFF Nürnberg (31.8., CINECITTA’ 3, 19.15 h)
FFF Stuttgart (6.9., METROPOL 1, 19.15 h); FFF München (7.9., CINEMA, 21.30 h)

Will aus der Schusslinie raus, weil er Vater wird: Elite-Einsatzleiter Nascimento

Aus einem Versteck beobachten zwei Polizisten eine Party in einer Favela. Ihre Kollegen tauchen auf, doch statt die Dealer zu verhaften, kassieren sie Schmiergeld. Nachdem sich die beiden verständigt haben, dass sie korrupte Bullen noch mehr hassen als Dealer, schießen sie. Daraufhin wird von allen Seiten das Feuer auf sie eröffnet. Nur eine Spezialeinheit kann sie da noch rausholen. Der schwarze Polizist Matias ist über deren Professionalität schwer beeindruckt: »Wie kommt man zu euch?«

TROPA DE ELITE zeigt die Arbeit dieser Eliteeinheit, der BOPE (Batalhão de Operacõ Policiais Especiasis), die in den Favelas Rios zur Bekämpfung der Drogenkriminalität eingesetzt wird. Der Einsatzleiter Nascimento, der die Geburt seines ersten Kindes erwartet, will den Dienst quittieren, muss aber erst einen geeigneten Nachfolger finden. Nascimento ist der Erzähler aus dem OFF, der nicht nur seine Geschichte erzählt, sondern auch die seiner potentiellen Nachfolger, den Expolizisten Matias und Neto. Die Rahmenhandlung schrieb der Regisseur zusammen mit Bráulio Mantovani (»City of God«) und Rodrigo Pimentel, einer der ehemaligen BOPE-Leute, die das Buch »Elite da Tropa« geschrieben haben, auf das der Film basiert.

Man hat José Padilha vorgeworfen, einen »faschistoiden«, »gewaltverherrlichenden« und »gewaltlegitimierenden« Film gedreht zu haben. Denn die drastische Vorgehensweise der BOPE wird mit einem durch und durch korrupten Polizeisystem begründet. Das reicht vom Einsacken von Bußgeldern fürs Falschparken – da der Staat so pleite ist, dass er sich keine Abschleppfahrzeuge mehr leisten kann – über Schutzgelderpressung bis hin zum Abkassieren von Drogengeldern. Um diesen undurchdringlichen Kreislauf zu durchbrechen, wendet die Eliteeinheit derbe Mittel an. Besonders beliebt ist es beispielsweise, den zu verhörenden Opfern Tüten über den Kopf zu stülpen, so dass sie glauben zu ersticken. Nach einem Einsatz der BOPE ist der Boden mit blutigen Plastiktüten übersäht. In dem Ausbildungslager, in dem auch Matias und Neto gedrillt werden, wird den Rekruten der letzte Rest der Persönlichkeit ausgetrieben, so wie man es von »Full Metal Jacket« her schon kennt. Hinzu kommt der dokumentarische Stil mit dem die Einsätze gefilmt wurden: Handkamera, eine extrem hohe Schnittfrequenz und permanente Reißschwenks. Padilha wahrt also filmästhetisch als auch erzähltechnisch konsequent die Perspektive der BOPE (ausgenommen die allerletzte Szene, die aus der Perspektive des Opfers gezeigt wird). Einsatzleiter Nascimento ist zwar völlig ausgebrannt, aber weit davon entfernt kritische Gedanken an das Unternehmen BOPE zuzulassen. Die Sturm-und-Drang-Phase, die er schon längst hinter sich gelassen hat, wird durch Matias und Neto verkörpert, ein effektiver Kunstgriff. Sie wünschen sich nämlich nichts lieber als Polizisten und Dealern mal kräftig in den Hintern zu treten.

Die Kritik bezieht sich also darauf, dass der Regisseur zwar die gewalttätigen Methoden der BOPE zeigt, aber statt distanzierende Mittel einzubauen, drängt er einem vielmehr die Perspektive dieser Eliteeinheit auf.

Was soll daran schlecht sein?

Im Gegenteil: Diese konsequente Einhaltung der Perspektive ist nicht nur mutig, sondern auch sehr effektiv. Es wäre einfach gewesen, Nascimentos Stimme aus dem OFF ein paar Zweifel einzuhauchen. Das spart Padilha aus und der Zuschauer kann selbst überprüfen, wie weit er mitgehen und wann er aussteigen möchte. Ob er die Machokultur, den harten militärischen Stil, den die BOPE in der Öffentlichkeit präsentiert, legitim findet.

TROPA DE ELITE ist damit ein Zeugnis der Ohnmacht im Kampf gegen die organisierte Drogenkriminalität, die die Favellas beherrscht. Der Film legitimiert die Gewalt nicht, sondern ist vielmehr realistisch, in dem was er zeigt.

Resonanz auf den Film: Die BOPE leugnet die Foltermethoden. Doch ihr Emblem spricht für sich.

Inzwischen hat sich die Organisation selbst widerlegt. Zu Beginn des Films wird die Jahreszahl 1997 eingeblendet, die zeigen soll, dass es die BOPE von damals nicht mehr gibt. Das Statement des Regisseurs: »Sie ist heute genauso korrumpiert wie alle Polizeieinheiten Rios.« Dass Padilha gegen das korrupte System Rios ist, daraus macht er keinen Hehl. So verzichtet er auf Joints, um die Drogenhändler nicht zu unterstützen. Den Vorwurf, dass er mit den Gewalttaten der BOPE symphatisiere, findet er jedoch absurd.

Der Dokufilm Patti Smith DREAM OF LIFE von Steven Sebring, der auf der diesjährigen Berlinale gelaufen ist, hat offenbar keinen Verleih in Deutschland gefunden und kommt damit nicht in die Kinos. Stattdessen verschwindet er im Nachtprogramm von arte. Er lief schon am 8. April und wird in der Nacht 26/27. April um 0.10 Uhr noch einmal wiederholt. Sollte man ihn wieder verpassen: Er läuft auch noch mal am 30.4. und am 8.5., um 3 Uhr morgens.

Der irische Ort Mosney hat schon bessere Zeiten gesehen. Vor 60 Jahren entstand hier der Vergnügungspark Mosney, ein “Low-Budget-Disneyland”, wie es die beiden Filmemacher im Gespräch nachher nennen. Irgendwann wurden die Iren reich und flogen lieber nach Spanien in den Urlaub. Die Besitzer von Mosney orientierten sich um. Heute ist Mosney ein irisches Asylantenwohnheim.

17.2., 21.30 Uhr, Delphi, OmE

Es ist eines der Auffangbecken, die Europa nach dem Schengener Abkommen überall an den Grenzen errichtet hat, um Migranten aus aller Welt erst gar nicht herein zu lassen. Eine Zeit lang dachte die irische Regierung sogar daran, die Flüchtlinge auf Schiffen vor der Küste unterzubringen, erzählt Paul Rowley im anschließenden Q&A. Meeresblick (Seaview) ist also nicht Beschauliches, es zeigt, dass die Flüchtlinge nur an den Rand gelangen können, ins Land hinein kommen sie nicht. Die meisten von ihnen leben hier ein paar Monate oder Jahre und werden dann wieder in ihre Herkunftsländer abgeschoben.

Die beiden Filmemacher Paul Rowley und Nicky Gogan haben einen Film über das Flüchtlingsheim Mosney gedreht. Sie führten Interviews mit den Beschäftigten, die lieber von den besseren früheren Zeiten erzählen, als Mosney noch ein Urlaubsparadies war, sie lassen die Flüchtlinge ihre Geschichten erzählen, vor allem aber filmten sie die absurde Umgebung einer farbenfrohen Ferienanlage, die zum Alptraum ihrer Bewohner gerinnt, für die es fast immer nur einen Weg aus dem Lager heraus gibt — dahin zurück, woher sie geflüchtet sind.

Paul Rowley ist eigentlich Videoinstallationskünstler, was man dem Film leider anmerkt. Seaview wäre eine tolle Videoinstallation geworden, mit einem Fernseher an der linken Wand mit den Flüchtlingsinterviews, die mit viel Gespür für Farbkomposition vor den bunten Wänden des Heims gedreht wurden, einem gegenüber stehenden Fernseher mit den Interviews mit den Beschäftigten und in der Mitte einer großen Leinwand auf der die Kamerafahrten durch die Anlage und die Gebäude gezeigt werden. Als Film funktioniert die Sache leider nicht einmal halb so gut. Die Disparität der drei Darstellungsweisen will sich nicht zu einer filmischen Einheit fügen und wäre besser getrennt geblieben. Im Forum Expanded wäre Seaview besser aufgehoben gewesen.

Es gibt eine Theorie, dass Filmemachen nichts anderes sei, als die immer gleichen Themen anders zu verfilmen. Wenn das stimmt, hat der russische Regisseur Igor Voloshin in seinem Erstlingswerk “Nirvana” alles richtig gemacht. Leider gibt es im Forum, wo der Film läuft, weder für Maske, noch für Kostüme, noch für das Bühnenbild Spezialpreise. Nirvana bekäme sie alle und hätte selbst beim Soundtrack noch gute Chancen. Warum also zündet der Film trotzdem nicht?

13.2. 12.30 Uhr, Cubix 9, OmE
14.2., 22.00 Uhr, Delphi, OmE
17.2., 20.00 Uhr, Colosseum 1, OmE

Die Geschichte ist schnell erzählt. Die Moskauer Krankenschwester Alisa hat die Schnauze voll von Moskau und zieht nach St. Petersburg. In einer heruntergekommenen WG wohnt sie mit dem Junkie-Päärchen Valera und Dead Man zusammen. Als Dead Man ein Verhältnis mit ihr beginnt, bekriegen sich die beiden Frauen, finden aber zueinander, als Valera eine Überdosis nimmt und Alisa sie rettet. Dann wird Dead Man entführt, weil er seine Schulden nicht bezahlen konnte. Alisa und Valera ziehen durch St. Petersburg, um das Geld aufzutreiben. Mit viel Mühe gelingt es und sie kaufen Dead Man frei. Dead Man klaut aber dann das Geld, das die beiden zum Zurückzahlen der Schulden benötigen und flüchtet. Valera begeht daraufhin Selbstmord, Alisa holt sich bei Valeras Dealer eine Überdosis, im Rausch erscheint ihr Valera und gibt ihr wieder Lebensmut.

Nicht nur die schrägen Kostüme und phantasievoll geschminkten Frauen sind ungewöhnlich, auch die Geschlechterverhältnisse scheinen vertauscht. Die Männer sind den Frauen völlig unterlegen. Der einzige direkte Kampf zwischen einem Mann und einer Frau endet nach nur einem einzigen festen Schlag — mit einem zertrümmerten Schädel des Mannes. Einen gleichwertigen Gegner für Prügeleien haben die beiden Frauen nur, wenn sie gegeneinander kämpfen. Nach der Prügelei zeigen sie sich stolz die Narben vergangener Kämpfe.

Das alles rettet den Film aber nicht, so schön diese Kleinigkeiten auch sein mögen. Wie der Regisseur vollkommen richtig anmerkt, ist diese Geschichte zeitlos. Sie ist weder neu noch besonders intelligent. Genau das ist ihr Problem. Voloshin hat nichts zu erzählen. Er betreibt einen gewaltigen Aufwand, um dieses inhaltliche Nirvana hinter Tonnen von Schminke, Kostümen und lauter Musik zu verstecken. Die von Szene zu Szene wechselnden irrsinnigen Kostüme und grotesken futuristischen Schminkorgien dienen aber leider gerade nicht dazu, das Innere der Figuren erkennbar zu machen. Vielmehr übertünchen sie nur die inhaltliche Leere des Films und der Figuren. Die Ausstattung korreliert nicht mit der Entwicklung der Geschichte, sondern folgt eigenen Gesetzen, die rein ästhetischer Natur sind. So werden Schauspielerinnen zu Models degradiert.

Das sollte aber niemanden hindern, diesen insgesamt doch großartigen Film eines russischen Ausnahmetalents anzusehen. Wie eingangs schon erwähnt, würde ich dem Film sofort drei Spezialpreise für die Ausstattung zuerkennen. Allein die hochästhetischen Bilder heruntergekommener Kulissen in St. Petersburg sind den Eintritt wert. Nirvana ist eine wunderbare, phantastische und hochästhetische Verpackung für einen leeren Kern. Wenn Voloshin sich das nächste Mal entscheiden könnte, auch einen Film zu drehen und sich nicht allein auf seine Kostüm- und Maskenbildner zu verlassen, wäre alles gut.

Wer hätte das für möglich gehalten, dass ausgerechnet James Benning ein Kino nicht nur füllen, sondern sogar gleich am ersten Vorverkaufstag ausverkaufen kann. Ich jedenfalls nicht! Als ich vor zwei Jahren mit “10 Skies” meinen ersten Film von James Benning sah, teilte ich mir das viel zu große Kino mit vielleicht etwas mehr als einem Dutzend anderer Freunde experimenteller Filme.

Deutscher Kinostart: 12.6.2008

Es war ein unvergessliches und unvergleichliches Kino-Erlebnis aus 100 meditativen Minuten. Für die, denen James Benning noch nichts sagt: “10 Skies” sind 10 Einstellungen von 10 Himmeln, die jeweils exakt 10 Minuten lang dauern. Es war die Fortsetzung von “13 Lakes”, der in 13 Einstellungen Seen zeigt. Offensichtlich war es nicht nur für mich ein beeindruckendes Filmerlebnis. Als im letzten Jahr im Forum Bennings Estlingswerk “One Way Boogie Woogie” samt dessen kompletter Neuverfilmung “27 Years later” gezeigt wurde, war es schon deutlich voller geworden. Dieses Jahr setzt Benning seine Filmserie “American Landscapes” mit “RR” fort. “RR” steht für RailRoad und gezeigt werden 37 Einstellungen von vorbeifahrenden Zügen.Dass plötzlich so viele Menschen Zügen hinterhersehen wollen, ist allerdings doch überraschend. Benning ist es aber sehr zu gönnen, dass er sich inzwischen nach vielen Forums-Jahren offensichtlich eine feste Fangemeinde aufgebaut hat, die auch mal ein Kino schnell ausverkaufen kann. Ich habe übrigens keine Karte mehr bekommen. Zum Glück zeigt das Arsenal im Anschluss an die Berlinale eine Benning-Retrospektive. Einen Schnipsel habe ich noch.

Der Film ist einer der ersten, die sich in semidokumentarischer Form dem realen Lebensgefühl der Natives, also der Indiane, annähert. “The Exiles” beginnt mit Fotografien bedeutender Indianerhäuptlinge, dann wird kurz die Einweisung der Indianer in Reservate im 19. Jahrhundert geschildert, die die Indianer zu Exilanten im eigenen Land gemacht hat. In den fünfziger Jahren des 20. Jahrhunderts begann erstmals eine Generation von Indianern die Reservate zu verlassen. Sie zogen in die Großstädte der Weißen und bildeten dort eine eigene Subkultur. Filmemacher Kent Mackenzie recherchierte jahrelang in der Indianer-Community von Los Angeles, bevor er mit den Laiendarstellern ihr Leben verfilmte.

Erzählt wird die Geschichte eines Tages. Zwei Handlungsstränge laufen nebeneinander her. Yvonne lebt mit ihrem Mann Homer und fünf weiteren Indianern in einer Zweizimmerwohnung. Während Yvonne zu Hause bleibt und den Haushalt macht, ziehen Homer und seine Kumpels durch die Nachtbars. Yvonne sehnt sich nach einem normalen Leben und Kindern, verrät uns ihre Off-Stimme, die von Mackenzie aus zuvor aufgenommenen Interviews entnimmt. Die Männer sind hingegen auf der Suche nach dem schnellen Kick. Alkohol, Autos, Frauen, Rock’n'Roll. Als die letzten Bars schließen fahren alle auf einen Berg, von dem aus man die Stadt übersehen kann. In einer der stärksten Szenen des Films zeigt Mackenzie die ganze Entwurzelung dieser jungen Indianer-Generation, die in der Kultur der Eroberer ankommen möchte und doch nicht kann. Zu den alten Stammesgesängen und Trommelrhythmen tanzen sie Rock’n'Roll. Erst nach und nach finden alle zu den alten Stammestänzen zurück. Der Film endet, als die Gruppe morgens wieder zu Hause ankommt, Yvonne ist gerade aufgestanden. Sie stehen verloren und klein in der Stadt, niemand außer ihnen ist da.

“My Brother’s Wedding” ist der zweite Film von Charles Burnett aus dem Jahre 1983. Er spielt ebenfalls in Los Angeles, diesmal aber in der Schwarzen-Community. Im Mittelpunkt steht der junge Schwarze Pierce, der in ein moralisches Dilemma gerät, als sein krimineller bester Freund, der gerade erst aus dem Gefängnis entlassen worden ist, ermordet wird. Die Beerdigung findet dummerweise parallel zur Hochzeit seines Bruders statt. Wieder steht wie schon bei “Killer of Sheep” nicht die eigentliche Handlung im Vordergrund, sondern ein bestimmtes Lebensgefühl der us-amerikanischen Schwarzen. Der Forumskatalog sieht “My Brother’s Wedding” als Vorläufer des Ghetto-und-Gangster-Genres, in dem Goldkettchen, Schnellfeuerwaffen und HipHop die Handlung dominieren. Zum Glück, denn im Gegensatz zum goldkettchentragenden Gangsta-Rapper sind Burnetts Schwarze ausgesprochen elegant und hip gekleidet. Sie haben noch eine Authentizität, die sich nicht aus hyperventilierendem Testosteron speist. An das Meisterwerk “Killer of Sheep” kommt “My Brother’s Wedding” nicht mehr ganz heran, sehenswert ist der Film aber immer noch. “The Exiles” sollte man sich in keinem Fall entgehen lassen.

“The Exiles” wird am 12.02. um 21:30 Uhr im Delphi und am 14.02. um 22:30 Uhr im Arsenal (ausverkauft) wiederholt.