Den Auftakt bilden München und Stuttgart (13.3./14.3.), gefolgt von Berlin und Hamburg (20.3./21.3.), Nürnberg (26.3./28.3.), Köln (26.3./27.3.) und Frankfurt (27.3./28.3.).

Die zehn Häppchen bilden einen Querschnitt des modernen Genrefilms vom Anime, in dem sich ein Hacker der Identität eines fremden Internet-Avatars bemächtigt und damit die Weltherrschaft an sich reißt, über SciFi-Horror, in dem Vampire die Welt regieren und Menschen als Nahrungsqelle halten bis hin zu biogenetischen Tier-Mensch-Hyprid-Experimenten, Zombies in Vorortplattenbauten und J-Horror in 3D. Die Filme kommen aus Japan, Frankreich, Spanien, Großbritannien und den USA. Ein Blick auf die nationalen Filmschmieden des Genrefilms.

Horror-Realismus, made in Spain . . .

Zunächst sei da der spanische [REC]2 genannt, der in Deutschland nun endlich mal zu sehen ist. Beim FFF 09 war ich enttäuscht, dass das Sequel nicht im Programmheft stand. Im Herbst gab es ein Kuddelmuddel mit dem offiziellen Kinostart (erst angekündigt, dann gestrichen), ein Kuddelmuddel mit dem offiziellen DVD-Start (gleiches Prozedere). Inzwischen hat man schon einiges über den [REC]-Nachfolger gehört, nämlich nichts Gutes. Als ich dann in einem deadline-Interview mit den Regisseuren las, dass sie selbst ein bisschen mit ihrem Sequel haderten und definitiv keine Fortsetzung planten, hatte ich mit [REC] 2 schon abgeschlossen. Jetzt lese man und staune! Laut Fantasy-Filmfest-Mini-Katalog (Pdf) sei nun noch ein Prequel sowie ein weiteres Sequel (Ausbruch der Apokalypse) geplant.

Für Uneingeweihte ein Rückblick auf das Original: Ein spanisches Boulevard-Doku-TV-Team à la Vox (»Schneller als die Polizei erlaubt«) »soapt« eine Feuerwehreinheit bei der täglichen Arbeit. Die quirlig-nervige TV-Moderation Angela und ihr Kamera-Boy müssen nicht lange warten: Die Einheit rückt aus, um eine hilflos schreiende Alte in einem uralten Mietshaus zu beruhigen. Es handelt sich jedoch nicht um eine demenzkranke, irre Señora, sondern um einen Zombie. Bald befinden sich die Akteure in Qarantäne (so auch der Titel des US-Remakes). Das Besondere: [REC] verwendet zwar die seit THE BLAIR WITCH PROJECT häufig zum Standard erkorene Realismus-Ästhetik des Wackel-Camcorders, bindet sie aber an eine Story, die diesen inflationären Stil, den die quotenhungrigen TV-Dokus dankbar aufgegriffen haben, auf einer weiteren Ebene kritisiert: Durch die Penätranz Angelas, jeden Popel digital festhalten zu wollen, fühlt sich der Zuschauer als Voyeurist. Auch sonst zeigt dieser absolut gruselige Genre-Film ein exzellentes Gespür für zeitgenössische Zivilisationskrankheiten: Der tägliche Rassismus krassiert unter den Mietern ebenso wie die hypernervöse Atmosphäre im Post-9/11. Mit den Eingeschlossenen weiß nämlich zunächst auch der Zuschauer nicht genau, worum plötzlich alles abgeriegelt ist und Hubschrauber über dem Wohnhaus kreisen. Es ist schwer, diese gelungene Story noch zu übertreffen. Man darf davon ausgehen, dass [REC]2 nur ein müdes Sequel ist, das tief im Schatten seines erfolgreichen Vorgängers steht.

. . . or in France

Seit längerer Zeit gelten die Franzosen als Geheimtipp in Sachen Horror. Diesen Ruf haben sie einigen interessanten Produktionen zu verdanken, wie Pascal Laugiers MARTYRS, 2008 oder Alexandre Ajas HAUTE TENSION, 2003 oder THE HILLS HAVE EYES, 2006. Sie gehören neben den Spaniern und den Japanern, zu den Filmnationen, die ihren ganz eigenen cinematographischen Style pflegen und hegen. Und die französischen Filme sprechen ihre eigene Sprache. Während man aber bei den Spaniern vielleicht von einer Ästhetik des unterschwellig Bedrohlichen sprechen kann, die während des Franco-Regimes als Methapher für eine verordnete Sprachlosigkeit entwickelt wurde (Carlos Saura wird häufig als Vorbild genannt oder Victor Erices EL ESPIRITU DE LA COLOMENA, DER GEIST DES BIENENSTOCKS, 1973) und während die Japaner die literarische Tradition der unterdrückten weiblichen Rache aus dem Jenseits immer wieder aufbereiten, haben die Franzosen keine Horror-Tradition in diesem Sinne. Sie sind echte Autorenfilmer, die Horrorelemente für ihren ganz eigenen Stil transformieren, wie LEMMING (Dominik Moll, 2005) und VINYAN (Fabrice Du Welz, 2008). Die Story von LA HORDE von Yannick Dahan erinnert allerdings eher ein bisschen an Romeros DAWN OF THE DEAD. In einem heruntergekommenen Vorort-Plattenbau jagen rachsüchtige Cops Verbrecher. Doch dann toben plötzlich massenhaft Zombies durch die Platte und beide Parteien sitzen auf dem Dach fest. By the Way: Der Zombie-Papa ist mit SURVIVAL OF THE DEAD (Kinostart: 8.4.) ebenfalls vertreten. Ich muss zugeben, dass ich sein DIARY OF THE DEAD nicht gesehen habe. Es soll aber belanglos sein. Angeblich wurde Romero bei SURVIVAL OF THE DEAD von William Wylers Western WEITES LAND beeinflusst.

3-D-Horror-X-Treme aus Japan

3-D hat sich nun spätestens mit AVATAR etabliert, obwohl schon seit längerer Zeit, Versuche im Gange waren, diese Technik, gerade im Horror-Bereich, breiteren Zuschauermassen schmackhaft zu machen. Generell ist dagegen natürlich nichts zu sagen: Irgendwas muss sich die Branche ja einfallen lassen, um die HDV-verwöhnten Potatoes von ihrer Couch wegzulocken. Außerdem galten die Multiplexe, die einzigen, die sich diese teure Technik leisten können, lange Zeit als gebeutelte Verlierer. Cameron ist es gelungen, das Ruder noch mal rumzureißen. Der Mastermind dessen 3-D-Werk THE SHOCK LABYRINTH (Kinostart: 22.4.) auf den FFF-Nights hoffentlich zum Davon-Laufen ist (im positiven Sinne): Takashi Shimizu.

Spontan fällt mir dazu sein JU-ON (2002) und das US-Remake THE GRUDGE (gleicher Regisseur, USA 2004) ein. JU-ON ist ein sehr gelungenes Stück J-Horror, welches an das Masterpiece RINGU (1998) heranreicht. (Korrektur, 16.4.: Ich hab mir JU-ON letzte Woche noch mal angesehen und hatte wohl eine falsche Erinnerung. JU-ON ist storytechnisch ziemlicher Schrott, eine Aneinanderreihung von Schock-Effekten, welche sich irgendwann auch erschöpfen. Es gibt eins, zwei nette innovative Effekte, der Rest ist einfallslos.) Da ich den Begriff »J-Horror« verwende, möchte ich damit betonen, dass ich den Begriffsschöpfern beipflichte, dass es sich beim sogenannten »Japan-Horror« um ein vollkommen eigenes Genre handelt, das von anderen Horrorfilmen, insbesondere den Remakes, abzugrenzen ist: J-Horror erreicht mit minimalen ästhetischen Mitteln, z. B. eine einzige Kameraeinstellung, die nicht in die Gesamtchoreographie passt, ein äußerst unangenehmes Gefühl. Das Remake arbeitet weniger mit einzelnen Disharmonien. Es benötigt einen gesamten Szenenaufbau, arbeitet brachialer, weicht letztendlich immer mehr auf Sound-Effekte aus. Das US-Remake von RINGU, THE RING (2002) füllt die Lücken, die das japanische Original hinterlässt, mit Erklärungen und Motiven. Der J-Horror reicht weit zurück auf die literarische, traditionelle Geistergeschichte, die keinerlei logischer Motive, was das Wirken Toter betrifft, bedarf. Die Story von THE SHOCK LABYRINTH ist – nun ja – traditionell: Eine tote Freundin, die während eines heimlichen Besuchs in einem Gruselkabinett (wahrscheinlich die japanische Variante der Geisterbahn) zu Tode kam lässt wieder von sich hören. Schuldig sind natürlich die jugendlichen Protagonisten, die nach dem Zehn-Kleine-äh-Männlein-Prinzip dezimiert werden. Und natürlich ist so ein Grusellabyrinth besonders geeignet, in 3 D dargestellt zu werden. Hoffentlich ist THE SHOCK LABYRINTH wirklich J-Horror und nicht krachiges 3-D-Kino à la AVATAR.

Das Anime SUMMER WARS lief schon auf der Berlinale. Hier mal ein Perlentaucher-Text.

Starbesetzte us-amerikanische Standardcoproduktionen

DAYBREAKERS wird in Deutschland nur auf DVD vermarktet (ab 16.7.) und ist mit lauter Stars besetzt: Willam Dafoe, Ethan Hawke, Isabel Lucas, Sam Neill – mir ein bisschen zu fett. Story in Schlagworten: Zukunft, Vampirherrschaft, Menschen pflanzen sich zu langsam fort, Vampir-Panik, fieberhafte Suche nach Ersatzstoff, Widerstand unter den Menschen.

Sieht nach actionreichem, uninteressantem US-Standardkino aus

Eine Nummer kleiner (Adrien Brody & Sarah Polley), ambitionierter und vermutlich mit B-Movie-Einschlägen ist SPLICE. Dieser läuft später im Kino (3.6.). Die Story stammt aus der Feder des CUBE-Schöpfers Vincenzo Natali, der auch Regie führte. Jungen Eheleuten, erfolgreiche Biogenetik-Forscher, die Tiere miteinander kreuzen, also Hybride fabrizieren, geht das Geld aus. Um die Schließung ihres Labors zu verhindern, brauchen sie etwas Spektakuläres: eine Mensch-Tier-Kreuzung. Diese sieht zunächst wie ein glipschiges Huhn, später wie ein außerirdisches Baby und schließlich wie Sinhead O Connor aus (na ja, vielleicht nicht ganz so hübsch).

Die »Geburt« eines menschlichen Hühnchens.

British Special

Die Briten sind mit zwei Filmen vertreten. RED RIDING: 1974 basiert auf dem ersten Teil einer Bestseller-Trilogie von David Peace. Die Story ist klassisch. In Yorkshire jagt der karrierehungrige Reporter Scoop (Andrew Garfield) einen Serienkiller, der Schulmädchen abmurkst. Bald wird er aber der Gejagde, da es korrupte Bullen gibt, die nicht wollen, dass Scoop herumschnüffelt. Laut Katalog soll der 70th-Style beeindruckend authentisch sein: Klamotten, Autos, Tapete, Haartrachten. Der Film wurde auf 16mm gedreht und dann auf 35mm aufgeblasen, um einen 70er Jahre-Neo-Noir-Thriller-Eindruck zu erwecken.

Der zweite Film HEARTLESS spielt in der klaustrophobischen und anarchischen Atmosphäre des Londoner East Ends der Gegenwart. Eine maskierte Gang kontrolliert das Viertel – in Wirklichkeit sind es aber keine Homies, sondern böse Höllenwesen. Der Protagonist, gespielt von Jim Sturgess, der für HEARTLESS auch drei Songs performt hat, geht einen Teufels-Pakt ein, damit er besser aussieht – er hat nämlich ein scheußliches Muttermal im Geschicht. Dafür muss er allerdings töten.

Filmlängen:

THE SHOCK LABYRINTH, 89 Min.
SPLICE, 107 Min.
SUMMER WARS, 114 Min.
SURVIVAL OF THE DEAD, 90 Min.
THE COLLECTOR, 88 Min.
DAYBREAKERS, 98 Min.
HEARTLESS, 110 Min.
LA HORDE, 90 Min.
[REC] 2, 85 Min.
RED RINDING: 1974, 102 Min.

Die Verfilmung des schwedischen Romans »So finster die Nacht«, einer düsteren Coming of Age-Geschichte, steht ganz in der melancholischen Tradition des schönen dunklen Nordens. Mit ruhigen poetischen Bildern entwirft Tomas Alfredson die Einsamkeit zweier Zwölfjähriger. Zu Weihnachten kommt die Literaturverfilmung bei uns in die Kinos – auf dem Fantasy Filmfest ist sie schon jetzt zu sehen.

Der zwölfjährige Oskar lebt mit seiner Mutter in einer grauen Mietshaussiedlung. In seiner Klasse wird er gehänselt und drangsaliert. Sein Vater ist ein Alkoholiker, den er ab und zu besuchen darf. Oskar ist allein und isoliert. Doch dann platzen zwei Ereignisse in sein Leben: Der kleine Vorort von Stockholm wird von einer Reihe mysteriöser Morde heimgesucht und ins Nebenhaus zieht ein Vater mit seiner ebenfalls zwölfjährigen Tochter Eli ein. Merkwürdig ist nur, dass die neuen Nachbarn ihre Fensterscheiben mit Pappe zu kleben und Eli muffig riecht. Aber eigentlich gefällt das Oskar, ist sie doch ebenso eine Außenseiterin wie er selbst. Bald entwickelt sich eine zarte Freundschaft zwischen ihnen. Dass die Morde etwas mit Eli zu tun haben könnten, ahnt Oskar noch nicht.

Der Film basiert auf dem Roman »So finster die Nacht« von John Ajvide Lindqvist, der auch das Drehbuch zum Film geschrieben hat. Es ist eine düstere Coming of Age-Geschichte, die von einer einsamen Kindheit in der Tristesse des Nordens handelt – die gleiche melancholisch-schöne Tristesse wie wir sie von einem Aki Kaurismäki oder einem Mikael Niemi (»Populärmusik aus Vittula«) schon kennen. Tomas Alfredson gelingt es in ruhigen Einstellungen und poetisch-düsteren Bildern die Einsamkeit eines Zwölfjährigen zu skizzieren, dessen Hobby darin besteht, Zeitungsausschnitte von Verbrechen zu sammeln.

Da Roman sowie auch Verfilmung die Metaebene zulassen, die Geschehnisse in dem kleinen Örtchen als Rachephantasien eines Zwölfjährigen zu lesen, geht der Geschichte nicht ganz auf. Alfredson hat sich gegen einen OFF-Kommentar entschieden, nicht unbedingt zum Vorteil des Films. Der Kinderdarsteller Kåre Hedebrant spielt den Oskar stark zurückgenommen, so dass die ungeheure Wut, die die teilweise auch recht harten Splatterszenen suggerieren, nicht wirklich nachvollzogen werden kann. Man denke dabei an die gelungenen Mittel zu denen Peter Jackson in HEAVENTLY CREATURES (USA, D, NZ, 1995) gegriffen hat. Dort wird die Figur Pauline (Melanie Lynskey) von eben solchen blutigen Rachephantasien heimgesucht. Jackson arbeitet dies mit dem OFF-Kommentar und Tagtraumsequenzen sehr drastisch heraus.

Oskars Welt ist jedoch nicht die einzige Perspektive, die der Film verfolgt. Eli ist nicht nur die tragische Vampir-Figur, mit der wir eher Mitleid empfinden als Grauen, sondern sie steckt auch in einer tragischen Vater-Tochter-Beziehung. Ihr alter Vater selbst ist kein Vampir, möchte aber wie jeder liebende Vater für seine Tochter sorgen. Er hat das Pech, ständig beim Schächten der Opfer erwischt zu werden, so dass Eli um nicht zu verhungern, schließlich selbst morden muss. Dass seine kleine Tochter Leute umbringt, schmeckt wiederum dem Vater nicht, der sich inzwischen überflüssig vorkommt. Schließlich sieht er nur noch einen Ausweg für sich.

Wie in den vielen traditionellen Vampirfilmen ist auch hier der Blutsauger eine tragische Figur, die lediglich durch die Sucht nach Blut getrieben wird. Natürlich ist von der kostbaren roten Flüssigkeit immer zu wenig da, weil es gar nicht so einfach ist, jemanden zu überwältigen. Darüber hinaus sucht Vampir Eli aber auch ein bisschen menschliche Wärme, die sie bei Oskar schließlich findet.

LET THE RIGHT ONE IN zeigt die Perspektive der Ausgestoßenen und Verlassenen und wird deshalb von MFA kurz vor Heilig Abend in die Kinos gebracht, da bekanntlich zu Weihnachten die meisten Empathie für andere empfinden. Die Geschichte mit viel Schnee hat auch einen Hauch schwarzen Humor zu bieten. Denn wie in den meisten skandinavischen Filmen tauchen auch hier skurile Gestalten auf. In der Nachbarschaft verbringt man die kalten Winterabende mit unzähligen Katzen und Schnapstrinken. Und während man noch rätselt, welches komische Wesen den lieben Kumpel ins Jenseits befördert haben könnte, ist man schon selbst ein Vampir.

Vom heißen Sex bis zum kalten Abschlachten ist es nur ein kleiner Schritt: Zumindest in DONKEY PUNCH

Film kann so einfach sein: 4 Jungs, 3 Mädels, eine Luxusyacht, ringsum strahlender Sonnenschein und viel blaues Meer. Ein paar Drogen und jede Menge Blut. Der englische Wettbewerbsbeitrag DONKEY PUNCH erzählt die Geschichte einer ausgelassenen Sommer-Urlaubs-Party, die ein wenig aus dem Ruder gerät. Nur 10 Sekunden braucht Regisseur und Drehbuchschreiber Oliver Blackburn, um klarzumachen, dass es ein blutiger Film wird — da hat sich Tammi, die schüchternste der drei Mädchen, beim Achselhaarrasieren geschnitten. Danach ist aber erstmal Party angesagt.

Die drei Mädels lernen auf einer Mallorca-Party drei Londoner Boys kennen. Nachdem sie den gestohlenen Champagner am Strand leergetrunken haben, machen die Jungs den Vorschlag, auf der Yacht weiterzufeiern. Kim und Lisa sind sofort begeistert und überreden schließlich auch Tammi “auf einen Drink” mitzukommen. Leider kann man im Hafen die Musik nicht so laut stellen, wie es für eine zünftige Yachtparty angemessen wäre. Also Leinen los und raus auf’s Meer. Dort verteilt Bad Boy Bluey erstmal reichlich Drogen und erzählt vom Donkey Punch, einem Schlag ins Genick, der dem Mädchen beim Sex den absoluten Kick beim Orgasmus versetzen soll.

Bild: Fantasy Film Fest

Keine Frage, das muss man ausprobieren. Also gehen Kim und Lisa mit Bluey und Marcus für eine spontane Sexparty nach unten, kurz darauf gefolgt von Josh, der mit zittrigen Fingern das heiße Geschehen mit einem Camcorder aufnimmt. Bluey überlässt dann Josh Lisa und übernimmt selbst den Camcorder. Als der unerfahrene Josh beim Höhepunkt nach Anfeuerung von Bluey den Donkey Punch setzt, ist der Faustschlag etwas zu gut gesetzt. Lisa klappt mit gebrochenem Genick tot zusammen.

Damit ist die Bühne eröffnet für einen Survival of the fittest, in dem gegenseitiges Mißtrauen und Mißverständnisse ein ums andere Mal die Situation im Krieg der Geschlechter auf eine neue Eskalationsstufe heben. Dabei versteht es Blackburn, die Gewaltdosis bei jedem weiteren Toten virtuos noch eine Schraube höher zu drehen. Soviel sei verraten, dass die destruktiven Möglichkeiten einer Signalpistole und eines Bootsmotors bildstark aufgezeigt werden.

Anscheinend sind dieses Jahr einige Partyfeinde unter den Regisseuren. Neben dem hier vorgestellten DONKEY PUNCH wird auch noch der argentinische Beitrag 36 STEPS um eine ausgelassene Poolparty, die ein sadistischer Serienkiller veranstaltet, der jedes Mädchen, das sich weigert, weiterhin gute Laune zu haben, abschlachtet, den Zuschauern die Partylaune hoffentlich nicht verderben. 36 STEPS wurde in Berlin auf Dienstag 15:00 Uhr verlegt.

FFF Hamburg (18.8., CINEMAXX 2, 19.15 h); FFF Dortmund (23.8., CINESTAR 10, 17.00 h);
FFF Köln (21.8., CINEDOM 6, 19.15 h); FFF Frankfurt (31.8., METROPOLIS 3, 19.15 h);
FFF Nürnberg (29.8., CINECITTA’ 2, 19.00 h);FFF Stuttgart (9.9., METROPOL 2, 15.00 h);
FFF München (5.9., CINEMA, 17.30 h)

Typisch Miike: Leichen pflastern seinen Weg.

Takashi Miike filmt schon seit vielen Jahren an seiner ganz persönlichen Filmothek. Vom Horror über den Yakuza-Thriller bis zum meditativen Roadmovie hat er so ziemlich alle Genres inzwischen durchgespielt. Sein neuester Film LIKE A DRAGON deckt sogar gleich zwei Genres ab. Die PC-Spiel-Verfilmung und die Actionkomödie. Drei oder mehr Erzählstränge werden mehr oder weniger zusammenhängend erzählt.

Da ist zum einen ein gerade aus dem Gefängnis entlassener Yakuza namens Kiryu, der versucht die Mutter der kleinen Haruka zu finden. Zwei Yakuza-Gangs, von denen die eine unter dem brutalen Anführer Majima sich auf der Suche nach Kiryu mit Baseball-Schlägern den Weg freimetzelt. Das junge Liebespärchen Yui und Satoru, die durch Zufall und die Geistesgegenwart des Mädchens Yui bei einer Gangster-Schlägerei in einem Lebensmittel-Laden in den Besitz von Yakuza-Geld kommen und, einmal auf den Geschmack und in den Besitz einer Waffe gekommen, einen Laden nach dem anderen ausrauben. Das Figurenkabinett beruht auf einem Computerspiel namens Yakuza, das ich aber nicht kenne. In Europa wird es wohl nicht vertrieben, von daher kann nur der Film als solcher bewertet werden.

Vielleicht will Miike vom früheren Image des Splatterfilmers weg. Aber trotz zahlreicher gelungener Gags zündet diese Actionkomödie nicht so recht. Da ist zum einen die doch recht verworrene Yakuza-Geschichte, deren Zusammenhänge, wer wann mit wem was warum angestellt hat und deshalb jetzt hinter ihm her ist, sich einfach nicht auflösen lassen wollen. Aber auch als reines Popcorn-Kino, in dem die Story eh scheißegal ist, funktioniert Like a Dragon nicht. Nicht nur der dritte Handlungsstrang von zwei ziemlich dämlichen und glücklosen Geiselgangstern in einer Bank, die fünf Minuten vor dem Überfall noch eine riesige Bargeldmenge hatte, ist für meinen Geschmack zu klamaukig geworden.

Wirklich gelungen ist nur die als Tragikkomödie inszenierte Bonnie und Clyde-Story im Teenie-Format um Yui und Satoru, die nach einer rauschhaften Nacht des Ausraubens von Läden schließlich von den Yakuza gestellt werden. Erwähnenswert auch die erfrischende Natürlichkeit, mit der Natsuo Tomita das kleine Mädchen Haruka spielt. Leider hat Miike nicht den Mut, das Vater-Tochter-Verhältnis zwischen ihr und Kiryu in Richtung “Leon, der Profi” weiterzuentwickeln.

Mit den Filmen von Takashi Miike ist es so eine Sache. Wenn er gut drauf ist, und das ist er etwa jedes zweite Mal, haut er Sachen raus, die sind fast so gut wie die Filme von seinem Namensvetter Takashi Kitano. LIKE A DRAGON gehört in die andere Hälfte. An die große Klasse japanischer Actionkomödien, wie sie z.B. Sabu immer wieder vorlegt, kommt LIKE A DRAGON leider gar nicht heran.

FFF Dortmund (24.8., CINESTAR 9, 15.00 h); FFF Köln (23.8., CINEDOM 9, 17.00 h)
FFF Frankfurt (29.8., METROPOLIS 3, 21.30 h); FFF Nürnberg (30.8., CINECITTA’ 2, 19.00 h)
FFF Stuttgart (10.9., METROPOL 1, 19.30 h); FFF München (6.9., CITY, 19.15 h)

Nur Opfer? Jenny (KellyReilly) als Final Girl in EDEN LAKE.

Eigentlich sollte es ein romantisches Verlobungswochenende am einsamen Eden Lake werden. Doch nach einer Auseinandersetzung mit »Krawalljugendlichen«, gerät das Pärchen in einen Strudel der Gewalt. Das 22. Fantasy Filmfest eröffnet mit einer Weltpremiere. Der intelligente Horrorthriller, das Regiedebüt des Briten James Watkins, kommentiert die Jugendgewaltwelle in Großbritannien.

Recht vergnügt holt Steve seine Freundin Jenny von der Arbeit ab. Die Kindergärtnerin und ihr Freund starten in ein lang geplantes Campingwochenende aufs Land. Doch das Unheil kündigt sich schon im Autoradio an. Dort wird über Jugendkriminalität diskutiert. Kurz darauf brettern Kids mit ihren Mountainbikes über die rote Ampel Steve direkt vor die Kühlerhaube. Am Eden Lake angekommen, findet das Pärchen eine Lücke im Zaun. Die Gegend um den See ist weiträumig abgesperrt. Ein Hinweisschild, auf dessen Rückseite jemand die Worte »Fuck off, yuppie cunts!« gesprüht hat, kündigt hier Wohnsiedlungen für Reiche an. Im Wald treffen sie auf einen eigenbrötlerischen Jungen. Doch der will nicht mit ihnen reden, weil ihm seine Mutter verboten hat, mit Fremden zu sprechen. Als sie endlich am See angelangt sind, scheinen sie einen romantischen Ort gefunden zu haben. Doch als Jenny aus ihrem Nickerchen erwacht, starrt sie direkt in die Augen eines hässlichen Kampfhundes. Das »possierliche« Tierchen gehört Jugendlichen, die bald darauf den ganzen See beschallen und eine Atmosphäre des Unbehagens verbreiten.

EDEN LAKE arbeitet konsequent mit realistischem Background. Die folgenden Auseinandersetzungen zwischen dem Pärchen und den rotzfrechen Youngstern, die sich bis zu gewalttätigen Auseinandersetzungen hochschaukeln, sind plausibel. Den Suspense zieht der Film hauptsächlich aus dem Thrilleffekt Folger-und-Verfolgte. Watkins bleibt dabei, wie auch in den blutigen Szenen, sehr subtil. Er verzichtet auf krachige Effekte zugunsten intelligenter Verweise auf soziale Missstände. Besonders deutlich wird das anhand der ambivalenten Figurenskizzierung, die keineswegs so eindeutig ist, wie sie zu Beginn angedeutet wird.

ACHTUNG SPOILER!

Besonders trifft das auf Jenny zu, die mit ansehen muss, wie ihr Freund zu Tode gequält wird. Zunächst scheint sie ganz dem taffen Final Girl zu entsprechen, das sich animalisch und clever durch ein Martyrium kämpfen muss. Doch da Watkins die jugendlichen Täter nicht als übernatürlich schlecht und verdorben skizziert, also auch hier der realistischen Darstellungsweise verpflichtet bleibt, erscheint auch Jenny zunehmend in einem anderen Licht: Der Anführer der Clique ist der eigentliche Mörder. Er zwingt die anderen teilweise unter Gewaltandrohung zum Mitmachen. Als sich einer unbemerkt von der Gruppe entfernen kann, trifft er die im Wald umherirrende Jenny. Doch das vermeintliche Opfer, die Kindergärtnerin vom Vortag, hat sich inzwischen zur rasenden Bestie gewandelt (auch optisch). Eigentlich grundlos sticht sie auf den ihr körperlich unterlegenen Jungen ein, der sie überhaupt nicht angreift, ihr möglicherweise sogar helfen will. Später, nach dem sie sich ein Auto erobern konnte, fährt sie noch eine weitere Jugendliche über den Haufen. (Interessant ist übrigens, dass das Premierenpublikum an diesen Stellen geklatscht hat. Scheinbar wurde der Film nur als reiner Horrorfilm konsumiert.)

SPOILERENDE

Watkins beschreibt die Gewaltwelle – die in den Medien sehr präsenten sich ständig wiederholenden Messerattacken – als einen aussichtslosen Kreislauf. Jeder ist mal abwechselnd Opfer und Täter. Auch die Ursachen für die jugendliche Verrohung benennt der Regisseur: Gewalt in der Familie – richtig gruselig ist der Vater des Haupttäters – und die sozialen Ungerechtigkeiten. Vehement kritisiert wird die Privatisierung von Natur, die in Großbritannien schon lange ein großes Problem darstellt. Der meisten Wälder, Felder, Seen und landwirtschaftlichen Nutzflächen sind für die Öffentlichkeit nicht zugänglich, da sich Natur in Großbritannien zum Großteil im Privatbesitz befindet.

Nachdem das Fantasy Filmfest im letzten Jahr mit der Splatterkomödie BLACK SHEEP (Jonathan King, Neuseeland, 2007) eröffnete, ist dies ein etwas ernsterer Auftakt.

FFF Dortmund (20.8., CINESTAR 9, 20.00 h); FFF Köln (20.8., CINEDOM 4, 20.00 h)
FFF Frankfurt (27.8., METROPOLIS 6, 20.00 h); FFF Nürnberg (27.8., CINECITTA’ 3, 20.00 h)
FFF Stuttgart (3.9., METROPOL 1, 20.00 h; METROPOL 2, 22.15 h); FFF München (3.9., CINEMA, 20.15 h; 22.30h)

Das Sequel LADY BLOOD konnte noch nicht fertig gestellt werden und läuft nur in vorläufiger Fassung auf dem FFF.

Folgende Regisseure werden in Berlin erwartet: Am Mittwoch, den 13.8., stellt Mabrouk El Mechri seinen Film JCVD (2008) um 21.15 Uhr im CinemaxX vor. In diesem Actionthriller erscheint doch tatsächlich Jean-Claude Van Damme wieder auf der Bildfläche, der sich selbst selbstironisch spielt. Warum nicht? Mit PULP FICTION hat auch ein Totgeglaubter sein Comeback geschafft.

Der gleich mit zwei Filmen vertretene dänische Regisseur Ole Bornedal (Nightwatch, 1997) ist am Freitag, den 15.8. um 21.30 Uhr, ebenfalls im CinemaxX bei seinen Film JUST ANOTHER LOVE STORY (2007) anwesend. In diesem Neo-Noir mit vielerlei Verweisen auf die ganz Großen der Filmgeschichte wie Bergman, Hitchcock und Wilder taucht die Femme fatale zuerst auf der Kühlerhaube eines Autos auf. Zwischen dem Fahrer, einem Leichenfotografen, und der durch die Folgen des Unfalls an Amnesie leidenden Schönen entwickelt sich eine verhängnisvolle Obsession. In Bornedals zweitem Beitrag, der Sience-Fiction-Horror-Komödie THE SUBSITUTE, spielt Paprika Steen (DAS FEST, IDIOTEN, ADAMS ÄPFEL) eine nichtirdische Lehrerin mit ungewöhnlichen Fähigkeiten.

Dass das Fantasy Filmfest wirklich Frischware anzubieten hat, beweist der Film LADY BLOOD (Jean-Marc Vincent, F 2008). Da der Film noch gar nicht fertig ist, kann er nur in der vorläufigen Fassung gezeigt werden, die natürlich nicht auf 35mm vorliegt. Kurz vor dem Filmstart in Hamburg am Samstag, den 16.8., muss extra die HDV aus Paris geholt werden. In diesem Sequel von »Baby Blood«, einem der ersten französischen Splatterfilme, bricht die dunkle Vergangenheit einer Polizistin wieder auf.