Der Peckinpah-Experte und -fan Mike Siegel hat ein unabhängiges und finanziell schwierig zu realisierendes Filmprojekt über den Ausnahmeregisseur realisiert, das fast unbemerkt nur auf DVD erschienen ist.

Es ist keine filmhistorische Abhandlung über Peckinpah, sondern vor allem eine Biographie über einen an der Filmindustrie gescheiterten und in der Öffentlichkeit umstrittenen Künstler, der über sich sagte: »All my life, everything what I am is upon that screen.« Es ist die Ballade über Sam Peckinpah, die bisher nur seine engsten Mitarbeiter, Schauspieler und seine Familie kannten. Gleichzeitig ist Mike Siegels Audiokommentar auch ein persönlicher Fanbericht.

Das Zitat von Sam Peckinpah hören wir gleich zweimal in der Eröffnungssequenz, während die Kamera den Drehort von Mapaches Hazienda (THE WILD BUNCH, 1969) einfängt. Mike Siegel verweigert sich Peckinpahs Selbsteinschätzung und sagt gleich zu Beginn im Audio-Kommentar, dass es ihm nicht um das Werk des Regisseurs geht, sondern um Peckinpahs Leben, um ein Leben, dass – so Siegel – »sehr schwer zu erfassen ist«, weshalb sich das Projekt über Jahre hinzog. Ein weiterer Grund, warum der Film, welcher 2000 seinen Ausgangspunkt nahm, erst jetzt und nur auf DVD erscheint, sind die komplizierten finanziellen Rahmenbedingungen unabhängigen Filmeschaffens – dazu später ein paar Randbemerkungen.

Gleich zu Beginn sehen wir Peckinpah bei seinen letzten Dreharbeiten, zwei Monate vor seinem Tod: bei einem Videoclip-Dreh irgendeiner Band. Wie konnte er so tief absteigen?

Joel McCrea in RIDE THE HIGH COUNTRY (1962)

Biographische Kindheitsspuren erzählt Peckinpahs Schwester, Fern Lea Peter: Sie sind in den Bergen aufgewachsen. Der Großvater war Richter und Anwalt, und die Familie züchtete Vieh. Die damals Fünfjährige erinnert sich an den letzten Viehtrieb: Sie weinte als die Ohren der Kühe für die Erkennungsmarken aufgeschlitzt wurden, weil das Blut spritze. Der Großvater war resolut: »Wenn du heulst, verschwinde von hier!« – »Ein gewisses Verhalten wurde von uns erwartet….Es gab viel Ehre und Dinge, die man besser nicht tat.« – Das Thema, dass Ehre, Moral, Integrität in einer sich verändernden, gewalttätigen Welt an Bedeutung verlieren, zieht sich wie ein roter Faden durch Peckinpahs Filme. Gleich in seinem zweiten Spielfilm, der Spätwestern RIDE THE HIGH COUNTRY (SACRAMENTO, 1962), legt er seinem alterndem Westernhelden (Joel McCrea) die Worte seines Vaters in den Mund: »Alles was ich will, ist mein Haus als rechtschaffener Mann zu betreten.« – Sich nicht Verkaufen, kein Einknicken, sauber bleiben.

Sam Peckinpah bei Dreharbeiten

Während der Dreharbeiten zu SCARAMENTO, seinem gerade mal zweiten Spielfilm, kommt es zum Knatsch mit MGM. Die Dreharbeiten im Freien sind zu teuer und ohne den Regisseur zu informieren, verlegt sie MGM kurzerhand ins Studio. Das war keine Provokation, sondern offenbar Ausdruck, welchen Stellenwert man in Hollywood dem Regisseur beimaß.
»All my life, everything what I am, is upon that screen« – MGM ist aber nicht an einem Kunstwerk interessiert, sondern daran möglichst schnell aus der tiefen finanziellen Krise zu kommen. Dafür brauchte Metro-Goldwyn-Mayer vor allem massenkompatible Filme.

Beim nächsten Peckinpah-Film MAJOR DUNDEE (1965) kommt es zum großen Knall: Gleich zu Beginn sagt der neue Produzent, Jerry Bresler, er werde den Film zerstören. (So, wörtlich Peckinpah aus dem Off.) Und so passierte es auch: Er zerschnitt den Film. Peckinpah wehrte sich, jagte Produzenten vom Set – und landete auf einer inoffiziellen »Schwarzen Liste«. Er erhielt keine Aufträge mehr.
Mit dem Studiosystem und Peckinpah knallten zwei Welten aufeinander: eine Kinoindustrie in der Krise vs. einem Mann, dem Ehre, Rechtschaffenheit, Integrität und Kunstwerk extrem wichtig waren. Und einem Mann, der nicht nur einfach ein Regisseur war, sondern, der für seinen Film bis zum äußersten ging.

Denn so resolut er gegenüber den Studios war, so sprang er auch mit seinen Schauspielern um. Hauptsache sie lieferten ihm das, was er sehen wollte. Besonders deutlich wird das bei den Dreharbeiten zu STRAW DOGS (Wer Gewalt säht, 1971 – in Deutschland Dank Mike Siegel seit 2007 unverstümmelt erhältlich).

Die Medien urteilten über Peckinpah zwiespältig, aufgrund seiner ausufernden Gewaltdarstellungen. New-Yorker-Kritikerin Pauline Kael bezeichnete STRAW DOGS (1971) als »ein faschistisches Kunstwerk«.

So, Produzent Dan Melnick: »Dustin [Hoffman] in the beginning was very close to her [Susan George] and they were together all the time. He was relating to her and Sam [Peckinpah] was relating to her as the character David related to the character Amy. And as their marriage started to fell the strain [im plot, K.], they startet behaving to her in that obscene way, with that strain and hostility….«

Peckinpah manipulierte und kontrollierte die Schauspieler und wandte dabei sehr unschöne Methoden an.

Trotzdem fand er aber immer wieder Unterstützer und somit konnte er das Drehbuch zu THE WILD BUNCH umschreiben, dass er schließlich mit Warner umsetzte. Und er drehte JUNIOR BONNER (1971) mit Steve McQueen. Die schon X-mal verfilmte Geschichte um Pat Garett und Billy the Kid setzte er wieder mit MGM um, die den Film erheblich schnitten. Die Dreharbeiten waren eine Zerreißprobe für die gesamte Crew und Peckinpah permanent betrunken. BRING ME THE HEAD OF ALFREDO GARCIA (1971) und THE KILLER ELITE (1975) blieben erfolglos und Peckinpah hatte inzwischen starke Probleme mit Alkohol und Drogen. Die Angebote blieben aus. 1977, als Peckinpah den Kriegsfilm STEINER – DAS EISERNE KREUZ, seinen vorletzten Film, drehte, waren die Dreharbeiten deutlich von Peckinpahs Alkoholproblemen überschattet. Er trank bis zu vier Flaschen Schnaps an einem Drehtag.

Filmplakat zu THE WILD BUNCH (1969)

PASSION & POETRY ist eine Collage von Talking Heads (u. a. James Coburn, Ernest Borgnine, Kris Kristofferson, Senta Berger, Ali MacGraw, L. Q. Jones, R. G. Armstrong, Mario Adorf), die unzählige Anekdoten erzählen, Standfotos, Aufnahmen vom Filmdrehs, Tonbandaufnahmen und Interviews mit Peckinpah sowie Ausschnitten aus Werbetrailern der Peckinpah-Filme. Trotz großer Aufmerksamkeit und positiver Resonanz für sein Projekt und der Teilnahme an verschiedenen Filmfestvials konnte Mike Siegel keinen Finanzier finden. Ein geplanter ARTE-Themenabend, der den Film hätte mitfinanzieren können, scheiterte an einem einzelnen Menschen (!) im ZDF. Um das Projekt doch noch durchziehen zu können, blieb Siegel nur ein Ausweg: Er musste die teuren Filmclips rausschneiden und mit Auszügen aus Werbetrailern versehen.

PASSION & POETRY setzt eine Kenntnis der Peckinpah-Filme voraus, denn plots werden nicht erzählt. Andererseits weckt der Film auch soviel Interesse, dass man durch ihn inspiriert wird, sich diese Filme (noch mal) anzusehen.

Weiterführende Links:

Auf die Gewalt, eines der am meist diskutierten Themen im Zusammenhang mit den Filmen von Peckinpah, bin ich kaum eingangen. Der Artikel »Mythologie und Gewalt in Sam Peckinpah’s Western The Wild Bunch« widmet sich diesem Thema.

INGLOURIOUS BASTERDS gesehen. Na upa! Nachdem ich mir keinerlei Kritiken durchgelesen hatte, war ich absolut platt: Das war ja gar kein Naziploitation-Film, wie der Trailer nahelegt, auch kein Edeltrash. Das war ja mein Pulp Fiction Nr. 2 auf den ich 15 Jahre lang warten musste: Tolle Dialoge, ultraspannende Story, glänzende Schauspielerleistungen und irgendwie cool. Tarantino behandelt diesen Stoff, mit dem sich alle extrem schwer tun (ganz schlimm die Deutschen), mit einer begnadeten Leichtigkeit, ohne aber das Thema zu verharmlosen, die Nazis lächerlich zu machen, und macht daraus eine komische und extrem spannende Geschichte mit tollen Dialogen. Der Film des Jahres – ohne Witz!

Jetzt aber zurück zu Seeßlen. Im Kapitel »A Lot of Plot« erzählt Seeßlen auf 60 Seiten den Film nach und analysiert ihn – mal überzeugend, mal weniger, mal ist es einfach und einleuchtend, mal sind die Verweise relativ komplex. Hier mal drei Beispiele:

1.) Bei den Nazis geht das Gerücht um, dass unter den Bastarden ein »Bärenjude« sei. Einer erzählt sein Erlebnis mit dem »Ungeheuer«. Rückblende: Er ist mit seinen Kameraden im Wald; plötzlich sind sie von Bastarden umstellt. Dialoge, Drohungen, etc. Dann: Kurz bevor der »Bärenjude« aus seiner Höhle tritt, um den Anführer zu töten, zeigt die Kamera im Schuß-Gegenschußverfahren abwechselnd Höhleneingang und das Gesicht des deutschen Anführers, der zermalmt werden soll. Typischer Horrorfilm-Stil. (Ich glaube beim Cut auf die Höhle gibt es auch noch eine Kamerafahrt.) Wie auch immer: Der Gag: Es kommt nur Eli Roth heraus, der ziemlich normal menschlich und klein aussieht. Eli Roth ist Horror-Filmregisseur (»Hostel«) und diese Szene wie eine Horrorfilmszene zu drehen, schien naheliegend.

Zusatz: Seeßlen schreibt jetzt auch noch, dass diese Szene in Cannes nicht so gut ankam, weil ja nichts passierte. Im Horrorfilm passiert aber auch häufig nichts. – Erinnerte mich aber eher an eine Szene aus Monty Pythons »Ritter der Kokosnuss«: Das Ungeheuer vor dem sich alle fürchteten war ein harmlos aussehendes weißes Kaninchen, welches dann aber doch mit seinen Beißerchen mächtig zu hauen konnte (in dem es sich auf sein menschliches Opfer stürzte und es auffraß). Wie Eli Roth mit seinem Baseballschläger. Aber ich muss den Cannes-Kritikern irgendwie Recht geben: Bei Tarantino funktioniert der Witz irgendwie nicht so. Egal. Ausschweifungen. Nächste Analyse.

2.) »Bar« heißt auf hebräisch »Sohn« und »bat« heißt »Tochter« und da Eli Roth mit einem Baseballschläger (engl. »bat«) tötet, könnte der »Bärenjude« mit seinem Schläger auch für die rächenden Kinder Israels stehen. Na, ja – das ist für mich Kaffeesatzleserei.

3.) Andererseits hat Tarantino offensichtlich auch absichtlich einige komplizierte Fährten gelegt – wahrscheinlich in der Hoffnung, dass die Kritiker wie Detektive danach recherchieren: In einer Szene, die in England spielt, fragt Churchill, einen Kenner des deutschen Kinos: »Goebbels will also Leute wie Louis B. Mayer mit den eigenen Waffen schlagen?« – »Goebbels sieht sich eher wie ein David O. Selznick.« Nun schlägt die Stunde für Seeßlen. Er hat seine Hausaufgaben gemacht und befördert – Analyse hin oder her – eine unheimlich interessante, etwas komplizierte Background-Story über die Juden in Hollywood zu Tage: Der jüdische Drehbuchautor Ben Hecht protestierte gegen die »amerikanisierten Juden« (solche wie Louis B. Mayer, ja genau der aus Metro-Goldwyn-Mayer), die ihre Macht, die sie in Hollywood besaßen, nicht für das Schicksal der Juden in Europa einsetzten. Sie seien so »amerikanisiert«, dass sie sich nicht mehr als Juden, sondern als Amerikaner betrachten würden. In der Tat: Mayer wollte nur die »gesunde Unterhaltung« für das amerikanische Volk. Ben Hecht schrieb also einen Artikel gegen diese »amerikanisierten Juden« und bekam u. a. Unterstützung von einem gewissen Peter Bergson, der eben jene Idee verfolgte, die Tarantino mit seinen INGLOURIOUS BASTERDS umsetzte: Er wollte eine speziell »jüdische« Truppe gründen, die nicht der Befehlsgewalt der amerikanischen Armee unterstellt war.
Von Selznick gibt es eine überlieferte Anekdote, dass dieser zunächst eine Benefiz-Veranstaltung von Hecht zugunsten einer jüdischen »Basterd-Gruppe« in Europa nicht unterstützen wollte, dann aber aufgrund einer Wette doch spendete usw.

In diesem Misch-Masch-Stil findet Seeßlen ‘zig Verweise auf die Historie, auf das italiensche Exploitation-Kino, auf den Italo-Western, auf Ami-Western, auf Nazi-Filme, auf Schauspieler…. Außerdem analysiert er auch geschnittene Szenen, die abhebend grau gedruckt wurden. Das liest sich alles sehr interessant und mag auch irgendwie stimmen, nur wissenschaftlichen Kriterien hält das natürlich nicht stand – da keinerlei Quellen benannt werden und keinerlei Reflektion über das Quellenmaterial stattfindet. Dafür wird das ganze natürlich umso unterhaltsamer, aber nicht gerade glaubwürdiger.

Weiter bin ich noch nicht gekommen. Liegt jetzt nicht an der Lektüre, sondern an meinem etwas anstrengenden Arbeitsalltag. Morgen sehe ich mir INGLOURIOUS BASTERDS noch mal an und dann lese ich Seeßlen zu Ende. Dritter Teil folgt dann hoffentlich bald.

Jetzt noch mal ein kurzer Exkurs: Tarantino als Autorenfilmer (siehe Teil 1): Wie auch immer man diesen antiquierten Begriff definieren will – Seeßlen tut es nicht – hier die simple, vereinfachte Blogdefinition: Autorenfilme = intellektuell, innovativ, mit einer Idee dahinter, die nicht vom Geld-scheffeln getrieben wird vs. Unterhaltungskino = billiger Schrott, x-te Fortsetzung vom Erprobten, Kohle (!), Zielpublikumsansteuerung, alte Soße, die einem verdummten (zahlendem) Massenpublikum vorgesetzt wird.

Ich kann – angesichts von I.B. – nachvollziehen, warum es den Filmkritikern schwer fällt, Tarantino einzuordnen. Er ist Querschläger. Meine Ansicht: Handwerklich perfekt. Kennt das Kino, kann damit gut rumjonglieren. Benutzt dafür nicht den bewerten Mainstream, sondern das Gegenteil: Trash, Exploitation, Western. Er ist sozusagen der Mainstream-Trash-Filmer, weil er die besten Teile des Undergrounds verwertet. Er ist Handwerker. Bastelt verschiedene Stücke aus unterschiedlichen Genres zu einer eigenen, funktionierenden (!) Story neu zusammen. Bei Tarantino ist das aber Talent (Riecher) – keine verkopfte Auseinandersetzung. Er ist einfach kein Intellektueller, der sich mit irgendwas auseinandersetzen will: Kinosprache, Themen etc. Auch wenn er Univorlesungen zum 2. Weltkrieg besucht hat und irgendwelche aufgeschnappten Thesen und Namen eingestreut, um die Kritiker zu begeistern. Das ist alles nur Show und PR.

Er ist einfach einfach nicht der Typ dafür, sondern einer, der sein ganzes Leben nichts anderes gemacht hat, als sich Filme anzusehen. Dabei hat er ziemlich gut kapiert, wie sie funktionieren. Er hat sich das Beste zusammengesucht und neu zusammenmontiert. Nichts weiter.

Teil 3 in Kürze.