11.2. CinemaxX 4 19.30h OmE
13.2. CineStar 8 11.00h OmE
14.2. Arsenal 1 17.15h OmE

HEAVENS STORY ist mit mehr als viereinhalb Stunden zweitlängster Film dieser Berlinale. Doch während der 237minütige, aber kurzweilige LOVE EXPOSURE (Forum 2009) eine leichtfüßige Reise durch das Genre-Repertoire der (japanischen) Filmgeschichte unternimmt und gerade dadurch in die Tiefe geht, gerät dieser Marathon-Film über eine sich dahinschleppende Rache zu einem visuell recht paradoxen, episch ausuferndem »Gesellschaftsroman«.

Prolog aus dem Off: Ein Monster kam auf die Erde. Obwohl es nur die Nähe der Menschen suchte und ihnen nichts tat, fürchteten sie sich vor ihm. Da begann es niederträchtig zu werden und einige von ihnen zu infizieren und so kam das Böse auf die Welt.

Die Familie der achtjährigen Sato, die gerade in eine neue Appartementsiedlung gezogen ist, wird von einem Psychopathen getötet. Durch die sommerlichen Neubaublocks irrend, erfährt das traumatisierte Mädchen aus einem Fernseher im Schaufenster vom Selbstmord des Täters. In etwa zur gleichen Zeit wird eine Frau erschlagen und ihr Kleinkind im Fluss ertränkt. Ihr Mann Tomokoi schwört Rache und wendet sich per Mail an eine Agentur für Auftragsmorde – doch der junge Mörder Mitsuo wurde bereits von Polizei und Justiz gefasst.

Zeze Takahisa zeigt das vom Point of View der beiden Protagonisten, mit einem äußerst dramatischen Gestus. Statt mit der Rache-Geschichte fortzufahren, streut er nun weitere Plots über den Ex-Polizisten Kaijima und eine schwerhörige Rockmusikerin ein. Nach neun Jahren filmische Zeit und zwei Stunden Filmzeit beginnt Sato endlich mit einer »Stellvertreterrache« an Mitsuo. Da sie den Mord an ihrer Familie nicht sühnen konnte, verlagert sie ihre Vergeltung auf den anderen Täter, der zufällig zur gleichen Zeit mordete.

Inzwischen ist der »Draht« zwischen Zuschauer und Sato/Tomokoi gerissen. Man beobachtet die nun langsam anrollende Rache mit äußerster Distanz. Zusätzlich wird sie auch noch dadurch gebremst, dass Tomokoi mit der schwerhörigen Rockmusikerin ein ganz glückliches Familienleben führt, und gar nicht mehr auf Mitsuo lauert. Dieser ist dann eigentlich auch ganz nett und pflegt inzwischen eine sterbende Alzheimer-Patientin. Der Ex-Polizist Kaijima wird irgendwann ermordet, dadurch gerät wieder jemand anders unter Druck, der Deus ex machina in die Rache-Geschichte involiviert wird. – Zeze Takahisa versucht sich an einem Gesellschaftsroman im Ausmaße der Buddenbrooks.

Seine Intention: Mit dem Aufbrechen dramatischer Plot-Strukturen will er ein differenziertes Weltbild vermitteln und dem Zuschauer Unterricht im Shinto-Buddhismus, der vorherrschenden Religion Japans, geben. Der Prolog mit dem Monster steht exemplarisch dafür. Ein Gut-Böse-Schema existiert nur in (monotheisten) Köpfen, ist aber nicht universell. Die Naturreligion Shinto berichtet von Götter und Dämonen mit unterschiedlichen Zielen, die einander auch entgegengesetzt sein können, unterwirft diese Ziele aber keinen moralischen Wertungen. (In dem Anime CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND von Hayao Miyazaki wurde das auf sehr anschauliche Weise vermittelt. Wettbewerb und Goldener Bär 2002.) Zeze streut gegen Ende mehrfach Szenen aus dem NO-Theater ein, in denen Männer (hier auch Frauen) mit Masken diese Gottheiten, Dämonen und Ungeheuer verkörpern. Der westliche Europäer kennt aber die Essenz dieses Gedankens schon, wenn er nämlich im Unterricht bei den antiken griechischen Dramen aufgepasst hat.

Da es Zeze Takahisa während der Produktionsphase nicht gelang, visuelle Mittel für diese Metaebene zu finden, musste er den gesamten Plot auf epische 278 Minuten aufblasen und vier Plotlinien umständlich miteinander verzahnen. Deshalb wurde auch sein Drehbuch, das schon zu Beginn der Arbeiten aus beachtlichen 170 Seiten bestand, Standard sind 90 bis 120, während der Produktion länger und länger.

Ein weiteres Symptom dieser visuellen Einfallslosigkeit ist die widersinnige Überlagerung von Perspektiven. Den dramatischen Ausdruck behält er nämlich bis zum Ende bei. Was zu Beginn vollkommen berechtigt ist, gerät aber mit dem inhaltlichen Aufbrechen der Rachestruktur, zu einem Paradox. Zeze will auf der Metaebene das Gut-Böse-Schema durchbrechen. Er entwickelt dementsprechend auch viele Plotlinien, die eine komplexere Sichtweise ermöglichen sollen, letztendlich bleiben aber auch diese recht oberflächlich, sie reichen an die griechischen Dramen nicht heran. Visuell bleibt er aber bis knapp vor dem Ende dramatisch und sehr figurenverhaftet.

Die Schere zwischen Visualität und Autorenintension wird so groß, dass Zeze Takahisa am Ende doch andere Mittel findet. So hat er zum Schluss offenbar das epische Mittel von Brecht und den Surrealismus entdeckt. Wer es dann aber immer noch nicht geschnallt hat, der warte auf den Abspann. Dort gibt es nochmal einen Song, der den Sinn von HEAVENS STORY besingt. Zu spät – denn dann ist Story vorbei.

Bewertung: Bestes japanisches Trash-Kino mit einem durchgeknallten Stil- und Genremix im Spannungsfeld zwischen Katholizismus und Perversion.

Der 17-jährige Junge Yu hat ein Problem. Sein Vater, der nach dem Tod der sehr gläubigen Mutter katholischer Priester geworden ist, zwingt ihn täglich zur Beichte, nachdem ihn eine hysterische Geliebte verlassen hat. Leider ist Yu ein allzu braver Junge – es gibt einfach nichts zu beichten. Also tritt er einer stehlenden und prügelnden Jugendgang bei, um die begangenen Sünden beichten zu können. Aber selbst die schlimmsten Vergehen vergibt sein Vater ohne mit der Wimper zu zucken. Einer aus der Clique hat dann die rettende Idee, als er darauf hinweist, dass katholische Priester besonders interessiert an sexuellen Beichten sind.

Es wird beschlossen, dass Yu sich bei einem Meister der Upskirt-Fotografie zum Perversen ausbilden lassen soll. In einer herrlich komisch choreographierten Kung-Fu Ausbildungs-Parodie werden Yu nun die Tricks des Unter-die-Röcke-Fotografierens beigebracht. Die anschließende Beichte hat umschlagenden Erfolg. Der Beichtvater verwandelt sich in Sekundenbruchteilen zurück in den vermissten leiblichen Vater und streckt Yu mit einem gezielten Faustschlag zu Boden.

Als er bei einer Wette gegen seine Kameraden, die ihn inzwischen als ihren Meister-Perversen anerkannt haben, verliert, muss Yu als Drag Queen Miss Scorpion verkleidet durch die Stadt ziehen. Dabei trifft er auf auf die männerhassende Yoko, die gerade von einer Horde Jungs belästigt wird. Gemeinsam verprügeln die beiden die Meute und verlieben sich auf der Stelle unsterblich ineinander. Yu in Yoko, Yoko in Miss Scorpion. Das passt leider nicht zusammen, muss Yu kurz darauf erfahren, als Yoko in seine Klasse kommt. Yoko denkt Tag und Nacht nur an Miss Scorpion und hat für den verliebten Yu folglich keine Augen. Kurz darauf zieht sie aber sogar zu ihm ins Haus, weil sie die Tochter der hysterischen Geliebten des Vaters ist, die nun zu ihm zurück gekommen ist und beschlossen hat, den Priester zu heiraten, nachdem sie ihn kurz zuvor mit sanfter Gewalt genommen hat.

Als dritte im Bunde kommt nun noch das Schulmädchen Koike ins Spiel, ebenso sexuell stimulierend wie hinterhältig fies. Nachdem sie ihren vergewaltigenden Vater kastriert hat, ist sie in der Zero Church aufgestiegen, einer kruden antikatholischen Sekte, deren Zeichen das Kruzifix in einer Null ist. Mit einer kompliziert angelegten Verschwörung gelingt es ihr, Yoko Glauben zu machen, sie sei Miss Scorpion, Yu als Perversen zu outen, und auf diese Weise die Familie zu zerstören und alle außer Yu zur Zero Church zu bekehren.

Kommt noch irgendwer mit? Gut, dann kann ich ja weitermachen. Die Sekte zwingt Yu, für sie als Upskirt-Fotograf in einem Porno-Filmstudio zu arbeiten, damit er seine Familie wiedersehen kann. Yus Freunde entführen daraufhin Yoko und sperren sie mit Yu in einen Bus am Strand ein, um die Gehirnwäsche der Sekte rückgängig zu machen. Das Vorhaben schlägt aber fehl. Die Sekte findet den Bus und Yu wird unter Androhung der Kastration selbst gezwungen, Mitglied der Zero Church zu werden. Ein Glück, dass er zuvor im Pornostudio einen Bombenbastler kennen gelernt hat. Mit einem großen Knall lässt Yu die Sekte auffliegen. Koike begeht mit einem Samurai-Schwert Harakiri, als sie sieht, dass Yu trotz all ihrer Bemühungen immer noch Yoko liebt.

Nach der Auflösung der Zero Church lebt Yoko in einer neuen Familie und Yu, der inzwischen selber glaubt, er sei Miss Scorpion in einer Irrenanstalt. Als Yoko beim Betrachten von Yus Upskirt-Pornos endlich erkennt, dass Yu ihre große Liebe Miss Scorpion ist und ihn in der Nervenheilanstalt besucht, kommt es bei Yu zu einem heilsamen Schock. In der Schlusssequenz sehen wir Yu, wie er hinter dem Polizeiauto hinterherrennt, in dem Yoko abtransportiert wird. Das Auto bleibt schließlich stehen, Yu schlägt mit brachialer Gewalt die Glasscheibe des Polizeiautos ein. Dann geben sich Yu und Yoko durch die zerschlagene Fensterscheibe zum ersten Mal im Film die Hand. Und das ist vielleicht das schönste Happy-End der Filmgeschichte.

Was diese krude Story, diesen ständigen Wechsel der zitierten oder parodierten Filmgenres und die permanenten Stilbrüche zusammenhält, ist Yus Ständer. Seit Pynchons Enden der Parabel ist wohl keine Geschichte mehr so stringent entlang der Erektionen der Hauptfigur erzählt worden. Mit dem nicht unbeträchtlichen Unterschied allerdings, dass die Erektionen Tyrone Slothrops in den Enden der Parabel ein Symbol für die männliche Zerstörungsgewalt der V2-Raketen darstellt, während Sono Sion Yus versteiftes Glied gerade zu plump interpretiert: „Liebe ist eine Erektion.“ So ist dieser Meister-Perverse trotz Millionen Fotos zarter Höschen japanischer Schulmädchen vollkommen impotent. Er sei ein „Perverser mit Würde“, sagt Yu über sich selbst. Nur beim Anblick der entblößten Beine Yokos erwacht in ihm die sexuelle Begierde, während er allen anderen Mädchen-Slips ein rein künstlerisches Interesse entgegenbringt.

Mit der christlichen Religion ist das natürlich nur schwer vermittelbar, auch wenn erst Yoko und dann Yu ausführlich mit einem langen Auszug aus Korinther 13 das zentrale christliche Liebeskonzept zitieren: „Nun aber bleiben Glaube, Hoffnung, Liebe, diese drei; aber die Liebe ist die Größte unter ihnen“ (nicht ganz passend zitiert nach der Lutherbibel). Sicherlich umfasst das christliche Liebeskonzept auch diese Form der Liebe, aber das ist es bestimmt nicht, was Paulus hier den Korinthern vermitteln wollte, auch wenn die aus Liebe begangenen Sünden zu den verzeihlichsten in Dantes Hölle gehören.

Filme über den Zusammenhang von Katholizismus und Perversion haben in Europa seit den surrealistischen Anfängen eine lange Tradition. Aus Japan überrascht das Thema aber dennoch. Wie viele Katholiken es denn in Japan überhaupt gebe, wird im anschließenden Q&A gefragt, und Sion antwortet etwas flapsig, „ein paar gebe es schon“. Etwa 450.000, um mal eine Zahl zu nennen, die Wikipedia nennt, das entspricht bei einer Gesamtbevölkerung von ca. 127 Millionen Japanern einem Bevölkerungsanteil von 0,35 %. Sions Erklärung, warum er den Film im katholischen Milieu angesiedelt habe, lautet, er sei schon immer ein großer Fan von Jesus Christus gewesen. Eine Zeit lang hätte er sogar mit dem Gedanken gespielt, sich taufen zu lassen, um Mitglied im Jesus-Christus-Fanclub zu werden. Tatsächlich ist es aber wohl eher so, dass keine andere Religion über eine so fein strukturierte unterdrückte und verdrängte Sexualität verfügt, die sich in perversen Phantasien wieder Bahn bricht. So lautet denn auch die nächste Frage aus dem Publikum, ob es in Japan wirklich so viele Perverse gebe? Statistiken kenne er zwar nicht, antwortet Sono Sion, seiner Auffassung nach sei aber ohnehin die ganze Menschheit pervers. Die schönste Antwort hat er allerdings auf die Frage, ob er denn selbst an Gott glaube: „Ich glaube an Gott und ich denke er hat einen Steifen“. Das hätte auch Bunuel nicht schöner sagen können.

Love Exposure ist mit Sicherheit der schrägste Film des diesjährigen Forums und allen Freunden des schlechten und abseitigen Films wärmstens ans Herz gelegt. Von den vier Stunden Filmlänge sollte man sich nicht abschrecken lassen. Wie Programm-Chef Christoph Terhechte vor dem Film ganz richtig versprochen hat, ist Love Exposure subjektiv empfunden einer der kürzesten Filme des Programms.

8.2., 17.30 Uhr, Arsenal 1
14.2., 20.00 Uhr, Cubix 9
Wiederholung: 22.2., Arsenal 1, 20.00 Uhr

Typisch Miike: Leichen pflastern seinen Weg.

Takashi Miike filmt schon seit vielen Jahren an seiner ganz persönlichen Filmothek. Vom Horror über den Yakuza-Thriller bis zum meditativen Roadmovie hat er so ziemlich alle Genres inzwischen durchgespielt. Sein neuester Film LIKE A DRAGON deckt sogar gleich zwei Genres ab. Die PC-Spiel-Verfilmung und die Actionkomödie. Drei oder mehr Erzählstränge werden mehr oder weniger zusammenhängend erzählt.

Da ist zum einen ein gerade aus dem Gefängnis entlassener Yakuza namens Kiryu, der versucht die Mutter der kleinen Haruka zu finden. Zwei Yakuza-Gangs, von denen die eine unter dem brutalen Anführer Majima sich auf der Suche nach Kiryu mit Baseball-Schlägern den Weg freimetzelt. Das junge Liebespärchen Yui und Satoru, die durch Zufall und die Geistesgegenwart des Mädchens Yui bei einer Gangster-Schlägerei in einem Lebensmittel-Laden in den Besitz von Yakuza-Geld kommen und, einmal auf den Geschmack und in den Besitz einer Waffe gekommen, einen Laden nach dem anderen ausrauben. Das Figurenkabinett beruht auf einem Computerspiel namens Yakuza, das ich aber nicht kenne. In Europa wird es wohl nicht vertrieben, von daher kann nur der Film als solcher bewertet werden.

Vielleicht will Miike vom früheren Image des Splatterfilmers weg. Aber trotz zahlreicher gelungener Gags zündet diese Actionkomödie nicht so recht. Da ist zum einen die doch recht verworrene Yakuza-Geschichte, deren Zusammenhänge, wer wann mit wem was warum angestellt hat und deshalb jetzt hinter ihm her ist, sich einfach nicht auflösen lassen wollen. Aber auch als reines Popcorn-Kino, in dem die Story eh scheißegal ist, funktioniert Like a Dragon nicht. Nicht nur der dritte Handlungsstrang von zwei ziemlich dämlichen und glücklosen Geiselgangstern in einer Bank, die fünf Minuten vor dem Überfall noch eine riesige Bargeldmenge hatte, ist für meinen Geschmack zu klamaukig geworden.

Wirklich gelungen ist nur die als Tragikkomödie inszenierte Bonnie und Clyde-Story im Teenie-Format um Yui und Satoru, die nach einer rauschhaften Nacht des Ausraubens von Läden schließlich von den Yakuza gestellt werden. Erwähnenswert auch die erfrischende Natürlichkeit, mit der Natsuo Tomita das kleine Mädchen Haruka spielt. Leider hat Miike nicht den Mut, das Vater-Tochter-Verhältnis zwischen ihr und Kiryu in Richtung “Leon, der Profi” weiterzuentwickeln.

Mit den Filmen von Takashi Miike ist es so eine Sache. Wenn er gut drauf ist, und das ist er etwa jedes zweite Mal, haut er Sachen raus, die sind fast so gut wie die Filme von seinem Namensvetter Takashi Kitano. LIKE A DRAGON gehört in die andere Hälfte. An die große Klasse japanischer Actionkomödien, wie sie z.B. Sabu immer wieder vorlegt, kommt LIKE A DRAGON leider gar nicht heran.

FFF Dortmund (24.8., CINESTAR 9, 15.00 h); FFF Köln (23.8., CINEDOM 9, 17.00 h)
FFF Frankfurt (29.8., METROPOLIS 3, 21.30 h); FFF Nürnberg (30.8., CINECITTA’ 2, 19.00 h)
FFF Stuttgart (10.9., METROPOL 1, 19.30 h); FFF München (6.9., CITY, 19.15 h)

Die letzten Stunden einer Terrorgruppe: Die Überlebenden machen sich auf den Weg.

Der Dokumentar- und Spielfilm beschäftigt sich mit der studentisch-kommunistischen Terrorgruppe United Red Army aus Japan. Sie gründete sich Anfang der 70er und ermordete die Hälfte ihre Mitglieder. Der Film ist ein einzigartiges Dokument: Der Regisseur, einst Sympathisant des Szene, bringt seine starke Betroffenheit zum Ausdruck und inszeniert kammerspielartig einen beispiellosen, innergemeinschaftlichen Terrorakt.

13.2., 17.30 Uhr, CineStar 8, OmE
14.2., 12.30 Uhr, Delphi, OmU
15.2., 20.00 Uhr, Cubix 9, OmE
17.2., 12.30 Uhr, Arsenal 1, OmU

In den späten 60er Jahren radikalisierten sich auch in Japan studentische Gruppierungen. Die Amerikaner hatten ihre Militärbasen für den Vietnamkrieg errichtet und die Gesellschaft war vollkommen auf einen prowestlichen Konsumkurs eingeschworen. Insbesondere an Japans Universitäten entstanden kommunistische Protestbewegungen, aus denen sich 1971 die Terrorgruppe Japanische Rote Armee (JRA), die besonders im Nahen Osten für Aufsehen sorgte, formierte. Ein Vorläufer der JRA war die United Red Army (URA), die aus 29 meist studentischen Mitgliedern bestand.
Der erste Teil des Films zeigt dokumentarisch, wie die URA aus zwei Splittergruppen entstanden ist. Unter Verwendung historischer Archivaufnahmen von Studentendemos, verbarrikadierter Unis und Polizeieinsätzen breitet ein Off-Erzähler eine ungeheure Menge an Fakten aus. In eingeflochtenen Spielfilmszenen werden die einzelnen Mitglieder vorgestellt sowie die ersten terroristischen Akte, wie Waffenbeschaffung, geschildert. Dieser Teil ist schwierig nachzuvollziehen, da er mit Details und Namen vollkommen überladen ist.
Der zweite und dritte Teil rekonstruiert die Entwicklung der URA bis zu ihrem Untergang. Dabei konzentriert sich der Regisseur auf zwei wesentliche Ereignisse: Dem Rückzug der URA-Mitglieder in zwei einsame Hütten in den Bergen, wo es zu einer beispiellosen Ermordung und Selbstzerfleischung kommt – 14 Mitglieder, das ist die Hälfte der Gruppe – werden durch die eigenen Leute ermordet. Wakamatsu inszeniert dies mittels nachkonstruierter Spielfilmhandlung, die er nur kurz durchbricht, wenn einer umkommt: Namen, Alter und Todestag werden schockartig eingeblendet.
Das zweite Ereignis ist die polizeiliche Belagerung einer Ferienlodge am Vulkan Asama. Drinnen haben sich die letzten vier überlebenden Mitglieder, die sich noch auf freiem Fuß befinden, mit einer Geisel verschanzt.
Der Regisseur Wakamatsu Koji, Jahrgang 1936, war bis in die 70er Jahre für seine Low-Budget-Sexfilme bekannt, die aber auch politischen Inhalt transportierten. In Japan nannte man ihn deshalb den »König des Pink movie«. Im Zuge der Studentenbewegung nahm er zunehmend die Rolle eines Repräsentanten der Untergrundbewegung ein. 1971 drehte er zusammen mit Adachi Masao, der dann selbst zur JRA ging, den Dokumentarfilm »Rote Armee – Volksfront zur Befreiung Palästinas, Erklärung des Weltkriegs«.
Als Sympathisant der Studentenbewegung ist Wakamatsu von den sinnlosen Morden innerhalb der URA als auch von den Ereignissen in der Lodge, wo zwei Polizisten erschossen wurden, persönlich stark betroffen. Das Einzigartige an diesem Film ist, dass der Regisseur Ereignisse verfilmt, die 36 Jahre zurückliegen und gar nicht erst versucht, Distanz aufzubauen. Daraus resultiert auch das offenbar gewollte Auseinanderfallen des Films: Im ersten Teil werden Fakten und Statistiken aufbereitet, im zweiten, dem Spielfilmteil, versucht er sich mit den Ereignissen auf selbstquälerische Weise auseinanderzusetzen. Das färbt auch auf den Zuschauer ab, der zu Beginn die Fakten interessiert, aber distanziert zur Kenntnis nimmt, irgendwann geistig abschaltet, um dann in einer Gewaltorgie aufzuwachen, die nicht enden will.
Der Terror innerhalb der Gruppe geht von zwei Führerpersönlichkeiten aus, Tsueneo Mori und der jungen Frau Niroko Nagata. Sie fordern von den Teilnehmern des Trainingslagers permanente Selbstkritik als eine Art Um- und Selbsterziehung. Doch in der Regel sind sie mit den Ergebnissen nicht zufrieden. Die Opfer werden vor der ganzen Gruppe bestraft und gequält bis sie tot sind. Der Rest der Gruppe sitzt mit gesenkten Köpfen in der schummrigen Hütte und starrt betroffen auf den Boden. Manchmal werden sie auch für Psychospiele benutzt. Indem sie die Kameraden foltern, sollen sie ihre Bereitschaft für den Kampf zeigen. Tun sie es nicht, sind sie die nächsten. Das bewaffnete Training in den Wäldern interessiert den Regisseur gar nicht. Es geht ihm allein, um die Gruppendynamik, die nur von den beiden Leitfiguren ausgeht. Einige werden nach der Folter draußen im Schnee an Holzpfählen angebunden, wo sie offenbar verbluten, erfrieren, verhungern oder verdursten.
Das später stattfindende Gefecht in der Skihütte wird mit wackliger Kamera gefilmt, wie aus der Perspektive eines der eingeschlossenen Militanten. Sie nehmen sich eine Geisel. Die Polizei, die die kleine Gruppe schon per Hubschrauber verfolgte, wird damit gehindert, die Gruppenmitglieder zu verhaften. Der Kampf dauert zehn Tage bis das Gebäude schließlich gestürmt wird. Die Medien stürzen sich auf das Ereignis und der letzte Tag wird Geburtsstunde der langen Liveberichterstattung in Japan – zehn Stunden hintereinander wird berichtet – und zur Todesstunde der United Red Army.
Der Film endet dokumentarisch: Es werden Terrorakte einer anderen, viel bekannteren Terrorgruppe gezeigt, die aber den gleichen Ursprung hatte, wie die URA: Die Japanische Rote Armee tötete für die PFLP auf einem Flughafen in Israel 26 Personen durch Handgranaten und Maschinengewehren und sie ließ in einer Pariser Diskothek Bomben hochgehen. Sie verübte Terroranschläge auf Amerikaner in Westberlin, in Rom, in Madrid und vielen anderen Städten.
UNITED RED ARMY arbeitet die Geschichte des linken japanischen Terrors auf – aus der Sicht eines Linken. Wakamatsu entwickelt ein starkes Mitgefühl für die studentischen Opfer der United Red Army und rekonstruiert die Geschehnisse ihres sinnlosen Todes. Indem der Regisseur die Verbrechen der JRA bis in die späten 80er benennt, distanziert er sich von den Terrorakten und verurteilt sie.

Der Verband japanischer Filmproduzenten boykottierte daraufhin die Berlinale und zog alle anderen japanischen Filme wieder zurück. Wakamatsu ließ sich davon nicht beeindrucken, ging zurück nach Japan und gründete dort Wakamatsu Productions. Als “Enfant Terrible” des japanischen Kinos öffnete er dem pink eiga immer mehr filmische Dimensionen. In der 68er Bewegung wurde er zum neben Oshima Nagisa wichtigsten Filmemacher. Die Wakamatsu Productions waren ein wichtiger Ort für Künstler unterschiedlicher Bereiche.

“Kaba no naka no himegoto” (Secrets Behind the Wall) erzählt die Geschichte des Studenten Makoto, der seine Nachbarin beim Fremdgehen beobachtet. Bedrückt von der beengten Architektur einerseits und dem Prüfungsstress andererseits, bricht die unterdrückte Sexualität in einer versuchten Vergewaltigung zunächst seiner eigenen Schwester, dann seiner Nachbarin aus. Wakamutsus Stärken liegen, soviel steht fest, nicht im Entwickeln einer stimmigen Geschichte. Die dezente Erotik des pink eiga Films manifestiert sich vornehmlich in Großaufnahmen einzelner Körperteile, wohl auch aus Gründen der Zensur. Hände, die sich berühren, verkrampfte Füße, der von einem Keloid, einem gutartigen Tumor, verunstaltete Rücken des Liebhabers, das Gesicht der lustvoll stöhnenden Nachbarin vor einem überlebensgroßen Plakat Stalins. Zwischen den Akten werden die Lage der arbeitenden Klasse und Probleme der Friedensbewegung Vietnams diskutiert. Wakamatsus Stärken liegen im Visuellen. Die Architektur-Aufnahmen der Hochhaussiedlung, die Bilder der umschlungenen Liebenden, die Großaufnahmen der Körperteile zeigen ein hohes Gespür für Formen und Bildkomposition. In den besten Momenten erinnert “Kaba no naka no himegote” von Ferne an “Hiroshima, mon amour”. Es sind die Momente, in denen nicht gesprochen wird.

Zwischen “Kaba no naka no himegoto” und “Yuke, yuke nidome no shojo” (Go, Go Second Time Virgin) liegen nur vier Jahre, aber die gesamte Ästhetik Wakamatsus hat sich geändert. Die Darstellung der Nacktheit ist hier viel offener, was wohl auch an der Entstehungszeit liegt. Wir schreiben jetzt 1969 und Wakamatsu ist eine der wichtigsten Gestalten der japanischen 68er. Der Film spielt beinahe ausschließlich kammerspielartig auf dem Dach von Wakamatsus Bürohaus. Fast den gesamten Film über läuft die Hauptdarstellerin nackt oder so gut wie nackt herum, aber viel mehr als eine kleine Reminiszenz an das erotische Kino ist das nicht mehr. Gleich zu Beginn wird die Darstellerin von einer Gruppe Herumtreiber vergewaltigt. Ein Junge sieht zu. Am nächsten Morgen sind die beiden allein auf dem Dach. Wir erfahren, dass es bereits ihre zweite Vergewaltigung war und dass sie sterben möchte, allerdings nicht wegen der Vergewaltigung, sondern aus allgemeiner Lebensmüdigkeit. Ihr Vater und ihre Mutter haben sich bereits umgebracht, es besteht also eine gewisse Familientradition. Auch der Junge, Sohn des für das Haus zuständigen Aufsichtsbeamten und daher im Besitz des Schlüssels, möchte sterben. Danach entwickelt sich eine krude Story um eine Vergewaltigung des Jungen wenige Tage zuvor, wobei er die vier Vergewaltiger, zwei Männer und zwei Frauen, mit einem Messer getötet hat. Zwischen den beiden kommt es nicht zum Verkehr, obwohl sie sich schnell näher kommen. Sexualität in Verbindung mit Zärtlichkeit ist nicht möglich und führt zur Verweigerung seitens des Jungen. Als die Bande mit mehreren Frauen zurückkommt und erneut das Mädchen vergewaltigen, schlachtet er der Reihe nach die gesamte Bande samt Mädchen ab. Zum Schluss springen die beiden Überlebenden hintereinander vom Hochhaus in den Tod. Zwischen den Gemetzeln rezitieren sie Gedichte und der Junge singt ein trauriges Lied, das die Zuschauer im Cinestar 8 ob der unfreiwilligen Komik zum Lachen brachte. Das Ganze ist mit einer geradezu brechtschen Verfremdung theatralisch dargeboten. Wakamatsu macht sich nicht einmal die Mühe zu versuchen, den überreichlich vergossenen Ketchup wie echtes Blut aussehen zu lassen. “Yuke, yuke nidome no shojo” ist eher als Vorläufer des Splatterkinos zu werten, denn als Beitrag zum Erotikkino. In der letzten Einstellung sieht man von oben vom Dach herab auf die beiden zerschmetterten Körper am Boden. Es scheint der einzige Weg zu sein, das Dach wieder zu verlassen. Zum Schluss nimmt der Zuschauer die Perspektive des Selbstmörders ein. Es ist kein Blut zu sehen.

“Kaba no naka no himegoto” (Secrets Behind the Wall) läuft noch einmal am 12.02. um 14:00 Uhr im Delphi. “Yuke, yuke nidome no shojo” (Go, Go Second Time Virgin) läuft am 13.02. ebenfalls um 14:00 Uhr im Delphi. Der dritte Film der kleinen Hommage “Tenshi no kokotsu” (Ecstasy of the Angels) über einen Terroranschlag auf eine Tokioter Polizeistation, die dann später tatsächlich bombardiert wurde, läuft wiederum einen Tag später, am 15.02., um 14:00 Uhr im Delphi. Wakamatsu Kojis neuer Film “United Red Army”, eine dreistündige Doku über eine linksradikale Terrororganisation japanischer Studenten Anfang der siebziger Jahre, wird noch viermal aufgeführt. Am 13.02. um 17:30 Uhr im Cinestar 8, am 14.02 um 12:30 im Delphi, am 15.02. um 20:00 Uhr im Cubix 9 und am 17.02. um 12:30 im Arsenal.