R: Richard Ayoade 
GB 2010
94 Minuten

15.2. CineStar8 19.15 h OmU
16.2. Arsenal 1 12.30h OmU
18.2. Cubix 9 20.00h OmU

Dieser englische Coming-Of-Age-Film, ein Debüt des Videoclip-Filmers Richard Ayoade, stammt von Warp Films. Das Label hat bereits schon mit dem Skinhead-Film THIS IS ENGLAND auf der Berlinale und in den deutschen Videotheken für Aufmerksamkeit gesorgt. SUBMARINE basiert auf dem gleichnamigen Roman von Joe Dunthorne, in dem der 15jährige Teenager Oliver Tate sehr komisch und äußerst amüsant über sich und seine Umgebung zu berichten weiß. Was der Film allerdings im FORUM zu suchen hat, ist mir schleierhaft – das ist eigentlich ein typischer Generation-14plus-Film.

Tate lebt in einer permanent grauen Küstenstadt in Wales. Am Anfang kreist sein Dasein hauptsächlich um das erste Mal und seine Jungfräulichkeit. Aber auch das Sexleben seiner Eltern, das er permanent überwacht, bereitet ihm große Sorgen. Der Dimmerschalter im Schlafzimmer steht seit Monaten nicht mehr auf halber Leuchtkraft. Als er endlich mit seiner neuen Freundin den Liebesakt vollzogen hat – im Buch ist die Sexszene sehr witzig beschrieben, im Film wurde sie gestrichen – ist es wie eine Katharsis, doch schon kommen neue Probleme auf ihn zu: Sein Vater, und mit ihm auch Oliver, verfallen in eine schwere Depression – fast schon ein obligatorisches Genremerkmal – und Oliver beginnt zu glauben, dass seine Mutter eine Affäre mit ihrem früheren Geliebten, einem predigenden Astro-Meditator, hat. Und dass die Ehe seiner Eltern bald auseinanderbrechen wird…

In gewisser Weise ähnelt Oliver Tate Holden Caulfield. Beide sind ausgezeichnete, fast reife Analytiker ihrer Umgebung, benehmen sich aber etwas skurril. Als die Mutter von Olivers neuer Freundin Jordana Krebs bekommt, bringt er ihren Hund mit Rattengift um: eine Art «Feuerprobe» für den Verlust eines geliebten Menschen. Oliver tut sehr sophisticated, verwendet mit Vorliebe griechische Fremdwörter wie «Parthenogenese» (Jungfrauengeburt) und «Triskaidekaphobie» (Angst vor der Zahl 13), und spricht sehr geschwollen. Eigentlich weiß er, dass er sich damit keine Freunde macht.

Richard Ayoade, der in Großbritannien auch als Drehbuchautor für TV-Komödien bekannt ist, tut gut daran, sich erzähltechnisch weit von Joe Dunthornes Roman zu entfernen. Der Witz des Buches beruht vor allem auf unzähligen komischen, weil aus dem Blickwinkel von Tate beschrieben, Anekdoten. Es ist wie bei Salinger vor allem die sehr eigene Sprache des Ich-Erzählers, die komisch ist. Ayode konzentriert sich auf nur wenige Szenen, die er streckenweise auch noch völlig umgeschrieben hat, um einen dramatischen Spannungsbogen aufzubauen. Er widmet sich ganz dem Charakter des Protagonisten, den er ausgezeichnet herausgearbeitet hat. So lässt er natürlich Oliver Tate (Craig Roberts) aus dem Off zitieren, zum anderen interpretiert er das ganze Sammelsurium der Nebenfiguren extrem nerdig. Damit übernimmt er die Sichtweise von Tate, der seine Umwelt für freakig hält, während er sich selbst als vollkommen normal betrachtet. In Wirklichkeit benimmt er sich aber bei seinen Versuchen, Probleme zu lösen, ebenfalls exzentrisch. Allein die Szene, wie er Jordana auf seine geschwollene, selbstbewusste Art, von der er glaubt, dass sie von Reife und Bildung zeuge, zum ersten Sex verführen will, ist zum Brüllen komisch.

Die Mutter wird von Sally Hawkins (HAPPY-GO-LUCKY) als völlig abgespacte Hippie-Mutter gemimt. Der Vater, mager und mit Vollbart, scheint in geistiger, depressiver Umnachtung gefangen zu sein. Im Film ist er, ganz anders als im Roman, ein Tiefseeforscher. Einerseits ist das natürlich ein schöner Kontrast zu dem Astral-Prediger (Paddy Considine), der ständig was von Licht und Glückseligkeit faselt, andererseits könnte es natürlich auch eine Reminiszenz an DIE TIEFSEETAUCHER (Wes Andersen) sein, in dem Noah Tayler den Vladimir Wolodarsky spielte.

Ein Glück läuft der Film nun ausschließlich mit deutschen UT. In der PV wurde er ohne gezeigt – ich fand ihn sehr schwer zu verstehen, da Olivers Voice Over extrem schnell und die Wörter schon sehr speziell sind.

12.2. CineStar 8 13.45 h OmE
12.2. Die Kurbel 18.30h OmE
14.2. CinemaxX4 19.30h OmU
18.2. Cubix 7 12.30h OmU

In der Reihenhaussiedlung eines kanadischen Vorortes ist tiefster Winter und alles ist ein bisschen dröge, düster und langsam. Das färbt auf die Protagonisten dieses realistischen, aber streckenweise auch absurden, und trockenhumorigen Films ab. Maryse arbeitet in einer Kartonagenfabrik, ihre Ehe verläuft nicht gerade rosig. Ihr erwachsener Bruder Benoît, der aber in der Pubertät steckengeblieben ist, steht unter dem Stiefel des invaliden Papas. Er verbringt seine Zeit damit, Gegenstände mit einem Metalldetektor aus dem Schnee zu puhlen und mit seinem Ski-Doo rumzufahren, das aber permanent stehenbleibt. Da passiert plötzlich ein Unfall in Maryses Betrieb.

Jemand hat in einer Maschine seinen Arm verloren und Maryse läßt der Gedanke, ob das Körperteil durch Einfrieren eventuell gerettet wurde, nicht mehr los. Es wird nicht der einzige Unfall bleiben.

Drei teilweise merkwürdige Unglücksfälle rahmen diese Familiengeschichte, deren Mitglieder sich zwar einerseits sehr vertraut sind, die aber andererseits nebeneinander leben. Das gipfelt in ein skurriles Familienessen, das anlässlich des fünften Todesjahres der Mutter zelebriert wird und bei dem allen der Bissen im Halse steckenbleibt, als sie erfahren, was Benoît ihnen da serviert.

FAMILIAR GROUND ist ein stimmungsvoller, realistischer, auf genauer Alltagsbeobachtung beruhender Film, der aber durch absurde Elemente durchbrochen wird. Neben dem abgetrennten Arm und den bizarren Unfällen, spielt auch ein Mann aus der Zukunft eine Rolle. Es ist ein Nachbar, der ein halbes Jahr zurückgereist ist. Er weiß von einem unheilvollen Ereignis zu berichten, das den vor sich hintrödelnden Benoît endlich erwachsen werden lässt.

Die beiden koreanischen Produktionen I’m in Trouble (Na-neun gon-kyeung-e cheo-haet-da!) von So Sang-min und Our Fantastic 21st. Century (Neo-wa na-eui i-shib-il-seki) von Ryu Hyung-ki sowie der taiwanisische Film Au Revoir Taipeh (Yi ye Tai bei) des in Kalifornien aufgewachsenen Taiwanesen Arvin Chen sind drei Langfilmdebüts, die – ohne völlig mit den alten Erzählmustern zu brechen – neue filmische Wege beschreiten.

Allzu leicht macht es Sun-woo, die Hauptfigur von I’m in Trouble! dem Zuschauer nicht, ihn zu mögen, wie auch den anderen Protagonisten des Films. Das größte Talent des planlos in den Tag hineinlebenden Müßiggängers Sun-woos besteht darin, seine Freunde immer wieder vor den Kopf zu stoßen und selbst das harmonischste Miteinander in kürzester Zeit in eine Katastrophe zu verwandeln. Als Beruf gibt der moderne Taugenichts Dichter an, weil er irgendwann einmal in der Schule einen Dichterpreis gewonnen hat. Dichten sieht man ihn allerdings nie, dafür ist er meistens betrunken, vor allem wenn er eigentlich mit seiner Freundin Juna verabredet war. Die macht denn auch folgerichtig mit dem labilen Durchhänger Schluß, obwohl der sie auf Knien um Entschuldigung bittet. Nicht zum ersten Mal.

Auch sonst weiß Sun-woo immer wieder seine Umgebung zu schockieren, sei es, weil er nackt und betrunken durch den Ruhebereich eines Schwimmbades torkelt oder einem vorbeifahrenden Taxifahrer eine Macke ins Auto tritt und dafür die Nacht auf der Polizeistation verbringen muss. Was ein derartiges Gammlerleben in der koreanischen Leistungsgesellschaft bedeutet, kann man an den Reaktionen der Umwelt erkennen. “In Europa kannst du als Dichter leben, hier musst du dir einen anständigen Job suchen”, sagt einer seiner Freunde einmal. Ähnlich wie die klassischen Verweigerfiguren von Truffaut oder Godard ist aber auch Sun-woo durchaus liebenswert, weshalb Juna ihm dann doch immer wieder eine weitere Chance gibt. Am Ende des Films raufen sich die beiden wieder einmal zusammen. Wer weiß, für wie lange.

Anders als der labile und hochaggressive Sun-woo weiß die junge Lagerarbeiterin Soo-young in Our Fantastic 21st. Century genau, was sie will – sie will Modedesignerin werden. Dafür muss die schlanke Frau in der koreanischen Gesellschaft aber erst noch weiter abmagern. Eine Körperfettabsaugung kostet auf der anderen Seite aber viel Geld. Geld, das sie eigentlich nicht hat, mit kleinen Betrügereien gegenüber dem Supermarkt, in dem sie arbeitet, aber bekommt. Nur um dann von ihrem eigenen Freund bestohlen zu werden. Natürlich kommt ihr die Firma auf die Schliche, weshalb sie dann zu einem Finanzhai geht, um sich wegen der Schulden Geld zu leihen. Jeder Versuch, sich irgendwie zu retten, führt nur noch tiefer ins Schlamassel, bis am Ende ein glücklicher Zufall doch noch alles zum Guten wendet.

Schon der Titel Our Fantastic 21st. Century zeigt, dass die Story für Regisseur Ryu Hyung-ki mehr ist als nur eine nette kleine Filmgeschichte – hier will einer etwas zur Lage im neuen Jahrhundert sagen. Soo-young steht stellvertretend für “junge Leute zwischen 20 und 30″, sagt der Regisseur, die sogenannte 800000-Won-Generation in Südkorea (ca. 1000 €). Our Fantastic 21st. Century zeichnet ein deprimierendes Bild der jungen Geringverdiener, Hauptfigur Soo-young sieht man im ganzen Film nicht ein einziges Mal lächeln, selbst als sie sich ihren großen Traum endlich doch noch erfüllen kann. Vermutlich ahnt sie da schon, dass nach der Wunscherfüllung im globalisierten Neoliberalismus nur die nächste Enttäuschung wartet.

Arven Chen aus Taiwan gibt im anschließenden Q&A unumwunden zu, dass seine filmischen Vorbilder die Filme der Nouvelle Vague sind. Schon der Filmtitel Au Revoir Taipeh lässt sich so durchaus auch als ästhetisches Statement lesen. Auch die verzweifelten Versuche der Hauptfigur Kai zu Beginn des Films, sich in einer Buchhandlung mit einem Französisch-Lehrbuch die Sprache selbst anzueignen, weil er seiner Freundin nach Paris nachreisen will, kann ebenfalls als versteckter Hinweis des Regisseurs verstanden werden. Taipeh, die Hauptstadt Taiwans, wie Paris, die Stadt schlechthin, aussehen zu lassen, sei sein Ziel gewesen, sagt Chen weiter im Q&A. Das gelingt allerdings nicht ganz, wie er selbst zugibt. Dafür ist Taipeh mit seinen vielen grellbunten Neonlichtern einfach zu asiatisch geprägt.

Au Revoir Taipeh spielt fast ausschließlich in der Nacht und ist doch alles andere als ein düsterer Film geworden. Mit viel Humor erzählt Chen rund um die beiden Hauptfiguren Kai und Susi eine bonbonbunte Screwball-Comedy, in der Kais ebenso großer wie verfressener Freund Gao, der verliebte Immobilien-Hai Bao, der sich zur Ruhe setzen will und eine Bande Möchtegern-Gangster in quietsch-orangen Anzügen, mit denen sie selbst ein halbblinder Polizist in einem ausverkauften Fußball-Stadion sofort wiederfinden würde, die aberwitzige Handlung voran treiben, die letzten Endes natürlich nur dem Ziel dient, Kai und Susi endlich zusammen zu bringen.

In Europa markierte die Nouvelle Vague den Übergang von der Nachkriegsgesellschaft, die den wirtschaftlichen Aufbau vollzog, hin zur modernen Wohlstandsgesellschaft. Die Müßiggänger der französischen Filme der 60′er Jahre wiesen dabei schon voraus auf den Gammler der späteren 68′er. Dass junge asiatische Filmemacher gerade jetzt an diese Traditionen anknüpfen, sagt viel über die wirtschaftliche Stagnation der sogenannten Tigerstaaten. Die Protagonisten der Filme sind Arbeitslose oder Geringverdiener, die keinen Zugang mehr in die Leistungsgesellschaft Südkoreas bzw. Taiwans finden, auch wenn ihre Überlebensstrategien verschieden sind: Rebellion (Sun-woo), Kriminalität (Soo-young) bzw. Flucht (Kai).

Mo,15.02., 9:00h, Babylon
So, 21.02., 16:30 h, CinemaxX 3

»I am happyyyy, to be an Aborigineeee….« (Foto: Berlinale 2010)

Eigentlich wollte ich über diesen Film gar nichts schreiben, weil er nur eine dumme Klamotte ist. Aber als ich die Story gerade mündlich erzählt habe, klang sie so abstrus und trashig, dass mein Zuhörer sich direkt angeregt fühlte, BRAN NUE DAE zu sehen. Ich kann ihn zwar absolut nicht empfehlen – aber lest und entscheidet selbst…

Ein Aborigine-Junge ist in den Ferien bei seiner Mutter, die möchte, dass er ein Priester wird. Dafür gibt es eine Priesterschule in einem anderen Ort…Aber nun sind Ferien, wie schon gesagt, und er verliebt sich in ein Aborigine-Mädchen, das im Kirchenchor sehr hübsch singt. Problem! Enthaltsamkeit und so! Es löst sich aber zunächst von selbst auf, denn es kommt ein weißer Elvis-Junge daher, der dem Mädchen anbietet, in seiner Band Karriere zu machen. Aborigine-Junge ist wieder allein.

Ferien vorbei. Junge muss zurück in die Priesterschule. Der weiße Oberpriester hält große Stücke auf ihn. Er soll einfach nur beten und an Gott glauben usw. Nachts wird der Junge überredet, Schokolade und Limonade aus des Priesters Kühlschrank zu klauen. Sünde! Der weiße Oberpriester ist enttäuscht und will den Jungen züchtigen. Doch dann singen alle (BRAN NUE DAE ist eine Musical-Komödie a la dem in den USA äußerst erfolgreichen HIGH SCHOOL MUSICAL 1,2 und 3 – wurde in der South-Park-Folge ELEMENTARY SCHOOL MUSICAL schon verarscht): Sie sind froh, Aboriginies zu sein. Ist so ne Art Revolte. Und man kann von diesem Genre sehr, sehr viel lernen: Wenn man in einem Konflikt steckt, z. B. seinen Job verliert, stellt man sich einfach vors Jobcenter und singt.

Doch so richtig, scheint die Revolte nicht geglückt zu sein – der Junge haut ab. In eine große Stadt. Dort trifft er Aborigine-Penner, die saufen. (Noch nicht wegklicken, das Abstruse kommt gleich!) Einer der Penner, er kann auch hübsch singen – überhaupt singen alle wie gottbegnadet – verspricht ihm, ihn zurück ins Heimatdorf zu bringen. Doch sein Lachen verheißt nichts Gutes. Vor allem reißt er sich erst einmal das Geld des Jungen unter den Nagel, um am nächsten Morgen sein flüssiges Frühstück zu kippen. Der Junge ist sauer und will sich auf eigene Faust durchschlagen. Der Penner, ein richtiger Pfiffikus, wirft sich aber schnell vor einen heranfahrendem Hippie-Bus. Die Hippie-Frau ist natürlich entsetzt, einen »Eingeborenen« verletzt zu haben. Sie will ihm jeden Wunsch erfüllen und nun möchte der Penner, zusammen mit dem Jungen, ins Dorf gebracht werden. Clever!

Im Bus singen wieder alle zusammen. Alle? Nein, der deutsche Hippie-Mann hat keine Lust so weit zu fahren und will die beiden Ureinwohner loswerden. Doch die Hippie-Frau hält das für politisch vollkommen induskutabel. Der Hippie-Mann bockt und kann sich schließlich durchsetzen. Sie fahren davon – doch der Pfiffikus-Penner beschwört einen Zauberknochen, der den Keilriemen des Hippie-Vans zerstört.

Jetzt sitzen alle im australischen Busch gefangen. Dann kommt ein Wagen mit Fußballspielern vorbei und der Junge nutzt die Gelegenheit und springt auf den Wagen. Die anderen bleiben zurück. Wieder eine Gelegenheit für eine abstruse Gesangseinlage mit Parallelmontage: Die Fußballspieler färben sich die Gesichter weiß und singen auf dem Wagen Eingeborenenlieder und die Gefangenen im Busch folgen dem Pfiffikus-Penner, der eine Klapperschlange tötet und sie als neuen Keilriemen nutzt.

In der darauffolgenden Szene verschwinden die Fußballspieler in der nächsten Kneipe und der Junge verliert unter einem Kondom-Baum (= ein kunstvoll ausgeleuchteter Baum mit lauter benutzten aufgehangenen Kondomen) seine Unschuld mit einer älteren besoffenen Aborigine-Frau. Dann kommt der Mann dieser Frau und will den Jungen verprügeln. Aber die Hippie-Freunde und der Pfiffikus retten ihn. Dann sitzen wieder alle im Hippie-Van, kiffen und singen, bis sich herausstellt, dass sich hinten die besoffene Aborigine-Frau versteckt hat, um ihren Rausch auszuschlafen.

Nun kommen die Cops, die sie alle verhaften und auf der Wache stellt sich heraus, dass der deutsche Hippie-Mann der Sohn des Oberpriesters ist. Der Junge will sich davonschleichen, aber das mißlingt. Sie werden alle verhaftet und in Käfige eingesperrt. In der Nacht träumt der Jungen von den Aborigine-Urahnen, die zu ihm sprechen: Es werde alles gut. Und tatsächlich: Am nächsten Tag kommen sie irgendwie frei und gelangen in das Heimatdorf des Jungen. Dort singt inzwischen seine heiße Liebe in der Band des weißen Elvis. Sie will ihn zuerst nicht sprechen, doch als er ihr sagt, dass er sie liebt, liebt sie ihn auch. Was für ein Wunder, aber die Urahnen haben das ja vorausgesagt. Es kommt auch zu keinem Clinch mit dem weißen Elvis, da der mit der älteren Sauffrau Vorlieb nimmt.

Jetzt bleibt nur noch das Problem mit der Mutter, die den Jungen ja im Posten eines Priesters sieht (Ausgangskonflikt). Doch das hat sich auch in wenigen Minuten erledigt: Die Betgruppe des Dorfes, der sich auch die Mutter angeschlossen hat, ist grad dabei neue Schäfchen einzusammeln und am Strand sollen die Sünder hervortreten. Der Junge und seine neue Geliebte beobachten diese Zeromonie aus einem Versteck. Die Mutter des Jungen tritt hervor und ruft: »Ich habe gesündigt und mit Männern geschlafen.« Es stellt sich heraus, dass sie erstens mit dem Oberpriester geschlafen hat – der der Truppe im übrigen gefolgt ist – und in diesem Moment aus den Dünen hervortritt. Der deutsche Hippie-Mann ruft »Mutti«. Zweitens hat sie aber noch mit einem anderen Mann geschlafen, nämlich mit dem Pfiffikus. Der Pfiffikus ist also der Papa vom Jungen. Der Hippie-Mann ist der Halbbruder des Jungen. Die Mutter ist die Mutter von Beiden.

Also sind alle irgendwo Aborigines (bis auf die Hippie-Frau, aber da genügt auch die spirituelle Zugehörigkeit) und sie können alle vereint singen und Abendbrotessen.

Der Film ist einfach so bekloppt und dämlich, dass er diesen Text verdient hat. Er verdient eine Auszeichnung als schlechtester Film der Berlinale. Kann er diese Stellung verteidigen?

Der offizielle (bisherige) deutsche Starttermin des neuen Coen-Brothers-Film A SERIOUS MAN ist der 21.1.2010. Der Trailer ist super geschnitten und an sich schon ein Meisterwerk. Hier mal der IMDB-LINK.

Bei A SERIOUS MAN handelt es sich wieder um eine Black Comedy – und ich muss sagen, dass ich im Kino selten w i r k l i c h lachen kann. Und die beiden Male, in den ich lachen musste, waren 1. THE BIG LEBOWSKI und 2. BURN AFTER READING. Deshalb sind die Coen-Brothers für mich die einzigen die gute Komödien drehen und deshalb freue ich mich schon auf auf den 21.1.

Wer verbirgt sich wohl hinter der Kartoffelsack-Maske? (FFF 09)

Doughertys Spielfilmdebüt ist eine symphatische, unterhaltsame Horrorkomödie mit vielen überraschenden Wendungen. Es besinnt sich auf ein Urgestein des Horrorgenres, die Kurzgeschichte, und zitiert ausgiebig aus der reichhalten Geschichte des Filmhorrors. TRICK ´R TREAT gelingt eine düster-märchenhafte Atmosphäre à la »The Company of Wolves«. Genau, das Richtige für einen kalten, verregneten Herbstabend im heimatlichen Wohnzimmer.

Es ist Halloween und fast die gesamte Stadt ist kostümiert auf den Beinen, um ausgiebig Süßigkeiten zusammeln, Partys zu feiern und Sex zu haben: Jungfrauen, sexgeile Teenager, die typische Kinderclique mit dem Mauerblümchen bis hin zur mutigen Anführerin. Alle sind sie unterwegs. Bis auf Mr. Kreeg, dem ewig vor sich hinknurrenden Halloween-Hasser mit seinem alten Köter und einem blutrünstigen Schuldirektor (Dylan Parker – »Happiness«).

Dougherty verbindet fünf Storylines, die auch noch eine Substory enthalten, die er lose ineinander verwebt. Damit verbindet ein Urgestein des literarischen Horrorgenres, die Kurzgeschichte, mit unzähligen Verweisungen auf das Filmgenre. Enthalten sind Anspielungen auf Klassiker wie »The Beast with Five Fingers« (1946), über natürlich Carpenters »Halloween« (1978), »The Company of Wolves« (1984) bis hin zu moderneren Filmen wie »It« (1990) und »El orfanato« (2007) – um nur einige zu nennen.

Doughertys TRICK ´R TREAT ist vor allem eine vergnügliche Komödie, in der ein Lutscher schon mal zum Mordwerkzeug werden kann und in der auch nicht ausgespart wird, dass das Halloweenfest in den USA schon völlig übertriebene Auswüchse angenommen, in der sich die Industrie eine goldene Nase verdient. Aber Dougherty kritisiert das nicht, sondern mischt ordentlich mit, in dem er einen vollkommenen Overkill des gesamten Ensembles anbietet: Außerirdische, Werwölfe, Vampire, Zombies, böse Kinder, Psychopathen und abgetrennte mordende Körperteile. Gelungener Humor!

Nach einem Jahr der Trennung steht Ex-Freundin Hee-Soo in My Dear Enemy plötzlich wieder vor Byoung-Woon. Zum Plaudern ist sie aber nicht gekommen.

Der Tag auf der Rennbahn beginnt mit einer Überraschung für Byoung-Woon. Er trifft seine Exfreundin Hee-Soo wieder. Leider ist das Treffen nicht ganz zufällig. Hee-Soo möchte die 3.500 Dollar zurück, die sie ihm vor einem Jahr geliehen hat. Nicht ganz einfach, denn Byoung-Woon ist dummerweise genauso abgebrannt wie Hee-Soo. Zum Glück kennt der lebenslustige Byoung-Woon eine Menge Frauen, die ihm seltsam bereitwillig Geld geben. Und so verbringen die beiden einen ganzen Tag damit, auf der Suche nach Geld durch die Stadt zu ziehen.

Dass es zwischen der vernünftigen Realistin Hee-Soo und dem liebenswert kindlichen Träumer Byoung-Woon nicht recht klappen konnte, wird dem Zuschauer dabei schnell klar. Oder vielleicht doch? Je länger der Tag dauert, und je mehr Freundinnen und Freunde die beiden zusammen abklappern, die alle Byoung-Woon ein bisschen Geld geben, desto mehr wird klar, wie sehr die beiden trotz aller Unterschiede sich bedeutet hatten, als sie noch ein Paar waren.

Und so kommen sich die beiden im Laufe dieses Tages streitend und doch immer wieder mit einer seltsam zärtlichen Zuneigung, die zu zeigen sich beide nicht recht trauen, doch wieder näher. Dass uns Regisseur Lee Yoon-ki ein Happy-End vorenthält, muss dabei nicht enttäuschen. Am Ende des Tages haben sie die 3500 Dollar zusammen – fast zusammen. Einen kleinen Schuldschein behält Hee-soo. Grund genug, Byoung-Woon nochmal mit einem Besuch zu überraschen.

So einfach die Geschichte auch sein mag, Lee Yoon-ki hat daraus ein kleines Meisterwerk gemacht. Als filmisches Vorbild nennt Yoon-ki ganz zu Recht Woody Allen. Und das nicht nur wegen der eingesetzten Jazz-Musik, die My Dear Enemy eine gewisse Zeitlosigkeit gibt. Wie dem großen Vorbild Allen gelingt es dem koreanischen Regisseur, dem Film eine spielerische Leichtigkeit und einen feinen leisen Humor zu geben. Und nicht zuletzt die Spielfreude der beiden großartigen Schauspieler Jeon Do-Yeon und Ha Jung-Woo sorgt dafür, dass man diesen kleinen Film nicht so schnell vergisst. Einer der Höhepunkte des diesjährigen Forums, der hoffentlich auch den Weg in die deutschen Kinos finden wird.

Wiederholung: CineStar 8 15.02. 19:30

Geirrs therapeutische Methode: der Revolver (Foto: FFF)

In Bård Breiens schwarzhumorigem und »politisch (völlig) unkorrekten« Regiedebüt kämpfen der gelähmte Geirr und die Psychologin Tori um das beste Therapiekonzept: die Methode des Positive Thinking vs. die Kunst des Negativen Denkens. Der Regisseur bricht nicht nur gesellschaftliche Tabus, sondern dekonstruiert sie auch als verheerend.

Nach einem schweren Unfall ist Geirr an den Rollstuhl gefesselt und impotent – ein wahrer Grund schlecht drauf zu sein. Das kostet er auch mit aller Intensität aus. Kiffend vergräbt er sich in sein dunkles Zimmer, sieht blutige Kriegsfilme oder hört die späten Alben von Johnny Cash.

Seine Frau Ingvild kann sich das nicht länger mit ansehen und plant eine Überraschung: Sie lädt die Psychologin Tori ein, die kurz vor der Veröffentlichung ihres Buchs steht, in dem sie ihre Methode des positiven Denkens vorstellt. Als Beweis für den Erfolg ihres Therapiekonzepts hat sie eine Gruppe Behinderter mitgebracht. Alle gemeinsam sollen Geirr nun davon überzeugen, wie wunderbar das Leben trotz seiner Widrigkeiten doch ist, vorausgesetzt man beherrscht das positive Denken. Doch das hat Geirr gerade noch gefehlt und so benebelt er die ankommende Meute erst einmal mit einem Feuerlöscher.

Toris Konzept des positiven Denkens besteht darin, aufkommende depressive und nihilistische Gedanken ganz schnell in einen »Scheißbeutel«, ein selbstgehäckeltes buntes Hippiesäckchen, zu sprechen, um sich dann wieder ausführlich den konstruktiven, zielfördernden und positiven Dingen des Lebens hinzuwenden. Doch Geirr hat keinen Bock darauf und infiziert mit seiner negativen Haltung die ganze Truppe. Noch bevor die Psychologin bis drei zählen kann, sitzen ihre Schäfchen schnapstrinkend da und »spielen«: »Wem geht es am miesesten?« – Der hat gewonnen.

Bård Breien ist mit seinem Regiedebüt THE ART OF NEGATIVE THINKING (Deutscher Verleihtitel: DIE KUNST DES NEGATIVEN DENKENS) eine herrlich unkorrekte und schwarzhumorige Komödie gelungen. Das »Scheißsäckchen« steht symbolisch für das gesellschaftliche Tabu, einfach mal offen auszusprechen: »Ich fühl mich total Scheiße, bin impotent und behindert.« Das Komische beruht also auf Normverletzungen, auf Tabubrüchen. In Sigmund Freuds Studie »Der Witz und seine Beziehung zum Unbewussten« schreibt der Psychoanalytiker, dass der Witz aus Regel- und Normverstößen bestehe und für kurze Zeit die gewohnte, soziale Ordnung auf den Kopf stelle. Damit habe er auch eine medizinische, weil kathartische, Bedeutung.

Die Kunst des negativen Denkens quasi nach Freud ist also das therapeutische Gegenmodell von Geirr, das er bis zum Exzess betreibt. Er reißt tabusierte Behindertenwitze und deckt »politisch korrektes Verhalten« gegenüber Behinderten als scheinheiliges und falsches Getue auf. Alle dürfen endlich mal das tun, was sie bisher nicht durften: Sich richtig intensiv auskotzen, Drogen nehmen, sich Gehen lassen. Es wird einfach mal Tacheles geredet. Nichtbehinderte sind von der Party ausgeschlossen!

Bård Breiens Komödie geht noch einen Schritt weiter, als lediglich Tabus zu verletzen. Er stellt die gewohnte, soziale Ordnung als falsch und verheerend da. Er dekonstruiert die im sozialen Bereich weitverbreitete Methode des positiven Denkens als eine verheerende Lüge, die Konflikte lediglich kaschiert. Denn sobald Geirr die Psychologin aus dem Haus geprügelt hat und den ganzen Einfluß auf die Gruppe ausübt, brechen die verborgenen Probleme erst so richtig auf. Es stellt sich nämlich heraus, dass die Person, die am intensivsten von der Methode des positiven Denkens überzeugt war, eigentlich am tiefsten in der Scheiße steckt. Die Person mit der höchsten Fallhöhe hat es also wieder mal erwischt – früher oder später wäre sie ohnehin mit dem Problem konfrontiert gewesen. Mit einer noch größeren Fallhöhe.

Aber man darf beruhigt sein, denn der Film bewahrt die Genrekonvention der Komödie, wenn doch auf seine Art – nach der Methode des negativen Denkens. THE ART OF NEGATIVE THINKING kann man der Behindertenkomödie zurechnen, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Tabus zu brechen. Dass die Skandinavier Meister in politisch unkorrekten Filmen sind, haben sie mit dieser Tragikkomödie einmal mehr bewiesen.

Beim Ghost-Busters-Dreh

Der neue Film von Michel Gondry (SCIENCE OF SLEEP) ist eine märchenhafte Utopie: Statt Blockbuster mögen die Leute nur noch selbstgedrehte Trashremakes. Der Trashfilmer selbst aber wird als innovatives Genie gefeiert. Absolut komisch!

Gleich zu Beginn will uns ein Film im alten Stummfilmformat weismachen, dass der Jazz gar nicht in New Orleans, sondern in einem kleinen Kaff von einem gewissen Fats Waller erfunden wurde. Dieser Fats Waller soll ausgerechnet in dem alten Videoladen von Mr. Fletcher geboren worden sein. Die alten Archivaufnahmen sind natürlich Fake, gedreht von den zwei Nerds Jerry und Mike, um das halb verfallene Haus vor dem Abriss zu retten. Aber eigentlich muss man die Geschichte anders beginnen.

Der alte nette Mr. Fletcher besitzt einen Videoladen, Old Style. Also einen wirklichen Videoladen und nicht, was sich heute Videoladen schimpft. Als er zu hören bekommt, dass das Haus abgerissen werden soll, denkt er, dass eine geschäftliche Modernisierung das Haus retten könne. Er begibt sich auf Geschäftsreise, um die Konkurrenz zu studieren. Seinem Angestellten Mike erzählt er eine Ausrede und übergibt ihm die Verantwortung für den Laden. Kaum ist Fletcher verschwunden, taucht Jerry auf, der in seinem Wohnwagen neben einem Kraftwerk haust. Jerry hat den Verdacht, dass er durch die Strahlung des Kraftwerks zu einem gefügigen Bürger gemacht wird, also plant er einen Sabotageakt. Doch der geht schief und Jerry ist plötzlich magnetisch. Da er ständig im Laden rumlungert, werden alle VHS-Tapes mit einem mal gelöscht.

Mr. Fletcher hat inzwischen eine alte Freundin instruiert, auf die beiden aufzupassen und ihm mitzuteilen, falls etwas schief läuft. Ausgerechnet als Jerry und Mike gerade entdeckt haben, dass sämtliche VHS-Kassetten leer sind, schneit sie in den Laden. Sie lässt gleich durchblicken, dass Fletcher sie als Beobachterin beauftragt hat und außerdem hätte sie gern noch GHOST BUSTERS. Jerry und Mike können sie gerade noch auf den Abend vertrösten. In ihrer Not kommen sie auf die Idee den Film nachzudrehen, schließlich kennt sie ja nur das Cover. In Windeseile fangen die beiden an, GHOSTBUSTERS zu remaken, beginnend mit der Szene in der Bibliothek, in der erste Geist auftaucht.

Der neue Film von Michael Gondry (SCIENCE OF SLEEP) strotzt mal wieder vor verrückten Ideen. Und natürlich ist diese absolut witzige und leichte Komödie mehr als nur typisches Nerd-Geblödel, von dem es in den Multiplexen nur so wimmelt. Es ist eine Hommage an Blockbuster wie GHOST BUSTERS, ROBOCOP und KÖNIG DER LÖWEN, den guten alten Stummfilm, vor allem aber an den Trashfilm. Denn wie auch schon in Tim Burtons ED WOOD wird der Trashfilmer als ein innovatives Genie gefeiert, der sich vor lauter Ideen und Einfällen nicht mehr die Zeit für Perfektion nehmen kann. Und da Jerry und Mikes Filme Erfolg haben und ihnen die Kunden die Tür einrennen, stehen sie unter enormen Zeitdruck, der sie ebenfalls zu solch einfallsreichen Genies macht. Behaupte da einer, es sei keine Kunst, die mit vielen Special Effects durchgestylten Blockbuster mit den einfachsten Mitteln nachzudrehen.

Der alte Mr. Fletcher weiß von allem erst mal nichts und studiert eine »Videothek« von heute. Während er sich notiert, »vereinfachte Kategorien, Komödie, Action-, und Abenteuerfilm« und »statt Vielfalt, 20 Exemplare des gleichen Films«, fragt ihn ein Angestellter, warum er schon seit zwei Stunden im Laden herumsteht. Fletcher kontert, indem er ihn nach einem bestimmten Film fragt. Der Angestellte guckt ihn an wie ein Auto – »keine Fachkenntnisse nötig« notiert sich Fletcher.

BE KIND REWIND ironisiert die Film-»Kultur« der großen Videostores, die nur noch ihre 300 Blockbuster im Programm haben. Indem Jerry und Mike mit den billigsten Mitteln Remakes drehen, hauchen sie den seelenlosen Popcorn-Filmen durch Innovation Leben ein. Gondry, der unter anderem schon Videoclips für Daft Punk, Björk, The Cemical Brothers und Massive Attack gedreht hat, ironisiert aber auch den Starkult. Kaum haben sie den ersten Trash abgedreht, will Jerry plötzlich Anerkennung und um so mehr Filme sie drehen, um so stärker entwickelt er Allüren.

BE KIND REWIND ist ein Feel-Good-Movie, eine komisch-spaßige Utopie, in der wie in SMOKE, ein Laden zum Begegnungspunkt für die Nachbarn wird und in der die Leute Trashfilme plötzlich lieber haben als Blockbuster.